아이디어의 시각적 구현으로서의 초기 추상 미술

초기 추상 미술의 아이러니 중 하나는 많은 사람들이 그것이 무작위적이고, 임의적이며, 의미가 없다고 의심했다는 점이다. 물질 세계의 객관적인 표현만을 받아들이도록 훈련된 관객들은 바실리 칸딘스키가 표현한 것처럼 “영혼의 비물질적 갈망에 자유롭게 범위를 주는 아이디어”를 표현하고자 했던 새로운 세대의 예술가들에 의해 당황했다. 우리는 이제 추상 미술의 시작부터 그 실천자들이 무작위적인 제스처와는 거리가 먼 활동에 참여하고 있었다는 것을 알고 있다. 그들은 추상 철학이 기반하고 있는 철학적 근거를 전달하기 위해 이성적이고 의식적인 미적 선택을 하고 있었다. 

초기 추상 미술 대 과거

추상화의 부상 이전에, 합리적인 예술 애호가는 좋은 회화 가 적어도 현실 세계의 인식 가능한 요소를 가지고 있을 것이라고 기대했다. 관객들은 예술가가 인식 가능한 요소를 추상화하기 위해 조치를 취하는 것을 받아들일 수 있었다. 그들은 때때로 거의 완전히 인식할 수 없는 회화도 받아들일 수 있었지만, 그 이름이 그것이 추상화된 객체에 대한 단서를 제공하는 한에서였다. 그러나 시각적 현실과 인식 가능한 상관관계가 전혀 없는 순수한 추상 회화의 개념은 터무니없고, 심지어 이단적이라고 여겨졌다.

바실리 칸딘스키는 순수 추상의 개념을 완전히 수용한 첫 번째 예술가였습니다. 그는 인류의 근본적인 진리와 보편적인 아이디어는 물질 세계의 표현을 통해 발견될 수 없다고 믿었습니다. 그는 물체가 인류의 내면 깊이를 표현하려는 예술가들에게는 아무런 도움이 되지 않는다고 생각했습니다. 1912년, 칸딘스키는 그의 상징적인 저서 "예술의 영적에 관하여"를 출판하였고, 이 책은 그가 순수한 추상 예술을 탐구하는 데 있어 안내하는 철학을 제시했습니다. 그 안에서 그는 다음과 같이 썼습니다:

"형체 없는 감정인 두려움, 기쁨, 슬픔 등은 더 이상 예술가를 크게 끌어당기지 않을 것이다. 그는 아직 이름이 없는 더 미묘한 감정을 일깨우기 위해 노력할 것이다…말로 표현할 수 없는 고귀한 감정들."

카지미르 말레비치 - 검은 사각형, 1915, 린넨에 유채, 79.5 x 79.5 cm, 트레티야코프 미술관, 모스크바

순수 예술성의 탐구

미술사를 되돌아보면, 칸딘스키는 이전 세대가 주로 자신들과 소통하고 그 시대의 개성을 표현하는 데 집중했다고 믿었습니다. 그는 추상 예술가들이 각 인간이 다른 모든 인간과 공유하는 본질적인 유사성을 표현해야 한다고 믿었습니다. 이는 그들이 속한 시대와는 관계없이 말입니다. 그는 이러한 유사성을 인류의 "내면의 의미의 공감"이라고 불렀습니다.

칸딘스키는 이 의미의 원천이 인간의 영혼, 즉 그가 "내적 필요"라고 부른 것이라고 믿었습니다. 그는 내적 필요가 순수한 예술성을 통해 표현될 수 있다고 느꼈으며, 그것이 자아와 물질적 관점에서 자유로울 때 가능하다고 생각했습니다. 그가 말했듯이:

“그것은 아름답다…영혼에서 우러나오는.”

바실리 칸딘스키 - 칸딘스키의 첫 번째 추상 수채화, 1910, 종이에 수채화와 인디안 잉크 및 연필. 19.5 × 25.5 인치 (49.6 × 64.8 cm) 조르주 퐁피두 센터, 파리

모델로서의 음악

칸딘스키는 음악이 "말로 표현할 수 없는 감정을 전달하는 데 가장 능숙한 예술 형식"이라고 믿었다. 그는 다음과 같이 썼다:

"화가는…자신의 내면을 표현하고자 하는 갈망 속에서, 오늘날 가장 비물질적인 예술인 음악이 이 목표를 달성하는 용이함을 부러워하지 않을 수 없다."

그는 작곡가들이 음악을 가장 단순한 요소로 성공적으로 해체했음을 인식하고, 작곡의 개별 요소가 인간의 정신에 어떻게 영향을 미칠 수 있는지를 파악했다. 그는 같은 방식으로 회화의 요소를 해독하기 시작했으며, 예를 들어 각 색상이 관객에게 미치는 개별적인 영향을 정의하려고 했다. 칸딘스키는 추상 미술에 대한 자신의 관점을 설명하기 위해 음악의 어휘에서 단어를 빌리기도 했다. 그는 그림을 구성물이라고 부르며, 예술가들이 이성적인 선택을 통해 자신의 구성물을 신중하게 구성할 것을 권장했다. 그는 동시에 예술가들에게 자신의 구성물에 즉흥성을 위한 여지를 남길 것을 요청했으며, 이를 "내면의 성격의 자발적 표현"이라고 불렀다. 그는 의식적으로 구성된 추상 작업을 통해 화가들이 "위대한 영적 지도자"가 될 수 있으며, 예술을 통해 인간 정신의 최대 잠재력을 표현하는 데 성공할 수 있다고 믿었다.

바실리 칸딘스키 - 구성 II를 위한 스케치, 1910, 38.4 × 51.4 인치 (97.5 × 130.5 cm), 솔로몬 R. 구겐하임 미술관, 뉴욕

추상 미술 vs. 미래

영국 역사학자 마이클 새들러는 칸딘스키의 "예술의 정신에 대하여" 서문에서 다음과 같이 썼습니다:“칸딘스키가 색과 선의 공통 언어를 찾아내어 그것이 소리와 비트의 언어처럼 독립적으로 서게 된다면… 그는 모든 이로부터 위대한 혁신가로, 예술의 자유의 옹호자로 환영받을 것입니다.” 100년 이상의 추상 미술을 돌아보면, 칸딘스키는 그의 목표를 달성했음을 알 수 있습니다. 감사하게도 우리는 그가 우리의 철학을 바탕으로 삼아 무수한 미래 세대가 그 위에 쌓아올릴 수 있는 기초를 마련했음을 또한 볼 수 있습니다. “말로 표현할 수 없는 고귀한 감정을 표현할 새로운 방법을 찾는 것.”

카지미르 말레비치 - 수프레마티즘: 축구 선수의 화가적 사실주의 (4차원에서의 색상 덩어리), 1915, 유채화, 27 x 17 1/2 인치, 시카고 미술관, 시카고

특집 이미지: 힐마 아프 클린트 - 백조, No 17, 그룹 IX, 시리즈 SUW 1914-1915, © 스티프텔센 힐마 아프 클린트의 작품

모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.