그림 그리기 - 추상 화가 마르시아 하피프 사망
추상 화가 마르시아 하피프가 88세의 나이로 세상을 떠났습니다. 영화, 설치 미술, 드로잉, 개념 미술 등 다양한 분야에서 실험한 다작의 다학제 예술가였음에도 불구하고, 하피프는 주로 빛으로 반짝이는 표면을 가진 단색화로 기억됩니다. 그녀의 작품을 깊이 들여다본 사람은 누구나 놀라운 색조뿐만 아니라 표면에 보이는 감각적인 붓질의 매력을 기억할 것입니다. 하피프는 페인트를 집착적으로 겹겹이 쌓아 올리며, 각 표면이 자신의 완성을 외칠 수 있는 알 수 없는 순간을 향해 나아갔습니다. 그녀는 내용을 그리는 것이 아니었고, 색상을 그리는 것도 아니었습니다. 그녀는 그림이 무엇인지에 대한 설명을 그렸고, 그림을 그 자체의 구체적인 정의로 사용했습니다. 그녀의 방법은 "젠 같은" 그리고 명상적인 것으로 불렸습니다. 그녀의 작업을 지켜본 누구에게나 그녀가 차분하고 체계적으로 표면을 쌓아 올리고 있다는 것이 분명했기 때문입니다. 그러나 그녀의 영감은 형이상학적이지 않았고, 지적이었습니다. 그녀는 "그림을 그리는 그림"에 대한 학문적인 헌신을 가지고 있었습니다. 그녀의 태도는 교사들이 예비 예술가들에게 동료들에 의해 지켜보고 분석당하고 있다는 피할 수 없는 인식을 심어주던 시대에 발전했습니다. 하피프는 자신이 화가가 되고자 하는 욕망을 자신보다 앞서온 모든 예술가와 자신보다 후에 올 모든 예술가에게 검증해야 한다고 느꼈습니다. 그녀는 예술의 명백히 선형적인 역사에서 자신의 위치를 인정할 책임을 느꼈습니다. 그녀는 회화가 여전히 관련성이 있음을 증명하고 싶었고, 그것에 새로운 생명을 불어넣고 싶었습니다. 그녀는 이 점에서 자신에게 엄청난 압박을 가했기 때문에 그녀의 유산은 단순한 예술의 유산이 아니라 사상의 유산이기도 합니다. 그녀의 글은 "예술가의 예술가"의 머릿속에 들어가고 싶었던 누구에게나 매우 유익합니다. 즉, 그녀의 작업은 거의 전적으로 다른 예술가들이 고려하도록 만들어진 것처럼 보입니다. 그럼에도 불구하고 그녀의 재능은 지적 성격에도 불구하고 그녀의 방법이 학문적 뿌리를 초월하여 페인트의 단순하고 보편적이며 시대를 초월한 특성을 상기시키는 상징적인 작품을 만들어냈습니다.
다시 시작하다
1978년, 하피프는 아트포럼에 “다시 시작하기”라는 제목의 에세이를 발표했다. 그 서두의 문장은 예술을 창조하고자 하는 자신의 욕망에 대한 걱정으로 고통받는 마음을 드러낸다. 그 내용은 다음과 같다. “최근 과거에 회화가 열 수 있는 옵션은 극히 제한적이었던 것처럼 보였다. 모든 것이 이미 이루어졌던 것은 아니지만, 과거에 작용했던 창조의 충동이 더 이상 긴급하거나 의미가 없었다.” 그녀의 동시대 사람들은 회화가 죽었다고 선언하고 있었다. 화가에게 그런 말을 듣는 것은 얼마나 끔찍한 일인가, 그들이 평생을 바쳐야 하는 활동이 죽었다니! 이 형성적인 에세이의 나머지 부분이 분명히 보여주듯이, 회화의 종말에 대한 믿음은 인간이 수만 년 동안 회화를 해왔다는 과도한 인식뿐만 아니라, 인간이 회화를 그리는 이유가 어 somehow 바뀌었다는 믿음에 기반하고 있었다.
마르시아 하피프 - 유약화: 로즈 매더 딥, 1995, 캔버스에 유채, 22 × 22 인치, 56 × 56 cm, © 마르시아 하피프 및 CONRADS 뒤셀도르프
하피프와 그녀의 동시대 사람들은 예술을 만드는 데 있어 자신들이 이전 세대와는 다른 이유가 필요하다고 잘못 생각함으로써 스스로를 속였습니다. 객관적인 추론은 하피프가 "다시 시작하기"를 쓰게 만든 이론적 출발점이 결함이 있음을 증명합니다. 예술가는 역사에 아무것도 빚지지 않으며; 학계에 아무것도 빚지지 않으며; 어떤 기관에도 아무것도 빚지지 않으며; 서로에게도 아무것도 빚지지 않으며; 특정 관객에게도 아무것도 빚지지 않습니다. 화가는 그저 그림을 그릴 자유가 있는 것처럼, 무용수는 자신의 몸을 움직일 자유가 있습니다. 춤은 결코 사라지지 않을 것이며; 그림도 마찬가지입니다. 하피프가 학교에 다닐 때 학계를 지배했던 사고방식의 부조리에도 불구하고, 그녀는 그 부담에서 스스로를 해방할 수 있는 지적 힘과 의지를 가지고 있었습니다. "다시 시작하기"는 그림을 분해하고 그것이 객관적으로 무엇인지 이해하는 방법에 대한 논문입니다. 그것은 그림의 뿌리로 돌아가는 것에 대한 주장을 담고 있으며, 그것이 관련성이 있는지 걱정할 필요가 없습니다.
마르시아 하피프 - 대량 톤 회화: 한사 옐로우, 1974년 3월 12일, 1974년, 캔버스에 유채, 38 × 38 인치, 96.5 × 96.5 cm, 리차드 테이팅거 갤러리, 뉴욕, © 마르시아 하피프
끝없는 방법
그녀의 단색화로 하피프는 회화를 다시 젊어지게 만드는 방법을 개발했다. 다른 그림을 그릴 것이 없을 때, 그녀는 항상 페인트의 그림을 그릴 수 있었다. 그녀의 대부분의 시리즈는 정확히 같은 크기의 정사각형 표면으로 제한되어 있다. 그녀는 스스로를 제한했고, 그 제한을 통해 그녀의 매체와 기법의 깊이를 탐구할 자유를 얻었다. 그 과정에서 그녀는 예술가로서 이루고자 하는 다른 아이디어를 자주 가졌다. 그녀는 벽화, 격자 드로잉을 만들었고 개념적 퍼포먼스에 참여했다. 그녀의 가장 영향력 있는 작품 중 두 개는 텍스트 기반이었다. 하나는 1976년 P.S.1에서 만든 설치작품으로, 하피프는 칠판에 분필로 필기체로 에로틱한 구절을 썼다. 다른 하나는 2013년에 그 작품을 재방문한 것으로, "여자가 된 날부터..."라는 제목으로, 폐경 후 여성의 성을 필기체로 표현한 작품이었다.
마르시아 하피프 - 빨간 그림: 팔리오겐 마룬, 1998, 캔버스에 유채, 26 × 26 인치, 66 × 66 cm, © 마르시아 하피프 및 CONRADS 뒤셀도르프
하피프가 자신의 경력 내내 자신의 그림이 유효한지, 관련성이 있는지, 또는 어떤 상상된 세련미와 취향의 기준에 부합하는지에 대해 걱정하며 지냈다고 상상하는 것은 나를 슬프게 만들 것이다. 그러나 그녀가 자신의 작업을 "재고"라고 부른 사실이 이를 증명하듯, 그럴 수도 있었던 것 같다. 이는 예술이 다름 아닌 상품이라는 논평이다. 그럼에도 불구하고, 그녀가 이 문제에 대해 어떤 생각을 했든 간에, 그녀는 지난 반세기 동안 만들어진 진정으로 상징적인 추상화의 몸체 중 하나를 남겼다. 그녀의 단색화를 바라볼 때, 나는 영혼이 가득하고 호기심이 생긴다. 그것들은 긴장감과 조화로움을 동시에 지닌다. 나는 그것들을 고통받는 천재의 불안한 유물에 불과하다고 보지 않고, 예술가들이 예술계의 고통스러운 압박에서 벗어나 자신에게 맞는 방법을 발견하고 그것에 항복함으로써 자유로워질 수 있다는 증거로도 보고 싶다.
특집 이미지: 마르시아 하피프: 이탈리아 회화, 1961-1969, 퍼거스 맥카프리 전시 설치 모습, 뉴욕, 2016. 퍼거스 맥카프리 제공, 뉴욕. © 마르시아 하피프
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필립 Barcio
