조안 스나이더의 초월적 실천 뒤에
조안 스나이더는 몇몇 예술가들이 이루기 힘든 것을 성취했습니다: 그녀는 아이콘이 되었습니다. 일반적으로 아이코닉하다고 여겨지기 위해서는 예술가가 단일 스타일, 단일 기법 또는 단일 서명 방법에 집중해야 합니다. 잭슨 폴록은 그의 스플래터 페인팅 때문에 아이콘이 되고, 조지아 오키프는 그녀의 꽃 그림 때문에 아이콘이 되며, 마크 로스코는 그의 컬러 필드 페인팅 때문에 아이콘이 되고, 이브 클라인은 그의 서명 색상인 "IKB 블루" 때문에 아이콘이 됩니다. 이 목록은 계속될 수 있습니다. 그러나 스나이더를 우리 시대의 완벽한 아이콘으로 만드는 것은 그녀가 특정한 한 가지로 알려져 있지 않다는 점입니다. 그녀는 특정한 유형의 작업을 만들거나 특정한 방법이나 기법을 사용하지 않기 위해 노력해왔습니다. 1960년대 후반에 그녀의 작업이 처음으로 인정받은 이후, 그녀는 지속적으로 자신의 작업을 발전시켜 왔습니다. 그녀가 만드는 모든 그림은 그 자체로 논리를 가지며, 과거에 의해 정의되지만 그로부터 영향을 받을 뿐입니다. 스나이더는 본질적으로 매력적인 직관을 가지고 있으며, 이는 어떤 집단에서는 지혜나 깨달음으로 여겨질 수 있지만 사실은 겸손에 더 가깝습니다. 그녀는 과거를 포용하고, 현재에 대한 영향을 받아들이며, 미래에 대해 아는 척하지 않습니다. 이러한 태도는 그녀가 겪어온 고통에도 불구하고 조심스럽게 낙관적일 수 있게 해주며, 그녀의 그림을 끝없이 신선하게 유지합니다. 관객들은 스나이더가 스튜디오에서 다음에 무엇을 할지 예측할 수 없을 것입니다. 왜냐하면 그녀 자신도 정말로 알지 못하기 때문입니다. 그녀는 계획하고 스케치하며 아이디어를 열심히 적어내지만, 그녀는 자신의 그림이 실제로 재즈와 더 비슷하다고 말합니다—"그냥 일어납니다." 스나이더는 자신의 작업을 제한하기를 거부함으로써 어떤 레이블을 붙이려는 시도를 초월합니다. 그녀는 열려 있고, 정직하며, 자유롭습니다. 역사나 시장에 의해 부과된 어떤 진리에 얽매이는 대부분의 다른 아이코닉한 예술가들과는 달리, 스나이더는 자신에게 진실해야 한다는 것을 아는 예술가의 아이코닉한 예입니다.
최초의 맥시멀리스트
스나이더가 위험을 감수하고 붙일 수 있는 단어가 있다면 그것은 "맥시멀리스트"라는 용어일 것이다. 1940년에 태어난 그녀는 1966년 러트거스 대학교에서 미술 석사 학위를 받았으며, 이는 그녀가 뉴저지주 하이랜드 파크에서 자란 곳에서 몇 마일 떨어진 곳이다. 그 당시 미술계는 팝 아트, 옵 아트, 두 번째 물결의 추상 표현주의, 개념 미술, 퍼포먼스 아트와 같은 소수의 독특한 운동과 flirt하고 있었다. 그러나 의심할 여지 없이 가장 지배적인 신흥 경향은 미니멀리즘이었다. 도널드 저드, 솔 르윗, 프랭크 스텔라와 같은 예술가들은 그들의 간결하고 감정이 배제된 구성으로 미술 애호가들의 눈과 마음을 놀라게 했다. 많은 관객, 큐레이터, 딜러들에게 그들의 작품은 자신의 가장 깊은 잠재의식적 감정을 표현하려는 예술가들에 의해 감정적으로 충전된 20년의 작품에 대한 완벽한 해독제처럼 보였다.
조안 스나이더 - 우리의 분노를 시로 바꿀 수 있을까요, 1985. 리브 BFK 종이에 색 리소그래프. 30 1/4 × 44 1/4 인치; 76.8 × 112.4 cm. 에디션 프린터스프루프/20 + 1AP. 안더스 왈스테드 파인 아트, 뉴욕. © 조안 스나이더
스나이더는 이러한 미니멀리스트들을 보고 그들의 작업의 구조와 자신감을 높이 평가했다. 그러나 그녀는 또한 그들의 작업이 개인적으로 자신과는 아무런 관련이 없다는 것을 깨달았다. 그 문제에 대해 그녀는 다른 어떤 운동도 자신과 관련이 있다고 생각하지 않았다. 그녀는 모든 이러한 예술 운동이 가부장적인 예술 시장과 왜곡되고 불완전하며 남성 중심의 예술 역사 관점에서 발전해 왔다고 인식했다. 그녀는 자신이 만들고 싶은 그림의 종류를 정확히 알지 못했지만, 자신이 그리는 어떤 것이든 자신에게 진실할 것이라는 것을 알고 있었다. 학교를 졸업한 후 그녀가 만든 첫 번째 그림들은 그리드의 언어에 대한 화가적 탐구였다. 그 다음에는 브러시 스트로크의 시각적 언어를 매핑한 이른바 "스트로크" 그림 시리즈가 나왔다. 두 작품 모두 그녀가 복잡하고 층이 있는 개인적인 내러티브를 전달할 수 있는 개인적인 구문을 구축하려는 시도였다. 한편, 그녀가 모든 것보다 더 집중했던 것은 작업에 점점 더 많은 것을 담아내어 자신이 원하는 말을 하도록 하는 것이었다. 그녀는 "내 전체 아이디어는 그림에 더 많은 것을 담는 것이었지, 덜 담는 것이 아니었다"고 말한다. 그녀의 접근 방식은 "맥시멀리즘"이라고 불렸다.
조안 스나이더 - 가을 노래, 2002. 캔버스에 유채 및 혼합 매체. 50 × 96 인치; 127 × 243.8 cm. 알렉산드르 갤러리, 뉴욕. © 조안 스나이더
투쟁의 유산
스나이더는 때때로 그녀의 작품을 교향곡에 비유하곤 했다. 의심할 여지 없이, "아모르 마트리스"(2015)나 "심포니 VII"(2014)와 같은 그림에서의 임파스토 층, 잔해, 방울 형태의 혼합은 우리의 영혼이라는 고통받는 악기에 의해 번역을 기다리는 시각적 음악처럼 읽힐 수 있다. 그러나 이러한 그림들은 서사 문학과도 공통점을 공유한다. 서사들이 펼쳐지며, 색상과 음조의 강렬한 어둠과 빛에 의해 추진된다. 원초적이고 본능적인 형태들은 자신이 개성과 자부심을 가지고 있음을 선언한다; 더 나아지기 위한 그들의 싸움은 우리의 눈과 마음에 강력한 도전을 제시한다. 스나이더가 "파우더드 펄스"(2017)와 같은 그림에 도입하는 단어들—때로는 글로 쓰고 때로는 매체에 긁어내는 방식으로—은 우리의 생각과 기분을 안내한다. 그러나 결국, 우리가 이 그림들에서 듣는 노래나 읽는 이야기는 스나이더가 붓을 캔버스에 대게 만든 원인보다 우리의 내부 서사와 더 관련이 있다.
조안 스나이더 - 파우더드 펄스, 2017. 혼합 매체. 유화, 아크릴, 천, 색연필, 파스텔, 구슬, 글리터가 캔버스에 사용됨. 137.0 × 91.5 cm. 53.9 × 36.0 in. 프랭클린 파라스크 갤러리. © 조안 스나이더
우리가 스나이더가 만든 그림을 어떻게 보든지 간에, 그들이 공통적으로 가지고 있는 부인할 수 없는 한 가지는 그들의 투쟁의 유산이다. 스나이더는 그들을 존재하게 하기 위해 자신과 싸워왔다. 이는 그들의 엄청난 시각적 복잡성과 물질적 깊이에 의해 입증된다. 그럼에도 불구하고 그들은 우리가 피하고 싶어하는 유형의 투쟁의 증거가 아니다. 대신, 그들은 거의 기쁜 투쟁의 증거이다. 그들은 우리가 자연적인 인간의 불안감을 극복할 때마다 어떤 나이에서든지 가지고 있는 젊은 자부심으로 빛난다. 마치 그들의 느긋한 이야기 전개가 우리가 항상 알고 있었던 문제에 대한 설명하기 어려운 그러나 부인할 수 없는 해결책을 제공하려고 하는 것처럼 보인다. 하지만 스나이더와 그녀가 자신에게 진실하려는 노력 덕분에 이제 우리는 우리가 공통적으로 가지고 있다는 것을 알게 되었다.
특집 이미지: Joan Snyder - 작은 바다 풍경, 2011. 리넨에 유화와 아크릴. 18 × 24 인치; 45.7 × 61 cm. 알렉산드르 갤러리, 뉴욕. © Joan Snyder
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
