퐁피두 센터, 앙리 마티스 150주년 생일 기념

1971년, 프랑스 시인 루이 아라공은 Henri Matisse라는 전례 없는 문학 작품을 발표했습니다. 아라공은 이를 소설이라고 표현했지만, 이 작품은 회고록, 시, 의견, 스케치, 그리고 아라공이 생애 마지막 13년 동안 친구인 앙리 마티스와 나눈 즐거운 대화 기록이 느슨하게 결합된 형태에 더 가깝습니다. 이 방대한 책은 두 권의 양장본으로 구성되어 700페이지가 넘으며, 아라공이 완성하는 데 27년이 걸렸습니다. “이 책은 그 자체의 혼돈 외에는 아무것도 아니다,”라고 아라공은 썼습니다. “27년에 걸쳐 흩어진 핀들의 흔적과 같다.” 그의 목표는 마티스의 전기를 쓰거나, 그의 예술을 비평하거나, 심지어 묘사하는 것이 아니었습니다. 아라공이 이 책으로 이루고자 한 유일한 것은 “한 사람의 차분하고 먼 메아리를 울리는 것”이었습니다. 저는 수년간 이 책을 천천히 읽으며 조금씩 다시 읽어왔습니다. 이제 완독할 완벽한 이유가 생겼습니다. 올해 10월(코로나19 팬데믹이 진정되고 박물관이 다시 대중에게 개방된다는 가정 하에), 퐁피두 센터는 아라공의 소설에서 영감을 받은 회고전 을 선보일 예정입니다. 이 전시는 예술가의 150주년 생일을 기념하기 위해 기획되었으며, 기술적으로는 2019년 12월 31일에 이미 지났지만, 마티스와 함께 몇 시간을 보내기에 좋은 어떤 핑계라도 충분합니다. 전시될 작품들은 매우 특별할 것으로 기대됩니다. 여러 국제 및 개인 소장품에서 드물게 전시되는 작품들뿐만 아니라, 프랑스의 네 개 박물관 소장품도 포함됩니다: 국립현대미술관, 그르노블 미술관, 그리고 두 개의 프랑스 마티스 미술관(카토-캉브레시와 니스 소재). 가장 중요한 것은 마티스의 전 생애에 걸친 글들이 풍부하게 포함된다는 점입니다. 이렇게 많은 마티스 작품을 그의 통찰과 회상과 함께 보는 것은 아라공이 시작한 것에 촉각적인 무언가를 더해, 관람객들이 아라공이 말한 “마티스가 남기고자 했던 자기 표현”을 직접 이해할 수 있게 할 것입니다.

자신을 그리다

아라공의 소설을 접하기 전, 저는 마티스가 누구인지, 무엇인지에 대해 나름의 뚜렷한 생각을 가지고 있었습니다. 저는 그를 강박적으로 창조적인 전략가로 보았습니다. 예술을 만들지 않고는 살 수 없으며, 끊임없이 혁신하지 않으면 지루함에 죽을 사람으로 여겼습니다. 그는 현대성의 최전선에 서고자 하는 강한 열망을 가진 사람으로 보였으며, 이는 아마도 자아에서 비롯된 충동이었을 것입니다. 제가 아는 몇 안 되는 예술가 중 하나로, 유행을 따르기보다 스스로 유행을 시작하려는 노력을 확실히 했고, 자신의 시각 언어를 끊임없이 재창조한 사람이었습니다. 저는 직접 본 그의 몇몇 그림에 감명을 받았지만, 그 작품들에서 마음 깊은 곳에서 우러나오는 감정을 거의 느끼지 못했다고 인정해야 했습니다. 작품을 즐기긴 했지만, 개인적인 연결고리를 형성하는 데는 어려움이 있었습니다.

Henri Matisse - 자화상, 1906년. 캔버스에 유화, 55 × 46 cm. 코펜하겐 국립미술관. © Succession H. Matisse. 사진 © SMK Photo/Jakob Skou-Hansen

아라공은 마티스의 인간적인 면을 보게 해주었습니다. 시인은 제2차 세계대전 중 마티스를 처음 만났습니다. 공산주의자이자 독일 점령에 저항하는 프랑스 레지스탕스의 적극적인 일원인 아라공은 아내인 러시아 작가 엘사 트리올레와 함께 니스로 피신했습니다. 마티스는 근처에 살고 있었기에 아라공은 자신을 소개했고 두 사람은 친구가 되었습니다. 아라공은 마티스가 작업하는 동안 작업실에 머물렀고, 작업 외 시간에도 교류했습니다. 그들의 대화와 편지는 지적이고 심지어 영적인 유대를 드러냅니다. 저는 항상 마티스가 현대성을 그리는 데 관심이 있다는 것을 알고 있었지만, 아라공의 통찰력 있는 글을 통해 마침내 제가 이해하지 못했던 단순한 진실을 깨달았습니다: 마티스는 현대성을 그린 것이 아니라, 마티스를 그린 것이었습니다. “모든 캔버스,” 아라공은 썼습니다, “그의 목탄, 연필, 펜이 헤매는 모든 종이는 마티스가 자신에 대해 표현하는 말이다.” 현대성은 마티스가 누구이며 무엇인지를 이루는 필수적인 부분일 뿐이었습니다.

Henri Matisse - Verve, 35-36호, 1958년. 잡지, 36.5 × 26.5 cm (접힌 상태). 파리 퐁피두 센터, 칸딘스키 도서관. © Succession H. Matisse. 사진 © 퐁피두 센터, Mnam-Cci, 칸딘스키 도서관 / Dist. Rmn-Gp

새로움을 찾아서

에 포함된 수많은 작품들을 훑어보면, 새로움을 찾는 것이 마티스에게 필수적이었다는 점이 즉시 드러납니다. 그는 생애 동안 적어도 여섯 가지 이상의 뚜렷한 양식 변화를 거쳤습니다. 1942년의 한 인용문은 이것이 마티스가 남기고자 했던 유산과 연결된 의도적인 추구였음을 암시합니다: “예술가의 중요성은 그가 조형 언어에 도입한 새로운 기호의 양으로 측정된다.” 덜 알려진 점은 마티스가 새로움을 찾는 일이 얼마나 고된 작업이었는가 하는 것입니다. 2010년 시카고 미술관과 현대미술관(MoMA)은 이라는 회고전을 공동 개최했습니다. 전시를 준비하는 과정에서 보존 전문가들은 마티스의 작품 <강가의 목욕하는 사람들>(1909, 10, 13, 16, 17)을 새롭게 분석했습니다. 이 특이한 날짜는 그들이 대형 무봉합 엑스레이를 분석하며 발견한 내용을 암시합니다.

Henri Matisse - Les Tapis rouges, 1906년. 캔버스에 유화, 86 × 116 cm. 그르노블 미술관. © Succession H. Matisse. 사진 © 그르노블 시/그르노블 미술관- J.L. Lacroix

마티스는 거의 10년에 걸쳐 이 구도를 반복해서 그렸다 지우고 다시 그렸습니다. 각 새 버전은 새로운 색채, 새로운 질감, 새로운 형태, 새로운 선, 그리고 새로운 구성을 포함했습니다. 마티스는 이 과정을 “현대적 구성의 방법”을 이해하려는 시도의 일부라고 불렀습니다. 그는 또한 구상 거장들의 작품과 동시대 작가들의 작품을 연구하고 모방하며, 그 요소들을 재배열하여 무엇이 그림을 “현대적”으로 만드는지 발견하려 했습니다. 오늘날 그의 여러 변화를 살펴보며 그의 글을 읽으면, 그가 얼마나 내성적으로 자신의 과정을 접근했는지 알 수 있습니다. 처음에는 급진적인 도약처럼 보였던 변화들이 실제로는 수년에 걸쳐 천천히 일어났습니다. 마티스는 가장 예상치 못한 곳, 심지어 오래된 것 속에서도 새로움을 발견할 수 있는 독특한 감각을 지녔습니다. 그의 글은 그 감각을 키우기 위해 얼마나 열심히 노력했는지를 보여주며, 그의 성취가 얼마나 어렵고 놀라운 것이었는지를 증명합니다.

대표 이미지: Henri Matisse - La Tristesse du roi, 1952년. 종이에 과슈, 오려 붙이고 캔버스에 붙임. 292 × 386 cm. 파리 퐁피두 센터, 국립현대미술관. © Succession H. Matisse. 사진 © 퐁피두 센터, Mnam-Cci/Philippe Migeat/Dist. Rmn-Gp
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다
필립 Barcio 작성