헬리오 오이티시카의 공간 구상
헬리오 오이티시카의 초기 작품 전시회가 뉴욕의 갤러리 르롱 & 코에서 열리고 있으며, 이 매혹적인 예술가의 작품 세계의 기초를 형성한 순수한 플라스틱 미학을 엿볼 수 있는 기회를 제공하므로 방문할 가치가 있습니다. 그의 경력이 발전함에 따라, 오이티시카는 형식주의보다는 감각성과 관객과의 사회적 상호작용에서 더 많은 영감을 받았습니다. 이 예술가는 결국 관객이 내부로 걸어 들어가며 침투할 수 있는 구조물인 "펜트라블레스"(Penetrables), 관객이 춤을 추며 착용할 수 있는 착용 가능한 예술작품인 "파랑골레"(parangolés), 그리고 갤러리 내 모래와 돌로 이루어진 대규모 "트로피칼리아"(Tropicália)와 같은 작품들로 세계적으로 유명해졌습니다. 이 "트로피칼리아"는 리우데자네이루의 슬럼가를 방문한 누구에게나 친숙한 파벨라처럼 보이도록 여러 개의 "펜트라블레스"가 세워진 섬입니다. 이러한 후속 작품들은 대중이 예술과 함께하는 경험이 참여적일 때 더 기억에 남고 더 생동감 있게 느껴진다는 개념에 기반하고 있습니다. 그럼에도 불구하고 이러한 참여적 예술작품을 형성하는 시각적 언어는 순수한 플라스틱에 뿌리를 두고 있습니다. 이는 오이티시카가 선택한 매체의 본질을 발견하기 위해 수년간 수행한 초기 연구에서 비롯되었습니다. 그 연구는 갤러리 르롱에서 열리는 "헬리오 오이티시카: 공간적 릴리프와 드로잉, 1955–59"의 기초입니다. 이 전시는 세 가지 뚜렷한 작업을 선보입니다. 첫 번째는 "그룹 프렌트"(Grupo Frente) 또는 "프론트 그룹" 시리즈의 예시로, 구체 미술 운동의 잔재에서 탄생한 고아쉬(구아슈)로 그린 판지 작품들로, 기하학적 추상 미술의 근본적인 시각적 구조가 무엇일지를 탐구하는 듯합니다. 다음은 "메타에스케마스"(Metaesquemas) 또는 "메타 스킴" 시리즈의 여러 예시입니다. 이 고아쉬로 그린 판지 그림에서 오이티시카는 그의 시각적 언어를 가장 단순하고 자기 참조적인 요소로 축소합니다—비정상적인 그리드에 배열된 다채로운 상자들입니다. 마지막으로, 전시는 "레레보 에스파시알"(Relevo Espacial) 또는 공간적 릴리프 시리즈의 작품을 관객에게 선보입니다. 이 시리즈는 오이티시카가 그의 그림에서 개발한 형태와 색상이 차원 공간으로 튀어나와 관객과 동등한 참여의 영역에서 함께 존재하는 객체가 되는 중대한 순간을 나타냅니다.
비물체의 부상
헬리오 오이티시카는 1937년 브라질 리우데자네이루에서 태어났다. 그가 성장하는 동안, 남미 아방가르드에는 강렬한 낙관주의가 퍼지고 있었다. 아르헨티나에서는 1945년에 아르떼 콘크레토 인벤시온이 설립되었고, 이는 유토피아적이고 보편적인 기하학적 추상 미술의 아이디어가 그들의 나라의 부패한 정치 체제를 변화시킬 수 있다고 믿는 예술가들에 의해 이루어졌다. 한편 브라질에서는 유럽에서 교육을 받은 후 돌아온 예술가들이 많은 동일한 이상주의적 사고를 가지고 있었다. 그들은 기하학적 추상 미술의 형식 철학을 동원하여 전통적인 브라질 사회를 변화시킬 수 있다고 강하게 믿었다. 그들의 낙관적인 열정은 브라질의 새로운 현대 수도인 브라질리아의 창조에서 가장 완전한 표현을 찾았다. 브라질리아는 반짝이는 흰색의 현대 건축으로 이루어진 미래적인 대도시로, 브라질 건축가 오스카 니마이어에 의해 마스터 플랜이 세워졌다.
헬리오 오이티시카: 공간적 릴리프와 드로잉, 1955–59, 갤러리 르롱, 2018. 사진 제공: 갤러리 르롱
브라질리아는 1960년에 공식적으로 설립되었지만, 젊은 예술가들인 오이치카에게는 그 실패의 냉혹한 현실이 즉시 드러났습니다. 비싸고 아름다운 건물들은 장관이었지만, 가난한 사람들과 그들의 아이들은 여전히 거리에서 구걸하고 있었습니다. 이 유토피아적 비전을 브라질에 뿌리내리게 한 콘크리트 아트 운동은 결국 엘리트들의 최신 문화적 특권에 불과하다는 것이 밝혀졌습니다. 이 시대의 실망감은 오이치카와 리기아 클락, 그리고 리기아 파페가 네오-콘크리트 운동을 창립하게 만든 원인이었습니다. 그들의 새로운 운동은 브라질의 일반 시민들의 삶을 개선하는 것을 목표로 했습니다. 이는 페레이라 굴라르의 에세이 "비물체의 이론"에서 표현된 아이디어에서 영감을 받았습니다. 이 에세이는 예술 작품과 같은 물질적 객체가 의미를 찾는 인간에게 본질적으로 가치가 없다고 주장했습니다. 그들은 "감각적이고 정신적인 경험이...일어날 수 있도록 하는" 비물체로서의 지위에 따라 가치가 있을 뿐입니다.
헬리오 오이티시카: 공간적 릴리프와 드로잉, 1955–59, 갤러리 르롱, 2018. 사진 제공: 갤러리 르롱
절제된 희망
"비전통적인 예술작품 대신 '비객체(non-objects)'의 창작에 집중함으로써, 오이티시카(Oiticica)와 다른 네오콘크리트(Neo-Concrete) 예술가들은 예술이 일상 사람들의 필요와 가치와 교차할 수 있는 방식에 대한 새로운, 다소 절제된 희망을 불러일으키기를 희망했다. 오이티시카는 자신의 작품을 박물관 환경 밖에서 전시하기 위해 애썼다. 그가 살아있을 때, 그는 전통적인 박물관에서 단 한 번의 전시만을 가졌다. 나머지는 관람객들에게 더 캐주얼하고 덜 위압적인 갤러리 공간에서 열렸다. 그는 사람들이 자신의 작품을 만지도록 장려했다. 관람객들은 그의 '파랑골레(parangolés)'를 입고 춤추고 웃었다. 그들은 그의 '페네트라블(Penetrables)'에 모여 음식을 먹고, 술을 마시고, 심지어 사랑을 나누기도 했다. 그러나 이 낙관적인 시기도 오이티시카에게는 곧 끝이 났다. 그는 뉴욕시로 이사하여 다시 한 번 자신의 작업을 변형시켰고, 자신의 아파트 안에 사적인 환경을 만들어 소규모 그룹의 사람들이 초대되어 친밀한 경험을 하도록 했다. 그 경험 동안 그들은 코카인을 하고 오이티시카가 만든 비디오 프로젝션을 보았다."
헬리오 오이티시카: 공간적 릴리프와 드로잉, 1955–59, 갤러리 르롱, 2018. 사진 제공: 갤러리 르롱
오이티시카가 뉴욕을 떠나 브라질로 돌아왔을 때, 그는 자신의 개념이 이끌어낸 극단적인 한계에 실망했습니다. 그는 약물 사용을 중단하고 형식주의를 다시 받아들였으며, 이는 “매직 스퀘어 nº 3”(1979)와 같은 후기 프로젝트에서 증명됩니다. 그러나 이 특정 작품이 보여주듯이, 오이티시카는 여전히 사람들이 상호작용하고 참여할 수 있는 작품을 만들고자 하는 의지를 가지고 있었습니다. 만약 그가 1980년 42세의 나이에 고혈압으로 인한 뇌졸중으로 사망하지 않았다면, 오이티시카가 이루었을 더 위대한 작품들을 상상하는 것은 매력적입니다. 그의 유산의 또 다른 큰 비극은 2009년 오이티시카가 남긴 많은 작품과 개인 소품들이 그의 형의 집에서 화재로 파괴되었다는 것입니다. 따라서 그의 작품의 진정한 예를 볼 수 있는 기회를 최대한 활용하는 것이 더욱 소중합니다. 그것들은 예술과 일상 생활의 교차점의 중요성을 진정으로 이해한 뛰어난 정신을 엿볼 수 있는 기회입니다. “헬리오 오이티시카: 공간적 릴리프와 드로잉, 1955–59”가 뉴욕의 갤러리 롱 & 코에서 2019년 1월 26일까지 전시됩니다.
특집 이미지: 헬리오 오이티시카: 공간적 릴리프와 드로잉, 1955–59, 갤러리 르롱, 2018. 사진 제공: 갤러리 르롱
필립 Barcio
