에밀리 메이슨, 추상 표현주의와 색면 회화 사이에서

이번 겨울에 열리는 두 번의 전시회가 2019년에 87세로 세상을 떠난 미국의 색채주의 화가 Emily Mason의 작품에 새로운 관심을 불러일으키고 있습니다. 코네티컷 그리니치에 위치한 브루스 박물관에서 열리는 “다채로운 빗자루로 쓸다”: Emily Mason의 회화와 판화 전시는 1958년부터 1968년 사이에 제작된 회화 작품들과 1985년부터 1996년 사이에 제작된 판화 작품들을 나란히 보여줍니다. 동시에 뉴욕의 마일스 맥에너리 갤러리에서 열리는 EMILY MASON: CHELSEA PAINTINGS 전시는 메이슨이 맨해튼 첼시 지역의 개조된 로프트 스튜디오로 옮긴 1978년부터 1990년대 사이에 제작한 20점의 회화를 선보입니다. Emily Mason의 그림을 보는 것은 훌륭한 재즈 녹음을 듣는 것과 같습니다. 작품에 몰입하면 감각이 밀려오고, 어떤 부분은 좋아하고, 또 어떤 부분은 움찔하게 되며, 감정이 솟구쳐 다른 생각에 잠기게 됩니다. 다음 날 다시 보면 같은 구조를 유지하면서도 작은 부분에서 놀라움을 발견하게 되고, ‘왜 이전에는 몰랐을까?’ 하는 생각이 듭니다. 이것이 바로 메이슨이 자신 안에서 키워낸 여러 재능 중 하나로, 관람객이 발견의 여정을 걷고 있다고 느끼게 만드는 능력이었습니다. 그녀는 관람객이 자신이 작품을 만들 때 느꼈던 감정을 느끼길 원했습니다. 그녀는 “나는 단지 경험을 창조하고 싶다. 왜냐하면 그림을 볼 때 그림 그 자체의 경험을 재현한다고 생각하기 때문이다.”라고 말했습니다. 메이슨에게 그림 그리기 경험은 사색적이고 직관적이며 편안하고 자유로웠습니다. 한 순간이 다음 순간을 영감하게 하였고, 그녀는 재료가 이끄는 대로 따랐습니다. 그녀는 관람객도 재료에 몸을 맡기고, 물감이 표면을 따라 눈을 이끌고, 투명한 색조가 마음을 층층이 통과하게 하길 바랐습니다.

진보적인 색채

1932년에 태어난 Emily Mason은 가족 중 세 번째로 예술가로 이름을 알린 인물입니다. 그녀의 어머니는 추상화가 앨리스 메이슨으로, 미국 추상 미술가 협회의 창립 멤버였으며, 19세기 미국 화가 존 트럼벨의 후손이기도 합니다. 메이슨은 사실상 1세대 추상 표현주의자들과 함께 자랐으며, 그들 중 다수가 어머니와 가까운 친구였고, 윌렘과 일레인 드 쿠닝이 그녀를 돌봐주기도 했습니다. 그녀는 일찍부터 그 예술가들이 소중히 여긴 실험의 자유에 공감했습니다. 1956년 풀브라이트 장학금으로 베니스에서 공부하던 중, 등록했던 엄격한 아카데미아 디 벨레 아르티를 떠나 스스로 배우기 시작했습니다. 곧 두 가지 인생을 바꾸는 사건이 일어났습니다. 첫째는 이전에 뉴욕에서 만난 화가 울프 칸과 결혼한 것이었고, 그도 당시 이탈리아에 있었습니다. (추상화가 세실리 칸은 그들의 딸입니다.) 둘째는 유사색 이론을 알게 된 것입니다.

뉴욕 마일스 맥에너리 갤러리, "Emily Mason: Chelsea Paintings," 2021년 1월 7일 - 2월 13일.

유사색은 색상환에서 서로 인접한 색을 말하며, 보색과는 반대 개념입니다. 보색으로 그린 그림은 색의 대조가 강해 눈에 확 띄지만, 유사색으로 그린 그림은 눈을 편안하게 합니다. 유사색은 자연에서 많이 볼 수 있는 색상 변화, 예를 들어 가을 잎이 노란색에서 주황색, 빨간색으로 점차 변하는 모습을 닮았습니다. 메이슨은 유사색을 사용해 점진적으로 구성을 쌓아가며 색상 관계의 논리가 그녀의 직관을 이끌게 했습니다. 그녀는 추상 표현주의 스승들로부터 배운 방법과 색면화가들의 기법을 모두 활용했습니다. 항상 유성 물감을 사용했지만, 종이에서 캔버스로 작업 표면을 바꾸었고, 다양한 용제를 실험해 투명도의 차이를 만들어냈는데, 이것이 그녀 작품에서 놀라운 기쁨의 순간들을 만들어내는 핵심 요소였습니다.

뉴욕 마일스 맥에너리 갤러리, "Emily Mason: Chelsea Paintings," 2021년 1월 7일 - 2월 13일.

즉흥적 자유

이번 겨울 마일스 맥에너리 갤러리에서 전시되는 작품들은 모두 크기와 재료가 비슷해, 관람객이 메이슨이 탁월하게 불러일으킨 감정 전달로서의 색채를 집중해서 느낄 수 있게 합니다. 처음 보면 이 작품들은 한눈에 감상할 수 있는 연작처럼 보이지만, 오래 머무를수록 각 작품이 완전히 독특한 무게와 고유한 음색을 지니고 있음을 알게 됩니다. 마치 각 작품이 저마다의 개성을 가진 것처럼 말입니다. 그녀는 직관적으로 이 구성들과 상호작용하며 그림이 전달하려는 본질에 다가갔습니다. 이 우아하고 개인적인 변주들은 재즈 음악가에게 음표가 가지는 의미처럼, 색채가 메이슨에게 얼마나 중요한지 보여줍니다.

뉴욕 마일스 맥에너리 갤러리, "Emily Mason: Chelsea Paintings," 2021년 1월 7일 - 2월 13일.

브루스 박물관에서 전시되는 작품들도 색채주의자로서의 메이슨을 잘 보여주지만, 크기와 제작 과정이 달라 그녀가 예술가로서 이룬 다른 면모를 더해줍니다. 종이에 유성 물감으로 그린 작품들은 처음 보면 섬세한 수채화처럼 보입니다. 메이슨이 이 매체들로 이룬 불투명도와 투명도의 폭은 인상적입니다. 크기가 작아 전체 구성을 한눈에 볼 수 있어, 그녀가 큰 작품에서는 잘 드러나지 않는 풍경화에 대한 공감도 가지고 있음을 알 수 있습니다. 한편 판화 작품들은 거의 의인화된 효과를 내며, 색의 영역이 뚜렷한 형태와 깊이를 드러내는데, 이는 유화에서 보이는 무정형의 색 구름과는 매우 다릅니다. 수십 년간의 작업 결과물이 한자리에서 전시되는 것을 보면, 메이슨은 일찍이 자신의 목소리를 찾고 변화하는 유행과 상관없이 평생 그것에 헌신한 드문 예술가임을 상기시켜 줍니다. 그녀는 자신의 목소리를 층층이 쌓인, 감정을 담은, 독특한 것으로 정의했고, 관람객이 자신을 넘어 창조적 직관의 세계를 볼 수 있게 하는 작품을 남겼습니다.

대표 이미지: 뉴욕 마일스 맥에너리 갤러리, "Emily Mason: Chelsea Paintings," 2021년 1월 7일 - 2월 13일.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다.
필립 Barcio 제공