MCA 시카고의 빛과 공간 운동 뒤에

빛과 공간 운동이 추상 미술에 대한 제 마음을 처음 열어준 계기라고 생각합니다. 젊었을 때 저는 이해할 수 없는 것에 짜증을 냈습니다. 추상 미술은 저의 혼란을 더했고, 불안을 키웠습니다. 그 모든 것이 인디애나폴리스 미술관에서 로버트 어윈의 제목 없는 작품을 만났을 때 바뀌었습니다. 그 작품은 1960년대 후반 어윈이 만든 이른바 “원반” 중 하나였는데, 제가 보았을 때 이미 25년이 넘은 작품이었습니다. 벽에서 돌출된 볼록한 아크릴 원형으로, 네 개의 조명이 교차하여 네 개의 동일한 원형 그림자를 드리웠습니다. 그 존재감은 저를 변화시켰습니다. 이전에 수백 번 교회나 사원에 섰을 때보다 오히려 신성한 공간에 있는 듯한 느낌이 들었습니다. 신성함을 느낀 것은 작품 자체도, 환경도 아니었습니다—제 마음이 갑자기 알지 못하는 것의 아름다움에 열리게 된 것이었습니다. 눈 깜짝할 사이에 이해하지 못함이 기쁨이 되었고, 혼란이 경이로움으로 바뀌었습니다. 미술관을 걸으며 다른 모든 추상 작품을 새로운 맥락에서 보게 되었고, 심지어 제 자신도 다르게 보았습니다. 올해 시카고 현대미술관에서 열리는 새로운 전시회는 모두가 제가 오래전에 경험한 빛과 공간 운동의 매력과 마법을 체험할 기회를 제공합니다. 끝없는 여름이라는 제목의 전시는 MCA 소장품과 월터 및 돈 네치 유산에서 최근 기증된 작품들을 함께 선보입니다. 1966년 영화 제목에서 따온 이 전시는 완벽한 날씨와 끝없는 파도를 따라 세계를 여행하는 서퍼들을 다루며, 빛과 공간 운동이라는 이름을 얻게 한 남부 캘리포니아 예술가들이 처음 영감을 받은 이상을 밝히려는 시도입니다.

공허의 힘

먼저 말해야 할 점은 끝없는 여름(MCA 전시, 영화가 아닙니다)이 한 가지 뚜렷한 약점이 있다는 것입니다—존 맥러플린의 작품이 부족하다는 점입니다. 거의 모든 작가들이 그를 인정하지 않지만, 맥러플린은 모든 빛과 공간 미술의 철학적, 시각적 근원이었습니다. 그는 어윈, 제임스 터렐, 헬렌 패시지안, 래리 벨 같은 이른바 1세대 빛과 공간 예술가들과 리타 알부케르케, 메리 코스 같은 2세대 예술가들에게 영감을 준 개념적이고 시각적인 언어를 탐구한 최초의 남부 캘리포니아 예술가였습니다. 일부는 그가 독학이라는 이유로 무시하고, 또 일부는 그의 작품이 빛과 공간 운동에 대한 학문적 논의에서 자주 언급되는 “마감 집착”이라는 별명에 깔끔하게 들어맞지 않는다는 이유로 무시합니다. 그러나 빛과 공간 미술의 역사와 가치를 진지하게 논의하려면 그를 빼놓을 수 없습니다.

Peter Alexander - 브라운 블랙 웨지, 1969년. 주조 폴리에스터 수지; 91 ¾ × 4 × 3 15/16 인치 (233.1 × 10.2 × 10 cm). 시카고 현대미술관 소장, 월터 네치와 돈 클라크 네치 유산 기증, 2014.54. 사진: 네이선 키, © MCA 시카고.

맥러플린은 세 가지에서 예술적 영감을 받았습니다: 물체 사이의 공허가 물체만큼 중요하다는 것을 가르친 선(禪) 철학; 기하학적 형태의 보편성을 가르친 카지미르 말레비치의 저작; 그리고 완전한 추상이 진보적인 미학 실천에 필수적임을 확신시킨 피에트 몬드리안의 작품. 1940년대 후반 로스앤젤레스와 샌디에이고 사이의 작은 서핑 마을 다나 포인트에서 작업하며, 그는 이 아이디어들을 융합해 순수 추상 회화를 창조했습니다. 기하학적 형태 사이의 공간을 사용해, 그가 말하길 “관람자의 자연스러운 사색 욕구를 강화”했습니다. 중립적인 배경에 색색의 직사각형을 그려 어둠과 빛, 공허와 충만이라는 상호 보완적 힘을 활용해 관람자가 자신의 인식을 질문하도록 영감을 주었습니다. 존재하는 것으로 보이는 것을 사용해 존재하지 않는 것으로 보이는 것에 주목하게 했습니다. 그는 공허의 힘을 드러냈습니다—빛과 공간 미술 작품의 토대입니다.

John McCracken - 제목 없음, 1967년. 유리섬유, 폴리에스터 수지, 나무; 96 3/16 × 10 1/8 × 3 1/8 인치 (244.2 × 56.4 × 7.9 cm). 시카고 현대미술관 소장, 일레아나 소나베드 기증, 1984.53. © 존 맥크라켄 유산, 데이비드 즈위너 뉴욕 제공. 사진: 네이선 키, © MCA 시카고.

존재하는 것

제임스 터렐의 스카이스페이스에 들어서면 구체적인 환경을 보게 됩니다. 그러나 그 안에는 공간이 열려 있습니다—공허가 있습니다. 공허를 통해 하늘이 보입니다. 조명이 내부 환경을 밝힙니다. 그렇다면 작품의 핵심은 무엇일까요? 빛일까요? 환경일까요? 공허일까요? 작품에 대한 인식은 시간에 따라 변합니다. 인지된 현실을 의심하기 시작하고, 마음이 생각하기 시작하는 다른 것들을 숙고하게 됩니다. 마찬가지로 헬렌 패시지안의 설치 작품 앞에 서면, 처음에는 빛나는 탑들이 눈길을 끕니다. 그러나 곧 그 주위 공간, 그림자와 빛이 어우러지는 곳을 인식하게 됩니다. 작품의 가장 비물질적인 요소인 빛과 공간을 가장 중요하게 여기게 됩니다. 작품의 진정한 주제가 무엇인지 궁금해집니다. 중요한 것에 대한 이해가 진화합니다. 이것이 빛과 공간 미술의 마법입니다.

Robert Irwin - 제목 없음, 1965–67년. 형태를 낸 알루미늄에 아크릴 래커; 지름 60인치 × 두께 4인치 (152.4 지름 × 10.2 cm). 시카고 현대미술관 소장, 라난 재단 기증, 1997.40. © 2017 로버트 어윈/예술가 권리 협회(ARS), 뉴욕. 사진: 네이선 키, © MCA 시카고

오늘날 우리가 아는 추상 미술 발전에 매우 중요한 이 운동을 반영하는 만큼, 저는 시카고 현대미술관에서 열리는 끝없는 여름 전시(2018년 1월 27일 – 8월 5일)를 방문할 것을 권합니다. 다만 이 전시는 완전하지 않다는 점을 유념하세요. 남성 예술가에 편중되어 있고, 운동의 모든 뿌리를 다루지 않으며, 많은 영향력을 끼친 이들을 이야기에서 제외합니다. 그러나 MCA는 빛과 공간 전시회를 완전하게 구성한다고 주장하지 않습니다. 이것은 훨씬 더 큰 세계를 엿볼 수 있는 작은 창입니다. 뉴멕시코의 드완 라이트 성소, 휴스턴 라이스 대학교 캠퍼스의 터렐 스카이스페이스, 밀라노 키에사 로사에 있는 댄 플라빈 설치 작품 같은 잘 알려지지 않은 영구 작품들을 발견하는 출발점으로 삼으세요. 인식을 확장하도록 설계된 이 운동에 대한 여러분만의 모험을 시작하세요. 추상 미술의 힘과 가능성에 마음을 열기 위해 이 전시를 활용하세요.

대표 이미지: Ed Ruscha - 뉴스, 1970년. 종이에 실크스크린; 6장으로 구성된 포트폴리오, 각 장: 23 × 31 ¾ 인치 (58.4 × 80.6 cm), 각 액자: 29 × 37 1/8 인치 (73.7 × 94.3 cm). 시카고 현대미술관 소장, 니콜로 피냐텔리 기증, 1979.29.3. © 에드 루샤. 사진: 네이선 키, © MCA 시카고.

모든 이미지는 설명 목적으로만 사용되었습니다

필립 Barcio 작성