샌포드 웜펠드의 인상적인 색채화

샌포드 웜펠드라는 이름은 예술 분야 밖의 사람들에게는 즉각적으로 인식되지 않을 수 있지만, 그의 작품을 아는 대부분의 예술가들에게는 경외감과 존경을 불러일으킵니다. 자수성가한 화가는 1960년대 후반부터 뉴욕 예술계의 고정된 인물이 되었으며, 그곳에서 첫 전시회를 열고 헌터 대학교에서 가르치기 시작했습니다. 그 이후 반세기 동안 웜펠드는 여러 세대의 예술가와 미술사학자들에게 색채 이론을 가르쳤습니다. 그는 예술과 학문이 기꺼이 결합되어야 하며, 예술가들이 그들의 미적 추구만큼이나 지적 추구로도 기념되어야 한다는 개념의 완벽한 살아있는 대표입니다. 그러나 웜펠드를 자신의 세대에서 가장 훌륭한 교사 중 한 명으로 기꺼이 추앙할 수 있는 수많은 과거 학생들이 있음에도 불구하고, 그리고 수십 년 동안 웜펠드가 생산한 많은 계몽적인 기사와 에세이에도 불구하고, 궁극적으로 그의 유산을 정의하는 것은 그의 예술 작품입니다. 그 작품은 색에 대한 변함없는 열정에 기반하고 있습니다. 웜펠드는 색을 전적으로 수용하며, 그것을 그의 미적 도구 상자 안의 하나의 도구로만 여기지 않고, 독립된 주제로 받아들입니다. 아니면 아예 독립된 물질로 받아들일 수도 있습니다. 결국 색이란 무엇일까요? 아무도 정말로 알지 못합니다. 그것은 물질일까요? 그것은 피상적일까요? 그것은 삶에 필수적인 것일 수도 있고 아닐 수도 있습니다. 그것은 우리의 인식 속에만 존재하고 우리의 생존과는 아무런 관련이 없을 수도 있습니다. 그것은 의미보다는 장관과 더 관련이 있을 수 있습니다. 무엇이든 간에, 웜펠드는 그 다채로운 측면을 탐구하는 데 그의 예술적 삶을 바쳤습니다. 비록 그가 색이 무엇인지의 정확한 본질을 완전히 표현할 수는 없겠지만, 그는 그것의 존재에서 가장 중요한 측면을 이해하고 있습니다: 그것이 우리에게 감정을 불러일으킬 수 있는 능력을 가지고 있다는 것입니다.

규모의 필요성

Wurmfeld가 제작하는 작업의 대부분은 전통 회화의 영역에 속합니다. 벽에 걸리는 이차원 작품들입니다. 그의 회화의 표면은 우아한 색조의 그라데이션을 보여주며, 색상에서 색상으로 부드럽게 흐르며, 결코 한 가지 색상에 멈추는 것처럼 보이지 않습니다. 관람자에게 자주 주는 효과는 다음과 같습니다: 처음에는 화려하고 빛나는 색상에 감탄하게 되고; 다음에는 표면의 세밀한 정밀함을 감상하기 위해 가까이 다가가고; 그 다음에는 회화가 어떻게 만들어졌는지 알아내기 위해 집중해서 바라보게 되며, 때때로 그것은 풀기 어려운 것처럼 보입니다; 마지막으로 다시 물러서서 멋진 것을 바라보는 즐거움에 빠져듭니다. 이러한 패턴은 반복적으로 나타나는데, 그의 회화는 물체와 경험 사이의 어떤 자연을 차지하고 있기 때문입니다. 그들의 다채로운 표면과 눈 사이에서 무언가가 일어나지만, 그 무언가가 무엇인지 파악하기 어렵고, 붙잡을 수 없습니다. 경험에 굴복할 수 없기 때문에 우리는 회화가 물체라는 것을 인정할 수밖에 없고, 이는 마법을 깨뜨립니다.

샌포드 웜펠드 - II-25 (블루 DK-N), 1983. 아크릴화. 28 1/2 × 28 1/2 인치 (72.4 × 72.4 cm). © 마이너스 스페이스, 브루클린, NY.

Wurmfeld는 2000년에 데뷔한 "Cyclorama"라는 기념비적인 창작물로 이 문제(정말 문제라고 부를 수 있을지 모르겠지만)를 해결했습니다. 거대한 원형 캔버스인 Cyclorama는 관람객을 색의 원으로 완전히 둘러싸고 있습니다. 8피트 높이의 벽을 가진 이 그림은 방이나 어쩌면 용기와도 같습니다. 관람객은 그 안으로 올라가 들어가며, 보는 경험에 푹 빠지게 됩니다. Wurmfeld는 2008년에 "E-Cyclorama"라는 타원형 그림 방으로 이 개념을 두 번째로 구체화했습니다. (E는 타원을 의미합니다.) E-Cyclorama를 그리는 데 Wurmfeld는 целый год을 소요했습니다. 이 작품은 109가지의 다양한 색상으로 전환됩니다. 그러나 이 그림은 매우 세심하게 구성되어 있어 눈을 흐리게 하면 개별 색조가 아닌 색의 물결만 볼 수 있습니다. 2009년에 이 작품에 대한 자신의 경험을 글로 남긴 미술 비평가 John Yau는 이 작품의 크기를 칭찬하며 "E-Cyclorama의 규모는 야심차고 필요하다"고 썼습니다. 그 필요성은 그 거대함 속에서 관람객을 포괄함으로써 지적 부담에서 해방시킨다는 사실에 있습니다. 그것은 James Turrell 설치 작품의 화가 버전으로 들어가는 것과 같지만, 빛과 공간에 매료되는 대신, 빛나는 색조에 매료되는 느낌입니다.

샌포드 웜펠드 - II - 18 + B:2 (YGY-VBV:Ys + Vt), 2016. 아크릴화. 59 x 90 인치. 아티스트와 마이너스 스페이스, 브루클린, NY의 제공.

우주에서의 투영

그의 그림과 사이클로라마 외에도, Wurmfeld는 색상을 공간에 투사하는 여러 가지 방법을 개발했습니다. 그가 사용하는 한 가지 전략은 방 안에 조각 형태를 분산시키는 것입니다. 여기서 규모도 중요합니다. 때때로 그는 불투명하고 다채로운 토템을 사람들로 하여금 그 주위를 걸어 다니며 물체로서 감상할 수 있도록 배치합니다. 다른 경우에는 공간을 반투명하고 다채로운 패널로 채워, 관람객들이 그 패널을 통해 다른 패널을 바라보도록 유도하여 색상과 형태를 빛나는 시각적 혼란으로 융합합니다. 어떤 경우든, 작품들은 인간 크기입니다. 우리는 그들과 공간의 공동 거주자로서 관계를 맺을 수 있으며, 우리를 압도하는 영토 점유자가 아닙니다. 위협적이지 않고 아름다운 그의 조각들은 공간에서 색상의 경험을 간단하고 재미있게 만들어 줍니다.

샌포드 웜펠드 - II-25 (노란색 DN-LN), 1983. 아크릴화. 28 1/2 × 28 1/2 인치 (72.4 × 72.4 cm). © 마이너스 스페이스, 브루클린, NY.

Wurmfeld가 사용하는 두 번째 전략은 벽에 색상을 실제로 투사하는 것입니다. 빛은 색상의 인간 시각 경험에 필수적이지만, 이것은 Wurmfeld가 색상 개념과 빛 개념을 완전히 혼합하는 유일한 영역입니다. 그는 거대한 표면에 두 개의 정사각형 색 블록을 나란히 투사함으로써 우리에게 앉아서 바라보도록 초대합니다; 색상을 비교하고; 색상 사이의 경계 공간을 경험하고; 두 색상이 어떻게 상호작용하는지 궁금해하고; 우리가 인식하는 것에 관계가 얼마나 중요한지를 고려하도록 합니다. 이러한 색상 투사는 분석적인 방식으로 생각해 보아야 하며, 영화처럼 관람되어야 합니다. 그것들은 과거와 미래 사이의 연결에 대한 질문을 떠올리게 하며, 마치 색상이 이야기를 들려주는 것처럼 느껴집니다. 이것이 제가 Wurmfeld가 색상을 주제이자 물질로 본다고 말하는 이유입니다. 그는 그것을 자신의 작업의 재료로 사용하지만, 동시에 그의 주제의 정확한 본질이 우리가 느끼는 감각만큼이나 신비롭게 남아 있다고 인식합니다.

특집 이미지: 샌포드 웜펠드 - II-25 # 2 (R-G=V), 2002. 아크릴화. 42 x 42 인치 (106.7 x 106.7 cm). © 맥스웰 데이비슨 갤러리.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해