샌포드 웜펠드의 인상적인 색채화

이름 샌포드 워름펠드는 미술 분야 밖의 사람들에게는 즉각적으로 익숙하지 않을 수 있지만, 그의 작품을 아는 대부분의 예술가들에게는 경외심과 감탄을 불러일으킵니다. 독학으로 그림을 배운 그는 1960년대 후반 뉴욕 미술계의 중심 인물로 자리 잡았으며, 그때 처음으로 도시에서 전시회를 열고 헌터 대학에서 가르치기 시작했습니다. 지난 반세기 동안 워름펠드는 여러 세대의 예술가와 미술사학자들에게 색채 이론을 가르쳤습니다. 그는 예술과 학문이 기쁘게 결합되어야 하며, 예술가들이 미적 추구만큼이나 지적 탐구로도 존중받아야 한다는 개념을 완벽하게 대변하는 살아있는 인물입니다. 수많은 과거 학생들이 기꺼이 워름펠드를 그의 세대 최고의 교사 중 한 명으로 꼽고, 수십 년에 걸쳐 그가 쓴 많은 계몽적인 글과 에세이가 있음에도 불구하고, 결국 그의 유산을 정의하는 것은 그의 작품입니다. 그 작품은 변함없는 색채에 대한 열정에 기반을 두고 있습니다. 워름펠드는 색을 단순히 미적 도구 중 하나로서가 아니라 그 자체로 주제이자, 어쩌면 그 자체로 물질로서 온전히 받아들입니다. 결국 색이란 무엇일까요? 아무도 정확히 알지 못합니다. 그것이 물질일까요? 겉보기일까요? 생명에 필수적인 것일 수도 있고 아닐 수도 있습니다. 우리의 인식 속에만 존재하며 생존과는 무관할 수도 있습니다. 의미보다는 광경에 더 가까울 수도 있습니다. 무엇이든 간에, 워름펠드는 그의 예술 인생을 색채의 무수한 면모를 탐구하는 데 바쳤습니다. 색의 정확한 본질을 완전히 표현하지는 못할지라도, 그는 색이 존재하는 가장 중요한 측면, 즉 우리에게 감정을 불러일으킬 수 있는 능력을 이해하고 있습니다.

규모의 필수성

워름펠드가 제작하는 대부분의 작품은 전통적인 회화 영역에 속하며, 벽에 걸리는 평면 작품입니다. 그의 그림 표면은 우아한 색채 그라데이션을 보여주며, 색조에서 색조로 고요하게 흐르면서 어느 한 색에 머무르지 않는 듯합니다. 관람객에게 주는 효과는 대체로 이렇습니다: 처음에는 화려하고 빛나는 색채에 감탄하고, 다음에는 가까이 다가가 표면의 세밀한 정밀함을 감상하며, 이어서 그림이 어떻게 만들어졌는지 집중해서 바라보지만 때로는 풀기 어려운 수수께끼처럼 느껴집니다. 마지막으로 다시 물러서서 그저 멋진 것을 보는 즐거움에 빠져듭니다. 이러한 패턴은 반복되는데, 그의 그림이 물체와 경험 사이 어딘가에 존재하기 때문입니다. 그 다채로운 표면과 눈 사이에 무언가가 일어나지만, 그 무언가가 무엇인지 파악하기 어렵고 붙잡을 수 없습니다. 경험에 완전히 빠져들지 못한 우리는 결국 그림이 물체임을 인정할 수밖에 없고, 그 마법은 깨집니다.

샌포드 워름펠드 - II-25 (파랑 진한-N), 1983년. 캔버스에 아크릴. 28 1/2 × 28 1/2 인치 (72.4 × 72.4 cm). © 마이너스 스페이스, 브루클린, 뉴욕.

워름펠드는 2000년에 선보인 “사이클로라마”라는 거대한 작품으로 이 문제(문제라고 부를 수 있다면)를 해결했습니다. 거대한 원형 캔버스인 사이클로라마는 관람객을 완전히 색의 원 안에 가두어 둡니다. 8피트 높이의 벽으로 이루어진 이 그림은 방이나 용기와 같습니다. 관람객은 그 안으로 들어가 감상의 경험에 몰입합니다. 워름펠드는 2008년에 이 개념을 확장하여 타원형 그림 방인 “E-사이클로라마”(E는 타원을 뜻함)를 제작했습니다. E-사이클로라마는 완성하는 데 1년이 걸렸으며, 109가지 색을 순차적으로 보여줍니다. 그러나 그림은 매우 정교하게 만들어져 눈을 흐리게 하면 개별 색조가 아닌 색의 물결만 보입니다. 2009년 이 작품에 대해 쓴 미술 평론가 존 야우는 “E-사이클로라마의 규모는 야심차고 필수적이다”라고 칭찬했습니다. 그 필수성은 거대함 속에서 관람객을 포괄하여 지적 부담에서 해방시키기 때문입니다. 이는 제임스 터렐 설치 작품의 회화 버전에 들어가는 것과 같지만, 빛과 공간에 매료되는 대신 빛나는 색조에 매혹됩니다.

샌포드 워름펠드 - II - 18 + B:2 (노랑-보라:연한 + 진한), 2016년. 캔버스에 아크릴. 59 x 90 인치. 작가 및 마이너스 스페이스, 브루클린, 뉴욕 제공.

공간 속 투영

그림과 사이클로라마 외에도, 워름펠드는 색을 공간에 투영하는 여러 방법을 개발했습니다. 그가 사용하는 한 가지 방법은 방 안에 조각 형태를 흩뿌리는 것입니다. 여기서도 규모가 중요합니다. 때로는 불투명하고 다채로운 토템을 배치하여 사람들이 그 주위를 걸으며 물체로서 감상할 수 있게 합니다. 다른 때에는 반투명하고 다채로운 판넬로 공간을 채워 관람객이 그 너머의 판넬을 바라보게 하여 색과 형태가 빛나는 시각적 소란으로 어우러지게 합니다. 어느 쪽이든 작품은 사람 크기이며, 우리는 그것들을 공간의 공존자로서 받아들일 수 있고, 우리를 압도하는 영역 점령자로 느끼지 않습니다. 위협적이지 않고 아름다운 그의 조각들은 공간 속 색채 경험을 단순하고 즐겁게 만듭니다.

샌포드 워름펠드 - II-25 (노랑 진한-연한), 1983년. 캔버스에 아크릴. 28 1/2 × 28 1/2 인치 (72.4 × 72.4 cm). © 마이너스 스페이스, 브루클린, 뉴욕.

워름펠드가 사용하는 두 번째 방법은 실제로 벽에 색을 투사하는 것입니다. 빛은 인간의 색채 시각 경험에 필수적이지만, 이 부분에서 워름펠드는 색과 빛의 개념을 완전히 융합합니다. 거대한 표면에 두 개의 색 블록을 나란히 투사하여 관람객이 앉아 바라보고, 색을 비교하며, 색 사이의 경계 공간을 경험하고, 두 색이 어떻게 상호작용하는지 궁금해하며, 관계가 우리가 인식하는 것에 얼마나 중요한지 생각하게 합니다. 이 색 투사는 분석적으로 생각하고 영화처럼 감상하도록 요구합니다. 과거와 미래의 연결에 관한 질문을 떠올리게 하며, 마치 색이 이야기를 들려주는 듯합니다. 이것이 워름펠드가 색을 주제이자 물질로 보는 이유입니다. 그는 색을 작품의 재료로 사용하지만, 그 주제의 정확한 본질은 우리가 느끼는 감각만큼이나 신비롭게 남아 있음을 인식합니다.

대표 이미지: 샌포드 워름펠드 - II-25 # 2 (빨강-초록=보라), 2002년. 캔버스에 아크릴. 42 x 42 인치 (106.7 x 106.7 cm). © 맥스웰 데이비슨 갤러리.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
작성자 Phillip Barcio