댄 플래빈과 추상 빛 설치 작품
추상 미술에는 종종 영적인 분위기가 동반됩니다. 아름다움이 풍부하고 의미가 모호한 곳에서 신비주의가 번성합니다. 그러나 일부 추상 미술가들은 자신의 작품에 심오함이나 초월적 특성, 또는 미적 형식 외에 어떤 의미도 담겨 있지 않다고 부인합니다. Dan Flavin은 이러한 현상의 전형적인 예입니다. 20세기 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명인 플래빈은 현대 미술에서 빛의 사용에 있어 새로운 지평을 열었습니다. 그의 작품은 아름답고 전례가 없으며, 창의적인 해석에 적합합니다. 그들의 천상적인 성질, 빛나는 광채, 심지어 제목조차도 신성함과 연관 짓게 만듭니다. 그러나 플래빈은 그러한 연관성이 아무런 가치가 없다고 주장했습니다. 자신의 예술이 단순히 건축을 비추는 빛에 불과하다고 고집하며, 플래빈은 “사실 빛을 그렇게 생각하지 않을 수도 있지만, 나는 그렇게 생각합니다. 그리고 그것은, 내가 말했듯이, 당신이 만날 수 있는 가장 명확하고 개방적이며 직접적인 예술입니다.”라고 말했습니다.
상징적이거나 아이러니한
플래빈은 뉴욕 퀸스의 아일랜드계 가톨릭 가정에서 자랐습니다. 십대 시절 그는 사제가 되기 위해 공부했습니다. 그러나 교회에서의 삶에 마음이 움직이지 않아 19세에 형과 함께 군에 입대했습니다. 한국에서 복무하는 동안 그는 진지하게 미술을 공부하기 시작했고, 복무를 마친 후 뉴욕으로 돌아와 미술 공부를 계속하며 박물관에서 잡일을 했습니다. 1961년, 다양한 회화와 콜라주 스타일을 실험한 후, 그는 벽에 걸고 전구로 연결된 칠해진 상자 시리즈인 첫 번째 빛 기반 작품을 만들었습니다. 그는 이 작품들을 “아이콘”이라고 불렀습니다.
아이콘이라는 단어는 비잔틴 시대 러시아 정교회 화가들이 만든 빛나는 신성한 그림을 가리켰습니다. 가톨릭 가정에서 자란 자신의 배경과 사제가 되기 위해 5년간 공부한 경험을 고려할 때, 플래빈이 이 작품들에 아이콘이라는 단어를 사용한 것은 영적인 의도를 암시할 수 있습니다. 그러나 비잔틴 아이콘 그림은 엄격한 미적 기준에 따라 정성스럽게 만들어졌습니다. 그들은 빛나는 효과를 내기 위해 값비싸고 희귀한 재료를 사용했으며, 신성을 기리기 위해 지어진 화려하고 신성한 공간의 내부를 장식하기 위해 제작되었습니다. 반면 플래빈의 아이콘은 속이 빈, 저렴한 재료로 만든 최소한의 물체였습니다. 대량 생산된 빛을 사용해 광채를 냈으며, 플래빈에 따르면 “황량한 방을 기념하는 구성된 집중체”였습니다. 역사적 원본과는 모든 면에서 정반대였습니다. 그렇다면 이것이 상징적인 것일까요, 아니면 플래빈이 아이러니를 표현한 것일까요?
Dan Flavin - 제목 없음 (베로니크에게), 1987년. 빨강, 노랑, 파랑, 초록 형광등. 96인치; 243.8cm. 런던 Waddington Custot
빛의 기념비
첫 번째 아이콘을 만든 지 2년 후, 플래빈은 돌파구를 맞이했습니다. 그는 칠해진 상자를 없애고, 어떤 부차적인 미적 지지대도 사용하지 않고 대신 빛을 벽에 직접 부착하는 방식을 택했습니다. 약간 변형된 상점에서 구입한 형광등을 예술 작품으로 사용함으로써 그는 일상 재료와 기성품을 사용하는 다다이즘과 미니멀리즘과 같은 운동과 연관되었습니다. 플래빈은 이 새로운 스타일의 첫 작품을 콘스탄틴 브랑쿠시에게 헌정했는데, 그의 끝없는 기둥 조각이 플래빈의 사고에 영향을 주었습니다.
엄격한 색상 팔레트와 제한된 전구 크기 범위에 자신을 제한하며, 플래빈은 이 새로운 스타일이 제공하는 가능성을 활발히 탐구하기 시작했습니다. 그는 러시아 구성주의 예술가 블라디미르 타틀린에게 헌정된 50개의 피라미드 모양 “기념비”를 만들었고, 자신에게 영향을 준 다른 예술가들, 예를 들어 알렉산더 칼더, 로버트 라이먼, 재스퍼 존스에게 헌정된 수많은 제목 없는 형광등 작품을 제작했습니다. 주목할 점은 이 작품들이 단순히 미적 대상의 기능을 할 뿐만 아니라, 전시된 공간의 인식을 변화시키는 역할도 했다는 것입니다.
Dan Flavin - "기념비" 1, V. 타틀린을 위해, 1964년. 형광등 튜브 (차가운 흰색). 96 1/10 × 23 1/5 인치; 244 × 59 cm. Fondation Beyeler, 리엔 전시 “검은 태양”
모퉁이, 장벽, 복도
플래빈 작품에 대한 관심이 높아지면서 그는 전시할 수 있는 건축 공간의 범위가 넓어졌습니다. 그는 이 발전을 활용해 빛 작품이 건축 공간의 성질에 미치는 영향을 더 깊이 탐구했습니다. 그는 자신이 만든 다양한 아이디어를 그들이 자리 잡은 공간에 따라 “모퉁이,” “장벽,” “복도”라는 이름으로 분류했습니다. 그의 “모퉁이” 작품은 건축 공간의 모퉁이에 자리 잡아, 모퉁이 자체에서 미적 현상을 만들거나 모퉁이를 출발점으로 삼아 나머지 공간에 영향을 미쳤습니다. 그의 “장벽”은 공간에 인공적인 구분을 만들어 빛이 관람자의 경험에서 중심이자 방해자가 되도록 했습니다.
플래빈의 “복도” 작품은 빛을 사용해 복도의 미적 경험을 변화시켰습니다. 어떤 경우에는 복도의 인식을 왜곡했고, 또 어떤 경우에는 복도가 빛 작품의 전시장 역할을 했으며, 때로는 단순히 공간의 미적 아름다움을 더 돋보이게 했습니다.
Dan Flavin - 제목 없음 (갤러리 30주년을 맞아 레오를 기리며), 1987년. 빨강, 분홍, 노랑, 파랑, 초록 형광등. 96 × 96 인치; 243.8 × 243.8 cm. 샌프란시스코 현대미술관 (SFMOMA), 샌프란시스코
상황과 제안
플래빈 작품의 모호성 때문에 그는 더 이상 자신의 작품을 예술작품이라고 부르지 않았습니다. 그는 자신의 빛 작품이 관람자가 작품 앞에서 경험할 수 있는 것의 일부에 불과하다는 것을 알고 있었습니다. 관람자의 전체 경험은 그 자신도 예측할 수 없을 만큼 훨씬 더 컸습니다. 그래서 그는 자신의 작품을 “상황”과 “제안”이라고 부르기 시작했는데, 이는 그것들이 진행 중인 미적 과정의 시작에 불과하다는 뜻을 내포합니다.
어떤 “상황”은 교회와 같은 신성한 장소에 자리 잡았고, 다른 것들은 산업 공간에, 또 다른 것들은 박물관과 같은 전통적인 예술 환경에 자리 잡았습니다. 플래빈 상황의 전체 경험은 빛, 건축, 대기 조건뿐 아니라 관람자가 그 특정 공간 유형과의 기존 관계를 바탕으로 환경에 가져오는 개인적 요인에 달려 있습니다.
Dan Flavin - 1963년 5월 25일의 대각선, 1963년. 파란 형광등. 96인치; 243.8cm. 샌프란시스코 현대미술관 (SFMOMA), 샌프란시스코
빛나는 빛들
그렇다면 우리는 플래빈의 작품을 어떻게 맥락화해야 할까요? 그 추상적 특성은 형식적 특성 너머에 더 깊고 숨겨진 의미를 담고 있을까요? 물어보는 사람에 따라 다릅니다. 플래빈의 빛 설치 작품은 그들이 자리 잡은 공간과 너무나 아름답게 어우러지기 때문에, 관람자들이 그것을 만났을 때 감정적으로 반응하는 것은 자연스러운 일입니다. 대부분의 경우 대부분의 시간에 방은 단지 실용적인 공간일 뿐이며, 즐거움이 아닌 기능을 위해 조명이 켜집니다. 누군가가 사업이 아닌 아름다움을 위해 공간을 밝힐 때 우리는 그것을 분위기 조명이라고 부르는데, 이는 생생한 감정적 반응을 불러일으키기 때문입니다.
그러나 자신의 작품에 내재된 의미가 없다는 주장과 관련해, 플래빈은 유명하게 “있는 그대로다”라는 표현을 만들었고, 이어서 “다른 것은 아무것도 아니다... 모든 것이 명확하고, 개방적이며, 분명하게 전달된다.”고 말했습니다. 그럼에도 불구하고, 망치를 사용해야 할 곳에 드라이버를 사용하는 아이들처럼, 우리는 여전히 플래빈의 예술을 우리 목적에 맞게 재해석하고 싶어 합니다. 어쩌면 그것은 권리 의식의 표현일지도 모릅니다. 우리는 예술가의 의도와 상관없이 작품을 우리 방식대로 대상화할 주권적 권리가 있다고 생각합니다. 아니면 이것을 해석자의 시선이라고 부르는 것이 좋을지도 모릅니다. 이는 예술 관람자가 스스로에게 부여하는 선물로, 작품과 우리 자신이 결합할 때 그 가치가 개별 부분의 합보다 더 커지게 합니다.
대표 이미지: Dan Flavin - 1963년 5월 25일의 대각선 (콘스탄틴 브랑쿠시에게), 1963년
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 Barcio 제공
