샘 길리엄의 바젤 색의 음악
2018년 아트 바젤 시작과 함께, 쿤스트뮤지엄 바젤은 미국 추상 미술가 Sam Gilliam의 작품으로는 유럽 최초의 개인전을 최근에 개막했습니다. 색채의 음악: Sam Gilliam, 1967 – 1973라는 제목의 이번 전시에는 미국과 유럽의 개인 및 기관 소장품에서 엄선한 총 45점의 작품이 전시됩니다. 오늘날 활동하는 많은 예술가들의 의견에 따르면, Gilliam은 단지 그의 작품이 아름답기 때문만이 아니라 현대 미술 이론에 기여한 바가 크기 때문에 가장 중요한 미국 화가 중 한 명입니다. 그의 혁신은 결정적인 순간에 선입견을 깨뜨렸고, 그의 세대에서 가장 강력한 목소리들에 직접 도전했습니다. 그의 사상이 매우 중요했기에, Gilliam이 유럽에서 개인전을 한 번도 가진 적이 없다는 사실이 믿기 어려울 수도 있습니다. 그러나 그의 경력을 자세히 살펴보면, 이는 그리 놀라운 일이 아닐지도 모릅니다. Gilliam은 항상 자신만의 방식으로 일을 해왔습니다. 그의 작품이 오늘날 우리가 아는 다면적인 미술 시장을 형성하는 데 기여했음에도 불구하고, 그는 그 시장의 기대에 부응한 적이 없습니다. 한마디로, Gilliam은 반항아입니다. 1972년과 2017년 두 차례 베니스 비엔날레에서 미국을 대표했음에도 불구하고, 그는 경력 중 처음으로 최근에야 갤러리와 계약을 맺었습니다. 과거에는 주목받을 때조차도 주로 자신의 작업실에서 직접 작품을 판매했습니다. 그럼에도 불구하고 그의 작품을 소장한 구매자에는 테이트 모던, 뉴욕 구겐하임 미술관, 메트로폴리탄 미술관, 모마, 워싱턴 DC 국립미술관 등 세계에서 가장 권위 있는 수십 개의 미술관이 포함되어 있습니다. 기대에 부응하지 않으려는 그의 태도가 지금까지 그가 유럽에서 단독 전시의 주제가 되지 못한 이유일 수 있습니다. 그러나 그것이 또한 그의 가장 큰 돌파구를 이끈 원인이기도 합니다. 자신의 비전에 대한 독보적인 자신감은 Gilliam을 미술계 독립성의 완벽한 대표자로 만들었으며, 현대 추상 미술계에서 살아있는 전설로 자리매김하게 했습니다.
경사진 가장자리에서
1933년 태어난 Gilliam은 미니멀리즘, 기하학적 추상, 그리고 포스트 페인터리 추상으로 향하던 시기에 전문 경력을 시작했습니다. 그의 세대의 많은 화가들처럼, 그는 처음에 바로 그런 종류의 작품을 그렸습니다. 1960년대 초반의 그의 하드 엣지 기하학적 추상 작품은 Frank Stella, Max Bill, Carmen Herrera 같은 예술가들의 작품을 연상시킵니다. Gilliam에게 모든 것이 바뀐 해는 1967년이었습니다. 그때 그는 아크릴 물감을 바탕칠하지 않은 캔버스에 직접 붓지 않고 부어 넣은 후, 물감이 아직 젖어 있을 때 캔버스를 접는 완전히 다른 방식을 채택했습니다. 그런 다음 캔버스를 말려서 구겨진 선들이 재료에 영원히 포함되도록 했습니다. 그 후에야 캔버스를 틀에 팽팽하게 걸었습니다.
Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. 아크릴화, 282.6 x 293.4 x 5.1 cm. 사진: Fredrik Nilsen, 작가, 뉴욕 메트로폴리탄 미술관, 로스앤젤레스 David Kordansky 갤러리 제공. ©2018, ProLitteris, 취리히
이 방법으로 생긴 선들은 작가의 손길의 흔적으로서 작품에 구조와 입체감을 더합니다. 이 혁신만으로도 획기적이었지만, Gilliam은 거기서 멈추지 않았습니다. 그는 다음으로 틀의 가장자리를 경사지게 다듬어 그림의 옆면에도 새로운 주목을 끌어내어 표면과 동등한 중요성을 부여했습니다. 경사진 가장자리는 그림이 단순히 벽에 걸려 있는 것이 아니라 벽에서 밖으로 튀어나오는 듯한 인상을 주어 거의 조각 같은 존재감을 부여했습니다. 그는 이러한 작품들을 “슬라이스 페인팅”이라고 불렀습니다. ‘슬라이스’라는 단어는 여러 의미를 담고 있습니다. 틀은 경사진 효과를 내기 위해 잘려졌고, 캔버스의 접힌 부분은 이미지에 슬라이스처럼 작용하여 예측할 수 없는 색 조합과 지구 표면에 새겨진 강바닥을 연상시키는 예상치 못한 구조적 변화를 만들어 냈습니다.
Sam Gilliam - Rondo, 1971. 아크릴화, 참나무 틀. 261 x 366 x 198 cm. 사진: Lee Thompson, 작가, 쿤스트뮤지엄 바젤, 로스앤젤레스 David Kordansky 갤러리 제공 ©2018, ProLitteris, 취리히
두 번 다시 같은 모습은 없다
Gilliam이 알려진 다음 혁신은 1968년에 만들어진 그의 첫 “드레이프 페인팅”입니다. 이 작품군은 회화, 조각, 설치의 이론적 경계 어딘가에 위치하는데, 틀을 없애 회화의 정의를 확장했기 때문입니다. Gilliam은 “슬라이스 페인팅”에서 사용한 것과 같은 방법으로 바탕칠하지 않은 캔버스에 아크릴 물감을 부어 작업했습니다. 그러나 완성된 작품은 접어서 틀에 걸지 않고, 커튼이나 옷처럼 캔버스를 벽에 직접 걸었습니다. 그의 “드레이프 페인팅”은 형태가 있는 캔버스 개념을 새로운 차원으로 끌어올려, 전시될 때마다 완전히 새로운 구성을 취할 수 있게 했습니다. Gilliam은 자신의 “드레이프 페인팅”이 두 번 다시 같은 방식으로 전시되지 않는다고 기쁘게 말했습니다.
Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, 아크릴화, 203 x 144 x 30 cm. 사진: Cathy Carver, 작가 및 워싱턴 DC 스미스소니언 박물관 조각 정원 제공. ©2018, ProLitteris, 취리히
1960년대 후반의 주요 돌파구 이후, Gilliam은 계속해서 실험하고 진화해 왔습니다. 그는 종이와 나무 위에도 그림을 그리며 표현 범위를 넓혔고, 콜라주 기법의 한계도 탐구하며 재료, 매체, 기법을 점점 더 다양하게 융합하는 방법을 찾아냈습니다. 그의 다양한 작품군 사이에 겉보기에는 차이가 있지만, Gilliam이 현대 미술에 독특하게 기여한 한 가지 측면은 회화와 조각이 본질적으로 같다는 이해를 돕는 데 있습니다. 사람들은 종종 어떤 예술가가 회화와 조각의 경계를 흐렸다고 말하는데, 아마도 그들의 그림에 입체감이 있거나 천장에 걸리거나 바닥에 놓여 있기 때문일 것입니다. 그러나 Gilliam은 그 이상을 해냈습니다. 그는 자신의 표면을 조각가가 금속, 대리석, 점토를 다루듯이 다룹니다. 그는 회화의 표면이 감정을 전달하고 이야기를 하며 형식적 주제를 소통할 수 있는 능력을 지녔음을 증명합니다. 그는 표면을 단순한 받침대 이상으로 정의하며, 그것 자체를 매체로 만듭니다. 색채의 음악: Sam Gilliam, 1967 – 1973 전시는 쿤스트뮤지엄 바젤에서 9월 30일까지 관람할 수 있습니다.
대표 이미지: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. 아크릴화, 304.8 x 2269 cm. 워싱턴 D.C. 코코란 컬렉션. © 2018, ProLitteris, 취리히
필립 Barcio 작성
