헬리오 오이티시카의 공간 구상
헬리오 오이티시카의 초기 작품 전시회가 뉴욕의 Galerie Lelong & Co.에서 열리고 있습니다. 이 전시는 이 매혹적인 예술가의 작품 세계를 형성한 순수한 조형 미학을 엿볼 수 있어 방문할 가치가 있습니다. 그의 경력이 발전하면서 오이티시카는 형식주의보다는 관능성과 관객과의 사회적 상호작용에서 영감을 받았습니다. 이 예술가는 결국 관객이 내부로 들어가 체험할 수 있는 구조물인 “Penetrables,” 관객이 입고 춤출 수 있는 착용 가능한 예술작품인 “parangolés,” 그리고 갤러리 내에 설치된 모래와 돌로 이루어진 대형 환경 작품 “Tropicália”와 같은 환경 작품으로 세계적인 명성을 얻었습니다. “Tropicália”는 리우데자네이루 빈민가를 방문한 사람이라면 익숙한 파벨라를 닮은 여러 “Penetrables”가 세워진 섬입니다. 이 모든 후기 작품들은 대중이 예술과 함께하는 경험이 참여적일 때 더 기억에 남고 생생하다는 개념에 기반합니다. 그러나 이러한 참여적 예술작품을 형성하는 시각 언어는 여전히 순수한 조형적 요소에 뿌리를 두고 있습니다. 이는 오이티시카가 자신의 매체의 본질을 발견하기 위해 수년간 수행한 초기 연구에서 비롯되었습니다. 이 연구가 Galerie Lelong에서 열리는 “헬리오 오이티시카: 공간 부조와 드로잉, 1955–59” 전시의 기초입니다. 전시는 세 가지 뚜렷한 작품군을 선보입니다. 첫 번째는 “Grupo Frente” 또는 “전위 그룹” 시리즈의 예로, 콘크리트 아트 운동의 잔재에서 탄생한 골판지 위 구아슈 작품들로, 기하학적 추상미술의 근본적인 시각 구조를 탐구하는 듯합니다. 다음은 “Metaesquemas” 또는 “메타 도식” 시리즈의 여러 예입니다. 이 골판지 위 구아슈 작품들에서 오이티시카는 시각 언어를 가장 단순하고 자기 참조적인 요소인 색색의 상자들을 비정형 격자에 배열하는 방식으로 축소했습니다. 마지막으로 전시는 “Relevo Espacial” 또는 공간 부조 시리즈의 작품을 선보입니다. 이 시리즈는 오이티시카가 회화에서 발전시킨 형태와 색채가 입체 공간으로 뛰어올라 관객과 동등한 참여 영역에서 공존하는 물체가 된 중대한 순간을 나타냅니다.
비대상(非對象)의 부상
헬리오 오이티시카는 1937년 브라질 리우데자네이루에서 태어났습니다. 그가 성장하는 동안 남미 전위 예술계에는 강한 낙관주의가 퍼지고 있었습니다. 아르헨티나에서는 1945년에 아르테 콘크레토 인벤시온(Concrete Art Invention)이 설립되었는데, 이들은 기하학적 추상미술의 이상주의적이고 보편주의적인 사상이 부패한 정치 체제를 변화시킬 수 있다고 믿었습니다. 한편 브라질에서는 유럽에서 교육받고 돌아온 예술가들이 비슷한 이상을 품고 있었습니다. 그들은 기하학적 추상미술의 형식 철학을 동원해 전통적인 브라질 사회를 변화시키고 더 공정하고 진보적인 문화를 이룰 수 있다고 굳게 믿었습니다. 이들의 낙관적 열정은 브라질의 새로운 현대 수도인 브라질리아 건설에서 가장 완전하게 표현되었습니다. 브라질리아는 브라질 건축가 오스카르 니마이어가 설계한 빛나는 흰색의 현대주의 건축물로 이루어진 미래 도시였습니다.
헬리오 오이티시카: 공간 부조와 드로잉, 1955–59, Galerie Lelong, 2018. 사진 제공 Galerie Lelong
브라질리아는 1960년에 공식적으로 설립되었지만, 오이티시카 같은 젊은 예술가들에게는 그 실패의 냉혹한 현실이 즉시 드러났습니다. 값비싸고 아름다운 건물들은 장관이었지만, 가난한 사람들과 그들의 아이들은 여전히 거리에서 구걸하고 있었습니다. 이 이상주의적 비전을 브라질에 뿌리내리게 한 콘크리트 아트 운동은 결국 엘리트들의 최신 문화적 특권에 불과하다는 것이 밝혀졌습니다. 이 시대의 실망은 오이티시카가 리지아 클라크와 리지아 파페와 함께 네오 콘크리트 운동을 창립하게 했습니다. 이 새로운 운동은 브라질의 평범한 시민들의 삶을 개선하는 데 목적을 두었으며, 페헤이라 굴라르의 “비대상 이론”이라는 에세이에서 영감을 받았습니다. 이 에세이는 예술 작품과 같은 물질적 대상이 의미를 찾는 인간에게 그 자체로는 가치가 없으며, “감각적이고 정신적인 경험이 일어날 수 있도록 하는” 비대상으로서의 지위가 이해될 때만 가치가 있다고 주장했습니다.
헬리오 오이티시카: 공간 부조와 드로잉, 1955–59, Galerie Lelong, 2018. 사진 제공 Galerie Lelong
절제된 희망
오이티시카와 다른 네오 콘크리트 예술가들은 전통적인 예술작품 대신 “비대상” 창작에 집중함으로써 예술이 일상 사람들의 필요와 가치에 교차할 수 있는 새로운, 그러나 절제된 희망을 불러일으키고자 했습니다. 오이티시카는 자신의 작품을 박물관이 아닌 장소에서 전시하는 데 특별히 신경 썼습니다. 생전에 그는 전통적인 박물관에서 단 한 번만 전시를 했고, 나머지는 관객에게 더 편안하고 덜 위압적인 갤러리 공간에서 열렸습니다. 그는 사람들이 자신의 작품을 만지도록 권장했습니다. 관객들은 그의 “parangolés”를 입고 춤추며 웃었고, “Penetrables” 안에 모여 먹고 마시며 심지어 사랑을 나누기도 했습니다. 그러나 이 낙관적인 시기도 곧 끝났습니다. 그는 뉴욕으로 이주해 자신의 작업을 다시 변모시켰으며, 자신의 아파트 안에 사적인 환경을 조성해 소규모 그룹을 초대해 코카인을 하며 오이티시카가 만든 영상 투사를 감상하는 친밀한 경험을 제공했습니다.
헬리오 오이티시카: 공간 부조와 드로잉, 1955–59, Galerie Lelong, 2018. 사진 제공 Galerie Lelong
오이티시카가 뉴욕을 떠나 브라질로 돌아왔을 때, 그는 자신의 개념을 극단적으로 밀어붙인 것에 환멸을 느꼈습니다. 그는 약물 사용을 중단하고 “Magic Square nº 3”(1979)와 같은 후기 작품에서 볼 수 있듯이 형식주의로 다시 돌아갔습니다. 그러나 이 작품에서도 알 수 있듯이, 그는 여전히 사람들이 상호작용하고 참여할 수 있는 작품을 만들고자 했습니다. 만약 그가 1980년 42세의 나이로 고혈압으로 인한 뇌졸중으로 사망하지 않았다면 어떤 더 위대한 작품을 이루었을지 상상하게 됩니다. 그의 유산에 대한 또 다른 큰 비극은 2009년에 그의 형의 집에서 화재가 발생해 많은 작품과 개인 소장품이 소실된 것입니다. 따라서 그의 진품 작품을 볼 수 있는 기회가 있을 때마다 그것을 소중히 여기는 것이 더욱 중요합니다. 그의 작품들은 예술과 일상 생활의 교차점의 중요성을 진정으로 이해한 뛰어난 정신을 엿볼 수 있는 기회입니다. 뉴욕 Galerie Lelong & Co.에서 열리는 “헬리오 오이티시카: 공간 부조와 드로잉, 1955–59” 전시는 2019년 1월 26일까지 관람할 수 있습니다.
대표 이미지: 헬리오 오이티시카: 공간 부조와 드로잉, 1955–59, Galerie Lelong, 2018. 사진 제공 Galerie Lelong
필립 Barcio
