현대 미술에서의 세 가지 녹색의 거장들
우리는 초록색의 의미에 대한 연구를 진행해 왔으며, 결과는 솔직히 꽤 혼란스럽습니다. 사람들이 초록색과 관련하여 가장 일반적으로 가지는 연관성 중 많은 것들이 서로 직접적으로 모순됩니다. 예를 들어, 초록색이 건강과 자연의 색이라고 맹세하는 사람들이 있는 반면, 많은 다른 사람들은 초록색을 질병과 독성과 단호하게 연관짓습니다. 아일랜드 민속에서 초록색은 좋은 운의 색이라고 하지만, 중국 민속에서는 나쁜 운의 색이라고 합니다. 한 웹사이트는 초록색이 생명과 활력을 의미한다고 말하는 반면, 다른 웹사이트는 그것이 죽음과 게으름을 상징한다고 합니다; 한 곳은 희망과 낙관을 의미한다고 하고, 다른 곳은 질투와 비겁함을 의미한다고 합니다; 한 곳은 부와 성공을 의미한다고 하고, 다른 곳은 질투와 무능력을 의미한다고 합니다. 그리고 우리는 계속할 수 있습니다. 하지만 요점은 초록색이 무엇을 의미하는지에 대한 합의가 없다는 것입니다. 아마도 이 삶의 많은 다른 것들과 마찬가지로, 초록색은 의미를 얻기 위해 맥락이 필요합니다. 그래서 우리는 다시 한 번 Chromaphilia: The Color of Art라는 책을 살펴보려고 합니다. 이 책은 전 LACMA 큐레이터인 스텔라 폴이 저술하였고, 올해 초 Phaidon Press에서 출판되었습니다. 이 책은 다양한 예술가들이 그들의 작품에서 색상을 사용하는 다양한 방식을 조사합니다. 초록색에 대한 검토에서, 이 책은 세 명의 예술가를 특별히 언급합니다: 브루스 노먼, 브라이스 마든, 그리고 올라푸르 엘리아손. 각 예술가는 효과를 위해 색상에 크게 의존하며, 각 예술가는 또한 맥락에 따라 관객에게 다른 의미를 불러일으키는 작품을 만듭니다.
그린을 보는 것은 쉽다
빛에 대한 연구를 광학이라고 하며, 광학은 색상과 모든 관련이 있습니다. 우리의 눈은 가시광선 스펙트럼이라고 하는 것에서 발생하는 파장 변화를 기반으로 다양한 색상을 감지합니다. 인간은 전자기 스펙트럼의 작은 구간만을 인식할 수 있습니다. 나노미터(약어 nm)로 측정되는 우리는 약 400에서 700 nm 범위에서 나타나는 빛만을 볼 수 있습니다. 파란색은 450에서 495 nm 사이의 파장을 가지고 있습니다. 빨간색은 620에서 740 nm 사이의 파장을 가지고 있지만, 그 중 많은 부분은 인간에게는 가시 스펙트럼을 넘어섭니다. 모든 가시 색상 중에서 녹색은 인간의 가시 스펙트럼에서 가장 큰 파장 범위를 가지고 있습니다: 487에서 570 nm 사이입니다. 그리고 녹색은 인간의 눈이 가장 쉽게 인식할 수 있는 색상이기도 합니다. 어둠에 적응했을 때, 우리의 눈은 507 nm에서 빛에 가장 민감하며, 빛에 적응했을 때는 555 nm에서 빛에 가장 민감합니다. 두 경우 모두 녹색 영역에 확고히 위치해 있습니다.
하지만 광학은 모든 사람에게 보편적으로 번역될 수 있는 것은 아닙니다. 과학은 변하지 않지만, 과학에 대한 우리의 경험은 개인의 인식에 크게 의존합니다. 우리는 눈에 있는 원추세포라는 세포 덕분에 색을 볼 수 있습니다. 그러나 대략 8%의 인간은 원추세포에 결핍이 있어 색맹의 어떤 수준을 경험하게 됩니다. 녹색 약화, 가장 일반적인 형태의 색맹을 가진 사람은 녹색을 인식하는 데 어려움을 겪습니다. 녹색 약화는 매우 흔하기 때문에 많은 나라에서는 색맹 운전자가 신호를 탐색하는 데 도움을 주기 위해 녹색 신호등에 줄무늬와 같은 시각적 단서를 추가합니다. 비록 과학적으로 녹색이 우리가 볼 수 있는 가장 풍부한 색이며, 어둠이나 빛 속에서 우리의 감도 범위 내에 완벽하게 존재하기 때문에 우리가 인식하기 가장 쉬운 색이지만, 또한 가장 일반적으로 논란이 되는 색이기도 합니다. 각자가 유전적 소인에 따라 원추세포가 다르기 때문에 각자가 조금씩 다르게 인식합니다. 따라서 각자가 녹색의 의미에 대해 서로 다른 생각을 갖는 것도 자연스러운 일입니다. 우리는 그것을 인식하고, 따라서 경험과 연관짓는 방식이 개별적이기 때문입니다.
Olafur Eliasson - Green river 1998, Stocholm, 2000, © Olafur Eliasson
올라푸르 엘리아손과 그린 리버 프로젝트
형광물질인 플루오레세인이 100년 이상 동안 물을 형광 녹색으로 만드는 데 사용되어 왔습니다. 식품 색소 노란색 7호로도 알려진 플루오레세인은 제2차 세계대전 중 해상 구조가 필요할 때 군인들이 사용했으며, 우주선이 착수한 후 위치를 파악하고 구조하기 위해 사용되었습니다. 시카고 주민들은 또한 플루오레세인이 세인트 패트릭스 데이에 시카고 강을 녹색으로 만드는 데 원래 사용된 물질로 알고 있을 것입니다. 그리고 거의 20년 전, 덴마크-아이슬란드 예술가 올라푸르 엘리아손은 플루오레세인의 나트륨 염 변형인 유라닌(노란색 8호)을 사용하여 그가 그린 강 프로젝트라고 부르는 공공 예술 작품의 실행에 사용한 생생한 효과를 만들어냈습니다.
그린 리버 프로젝트의 첫 번째 에디션은 1998년 독일 브레멘에서 진행되었다. 엘리아슨은 도시의 누구에게도 자신의 의도를 알리지 않고, 보조자와 함께 카누를 타고 베제르 강을 내려가면서 그 과정에서 많은 양의 유라닌을 물에 방출했다. 곧 강가를 지나던 사람들을 놀라게 할 거대한 형광 녹색 줄무늬가 나타났다. 엘리아슨은 그의 미적 개입이 도시의 사회적 영역을 흔드는 동안 공개적인 장관이 펼쳐지도록 허용했다. 첫 반응은 물론 두려움과 공포였으며, 사람들은 그것이 어떤 독소라고 생각했다. 나중에야 예술가는 자신이 한 일을 밝혀 공공의 우려를 덜어주었다. 엘리아슨은 이후 노르웨이, 아이슬란드, 스웨덴, 일본, 미국에서 이 프로젝트를 반복했다. 녹색 염료는 각 도시에서 다양한 반응을 일으켰지만, 맥락 때문에 거의 모든 반응은 보편적으로 부정적이었다. 엘리아슨은 이러한 유형의 작업을 "현상 생산자"라고 부르며, 이러한 프로젝트가 사람들을 그들의 환경과의 정상적인 상호작용에서 끌어내는 것이 중요하다고 믿는다. 또한, 일반적으로 예술을 접하지 않는 사람들에게 예술을 가져오는 것이 중요하다고 생각한다.
Olafur Eliasson - Green river 1998, The Northern Fjallabak Route, Iceland, 1998, © Olafur Eliasson
브라이스 마든과 단색화
브라이스 마든은 단색화의 아이디어를 실험한 많은 예술가 중 한 명입니다. 그는 다양한 색상의 페인트를 차례로 덧칠하여 단색화를 만들어내며, 밑색이 최종 완성된 색조에 기여하도록 합니다. 그의 단색화의 물리성은 그것들을 감상할 수 있는 객체로 만듭니다: 그들의 존재는 풍부하고 호화롭고 깊은 색이 시선을 사로잡기 때문에 크게 느껴집니다. 그러나 마든의 초록색 단색화를 만나는 행위는 공공 강을 따라 흐르는 형광색의 초록색 줄무늬를 갑자기 보는 것과는 전혀 다릅니다. 만약 당신이 초록색 마든 단색화 앞에 서 있다면, 당신은 아마도 박물관, 아트 페어, 또는 고급 미술 갤러리에 있을 것입니다. 그것은 안전한 장소이며, 따라서 외부의 맥락적 간섭과는 별개로 초록색이 당신에게 개인적으로 무엇을 의미하는지 질문할 기회입니다.
Marden은 그의 단색화에 대해 한 번 이렇게 말했습니다. “내 그림이 단순히 그것이 무엇인지에 그치지 않고 더 나아간다고 생각하고 싶다.” 색상은 확실히 그의 단색화가 그 부분의 합 이상이 되도록 하는 데 중요한 역할을 합니다. Stella Paul이 Chromaphilia에서 사용한 Brice Marden의 단색화 예시는 1976년의 것으로, Grove IV라는 제목의 그림입니다. Marden은 그 작품을 자연에 대한 반영으로 그렸으며, 그가 시간을 보낸 그리스의 하이드라 섬을 구체적으로 언급했습니다. “자연은 올바르다,” Marden은 한 번 말했습니다. 하지만 이 그림은 어떤 방식으로 자연에서 영감을 받았을까요? 그것은 초록색 풀의 구상적 이미지인가요? 아니면 자연과 초록색 사이에 우리가 만들 수 있는 추상적 연상을 의미하나요? 초록색에 본질적으로 자연적인 것이 있을까요? 초록색 단색화는 그 질문에 대해 스스로 답할 기회를 제공합니다.
Brice Marden - Grove IV, 1976, Solomon R. Guggenheim Museum, New York , © 2017 Brice Marden/Artists Rights Society (ARS), New York
브루스 노먼, 그린 라이트를 주다
인디애나 출신의 예술가 브루스 노먼은 사람들의 심리와 행동을 조사하기 위해 그의 예술적 작업에 참여합니다. 그는 종종 자신의 작품에 텍스트를 사용하여 관객들이 단어의 의미와 예술과의 상호작용 맥락을 구분하도록 도전합니다. 그러나 그는 아마도 색깔 있는 빛의 사용과 가장 일반적으로 연관되어 있습니다. 1970년, 노먼은 두 개의 높은 벽을 세우고 나란히 배치하여 단 12인치 너비의 좁은 복도를 만들었습니다. 그런 다음 그 위에 녹색 형광 전구를 걸어 복도가 밝은 녹색으로 빛나게 했습니다. 관객들은 복도를 통과하도록 권장되었습니다. 그들이 공간에 맞는다면, 그들의 눈은 녹색 빛의 홍수에 적응하고, 복도를 나선 후에는 다시 적응하여 색상 스펙트럼의 반대편인 분홍색의 시각적 환상을 보게 됩니다.
이 작품에서 나우만이 색깔 초록에 대해 특별히 어떤 의미를 내포하고자 했는지 말하기는 어렵다. 그는 다른 어떤 색깔을 사용했더라도 비슷한 효과를 얻었을 것이다. 그의 이 색깔 선택에는 어떤 의미가 없었을 수도 있다. 그러나 그가 초록을 선택했다는 사실은 많은 예술 관람자들이 이 색깔과 새로운 맥락적 연관성을 만들어내게 했다. 이 강렬하고 폐쇄적이며 비현실적인 경험은 무섭고, 환각적이며, 심지어 신성하다고 묘사되었다. 다시 한번 질문을 던진다: 색깔은 본질적인 의미가 있는가? 그 의미는 맥락에 따라 달라지는가? 이 세 아티스트의 작업은 우리에게 색깔에 대한 대부분의 연관성이 개인적인 경험에서 비롯된다고 믿게 한다.
Bruce Nauman - Green Light Corridor, Copenhagen Contemporary, Copenhagen
특집 이미지: 브루스 나우만 -
