샘 길리엄의 바젤 색의 음악
2018년 아트 바젤의 시작과 함께, 쿤스트뮤지엄 바젤은 미국 추상 화가 샘 길리엄의 첫 유럽 개인 전시회로 불리는 전시회를 최근 열었습니다. 색의 음악: 샘 길리엄, 1967 – 1973라는 제목의 이 전시회는 미국과 유럽의 개인 및 기관 컬렉션에서 선별된 총 45점의 작품을 선보입니다. 현재 활동 중인 많은 예술가들의 의견에 따르면, 길리엄은 그의 작품이 아름답기 때문만이 아니라 현대 미술 이론에 기여한 바 때문에 가장 중요한 미국 화가 중 한 명입니다. 그의 혁신은 중대한 순간에 선입견을 깨뜨렸고, 그의 세대에서 가장 큰 목소리 중 일부에 직접 도전했습니다. 그의 아이디어가 그렇게 중요했기 때문에 길리엄이 유럽에서 개인 전시회를 가져본 적이 없다는 것이 믿기 어려울 수도 있습니다. 그러나 그의 경력을 자세히 살펴보면, 그리 놀랍지 않을 수도 있습니다. 길리엄은 항상 자신의 방식대로 일을 해왔습니다. 그의 작품이 오늘날 우리가 아는 다면적인 미술 시장을 확립하는 데 도움을 주었음에도 불구하고, 그는 그 시장의 기대에 부응한 적이 없습니다. 한 마디로, 길리엄은 반항아입니다. 그는 1972년과 2017년에 두 번이나 베니스 비엔날레에서 미국을 대표했지만, 그의 경력에서 처음으로 갤러리와 계약을 체결한 것은 최근의 일입니다. 과거에는 그가 주목받고 있을 때조차도, 그는 주로 자신의 스튜디오에서 자신의 작품을 직접 판매했습니다. 그럼에도 불구하고 그의 구매자에는 세계에서 가장 권위 있는 박물관 수십 곳이 포함되어 있으며, 여기에는 테이트 모던, 뉴욕의 구겐하임 미술관, 메트로폴리탄 미술관, 모마, 그리고 워싱턴 DC의 내셔널 갤러리 오브 아트가 포함되어 있으며, 이들 모두 그의 작품을 소장하고 있습니다. 기대되는 대로 절대 행동하지 않으려는 그의 의지가 길리엄이 지금까지 단독 유럽 전시회의 주제가 되는 것을 막았을 수도 있습니다. 그러나 그것은 또한 그의 가장 큰 돌파구로 이어졌습니다. 자신의 비전에 대한 독특한 자신감은 길리엄을 미술계의 독립성을 대표하는 완벽한 인물로 만들며, 그로 인해 그는 현대 추상 미술 세계에서 살아있는 전설이 되었습니다.
모서리가 둥글게 처리된 가장자리에서
1933년에 태어난 Gilliam은 미니멀리즘, 기하학적 추상화, 그리고 포스트 페인터리 추상화로 향하는 경향이 있던 시기에 그의 직업 경력을 시작했습니다. 그의 세대의 많은 다른 화가들처럼, 그는 바로 그런 종류의 작품을 그리기 시작했습니다. 1960년대 초의 그의 하드 엣지 기하학적 추상 작품은 Frank Stella, Max Bill, 또는 Carmen Herrera와 같은 예술가들의 작품을 연상시킵니다. Gilliam의 인생이 바뀐 해는 1967년이었습니다. 그 해에 그는 프라이밍되지 않은 캔버스에 아크릴 물감을 직접 붓고, 물감이 아직 젖어 있는 상태에서 캔버스를 접는 완전히 다른 방법을 채택했습니다. 그런 다음 그는 주름진 선들이 영원히 재료에 통합되도록 캔버스가 마르도록 허용했습니다. 그때서야 그는 캔버스를 스트레처 바에 팽팽하게 늘렸습니다.
샘 길리엄 - 휘를리라마, 1970. 아크릴 화판, 282.6 x 293.4 x 5.1 cm. 사진: 프레드릭 닐센, 아티스트 제공, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕, 그리고 데이비드 코르단스키 갤러리, 로스앤젤레스. ©2018, 프로리테리스, 취리히
이 방법에서 나온 결과선들은 예술가의 손의 잔재로 작용하며, 예술 객체에 구조와 차원을 더합니다. 이 혁신만으로도 획기적이었습니다. 그러나 길리엄은 거기서 멈추지 않았습니다. 그는 다음으로 스트레처 바의 모서리를 비스듬히 깎아, 그림의 측면에 새로운 주목을 끌어내어 표면과 함께 동등한 중요성을 부여했습니다. 비스듬히 깎인 모서리는 그림이 단순히 벽에 걸려 있는 것이 아니라 벽에서 바깥으로 나오는 것처럼 보이게 했습니다. 이는 그림에 거의 조각 같은 존재감을 부여했습니다. 그는 이러한 작품들을 "슬라이스 페인팅"이라고 불렀습니다. 슬라이스라는 단어는 여러 가지 의미를 지니고 있었습니다. 스트레처 바는 비스듬히 깎여져 슬라이스 효과를 만들어냈습니다. 또한 캔버스의 주름은 이미지로의 슬라이스 역할을 하여, 예측할 수 없는 색 조합과 예상치 못한 구조적 변화를 만들어냈습니다. 이는 지구 표면에 새겨진 강바닥을 연상시킵니다.
샘 길리엄 - 론도, 1971. 아크릴 화, 오크 기둥. 261 x 366 x 198 cm. 사진: Lee 톰슨, 아티스트 제공, 바젤 미술관 및 데이비드 코르단스키 갤러리, 로스앤젤레스 ©2018, 프로리터리스, 취리히
두 번 다시 같지 않다
Gilliam이 알려진 다음 혁신은 1968년에 발생했으며, 그는 첫 번째 "드레이프 페인팅(Drape Painting)"을 만들었습니다. 이 작품군은 회화, 조각, 설치 미술 사이의 이론적 공간을 차지하며, 스트레처 바를 제거하여 회화의 정의를 확장합니다. Gilliam은 그의 "드레이프 페인팅"을 "슬라이스 페인팅(Slice Paintings)"에 사용한 것과 동일한 방법으로, 프라이밍되지 않은 캔버스에 아크릴 페인트를 직접 붓는 방식으로 그렸습니다. 그러나 그림이 완성되었을 때, 그는 그것을 구겨서 늘리는 대신, 캔버스를 벽에 직접 드리워서 커튼이나 의류처럼 만들었습니다. 그의 "드레이프 페인팅"은 형태가 있는 캔버스의 개념을 새로운 차원으로 끌어올려, 작품이 발표될 때마다 완전히 새로운 구성을 채택할 수 있게 합니다. Gilliam은 그의 "드레이프 페인팅"이 두 번 같은 방식으로 전시되지 않는다고 기쁘게 언급했습니다.
샘 길리엄 - 루비 라이트, 1972, 아크릴 화판, 203 x 144 x 30 cm. 사진: 캐시 카버, 아티스트와 스미소니언 기관의 허쉬혼 박물관 및 조각 정원 제공, 워싱턴 DC. ©2018, 프로리터리스, 취리히
1960년대 후반 그의 주요 돌파구 이후, 길리엄은 예술가로서 계속 실험하고 발전해 왔습니다. 그는 종이와 나무에 그림을 그리며 표면의 범위를 확장했습니다. 그는 또한 콜라주의 한계를 탐구하며, 재료, 매체 및 기법을 혼합하는 더 많은 방법을 찾았습니다. 그러나 그의 다양한 작업들 사이의 명백한 차이에도 불구하고, 길리엄이 한 모든 것의 한 가지 측면은 현대 미술에 대한 그의 독특한 기여를 정의합니다. 그것은 그가 회화와 조각이 실제로 동일하다는 것을 이해하는 데 도움을 주었다는 것입니다. 사람들은 종종 예술가가 회화와 조각의 경계를 모호하게 만들었다고 말합니다. 아마도 그들의 그림이 차원을 가지고 있거나, 천장에서 매달리거나 바닥에 놓여 있기 때문일 것입니다. 길리엄은 그보다 훨씬 더 많은 것을 성취했습니다. 그는 정말로 그의 표면을 조각가가 금속, 대리석 또는 점토를 다루는 것과 같은 방식으로 다룹니다. 그는 그림의 표면이 감정을 전달하고, 이야기를 들려주며, 형식적인 주제를 전달할 수 있는 능력을 가지고 있음을 증명합니다. 그는 표면을 단순한 지지체 이상으로 정의합니다. 그는 그것을 그 자체로 매체로 만듭니다. 색의 음악: 샘 길리엄, 1967 – 1973은 바젤 미술관에서 9월 30일까지 전시됩니다.
특집 이미지: 샘 길리엄 - 라이트 깊이, 1969. 아크릴 캔버스, 304.8 x 2269 cm. 코르코란 컬렉션, 워싱턴 D.C. © 2018, 프로리터리스, 취리히
필립 Barcio
