Un Art Autre - 전후 파리의 추상화, 레비 고르비에서

1952년, 프랑스의 미술 비평가이자 큐레이터인 미셸 타피에(Michel Tapié)는 “Un Art Autre”라는 구절을 만들어냈습니다. 이는 “다른 종류의 예술”을 의미하며, 그가 인식한 추상 미술의 경향이 합리성에서 자발성으로 이동하는 것을 지칭합니다. 이 경향은 타피에가 기반을 두고 있던 프랑스에서만 나타난 것이 아니라, 1950년대와 60년대에 전 세계의 많은 예술가들이 이 미적 현상을 탐구하기 위해 프랑스를 찾았습니다. 일부는 제2차 세계대전의 참전 용사로, 전후 유럽에 남거나 다시 그곳으로 돌아가 공부하고 일했습니다. 다른 이들은 단순히 스스로를 재건하려는 도시와 문화의 흥분에 끌렸습니다. 파리의 독특한 “카페 문화”를 활용하여, 이 국제적인 예술가와 사상가 집단은 자유롭게 아이디어를 공유하며 스릴 넘치고 원시적인 장면을 만들어냈습니다. 그 매혹적인 문화는 현재 런던의 레비 고르비(Levy Gorvy)에서 전시되고 있으며, 타피에가 이름을 붙인 운동의 이름을 따왔습니다. Un Art Autre는 1950년대와 60년대에 파리를 고향으로 삼았던 다섯 화가—피에르 술라주(Pierre Soulages), 자오 우키(Zao Wou-Ki), 장 폴 리오펠(Jean Paul Riopelle), 조안 미첼(Joan Mitchell), 샘 프랜시스(Sam Francis)—의 22점의 그림을 특징으로 합니다. 각각 프랑스, 중국, 캐나다, 미국을 대표하는 이 예술가들은 각기 개별적인 세계관과 개인사를 가지고 있었습니다. 각자는 회화와 삶에 대해 완전히 다른 관계를 가지고 있었지만, 모두 직관적이고 자유로운 무언가와 연결되기를 원했습니다. 이 다섯 예술가가 “다른 종류의 예술”의 유일한 목소리는 아니었지만, 이 전시에서 그들의 작품을 함께 보는 것은 그들이 속했던 운동에 대한 감동적인 진입점을 제공합니다. 또한 현대 관객들에게 이 운동과 이 시기에 다른 장소에서 나타난 유사한 경향, 예를 들어 미국의 추상 표현주의(Abstract Expressionism)와의 차이를 살펴볼 기회를 제공합니다.

컬러 및 흑백

오늘, 피에르 수잘레스는 많은 이들에 의해 살아있는 가장 위대한 화가로 여겨집니다. 그는 우아하고 종종 감정적으로 압도적인 검은색 그림으로 사랑받고 있습니다. 수잘레스가 전후 파리에서 그의 독특한 목소리를 처음 개발할 때조차도, 그는 그의 그림에서 검은색이 어떻게 작용하는지에 대한 깊은 이해를 가지고 있었습니다. 그는 그것을 어둠을 보여주는 방법이 아니라 "빛을 창조하는 방법"으로 보았습니다. 광택과 무광 마감 처리를 대조하고, 캔버스의 검은색과 흰색 영역 간의 관계를 만들어내면서, 그는 빛이 질감과 색조와 상호작용할 수 있는 기회를 창출했습니다. 캔버스의 서로 다른 영역 간의 관계는 그의 그림을 그렇게 빛나게 만드는 요소 중 하나입니다. 이번 전시회에서는 그의 캔버스 다섯 점을 볼 수 있습니다. "Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957" (1957)와 "Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957" (1957)와 같은 그림에서의 긴밀한 구성 구조에도 불구하고, 그들의 생동감 넘치는 검은색과 강렬한 붓질은 그 표면에 생명을 불어넣습니다. 그들은 순수한 검은색이 아니지만, 황토색, 파란색, 흰색의 상호작용이 어떻게든 검은색을 더욱 빛나게 만듭니다.

조안 미첼 - 제목 없음, 1957. 캔버스에 유화. 69 x 58 1/2 인치 (175.2 x 148.5 cm). 개인 소장, 산타바바라. © 조안 미첼 재단.

색상 관계는 조안 미첼에게도 매우 중요했습니다. 이 전시회에는 그녀의 작품 네 점이 전시되어 있습니다. 네 점 모두가 사적인 컬렉션에서 완전히 조합된 것이기 때문에 대부분의 방문객에게는 새롭게 다가올 것입니다. 이 작품들은 미첼이 색상 팔레트를 통해 감정적 톤을 전달하는 뛰어난 능력을 보여줍니다. 그녀의 작품에서 우리가 보고 있는 것은 분명히 "자연의 것"입니다. 비록 그림이 완전히 추상적이지만 말입니다. 이러한 자연스러움은 미첼이 프랑스로의 잦은 방문과 궁극적인 이주 동안 개발한 거의 황홀한 제스처 스타일에 의해 더욱 강조됩니다. 이 전시회에 전시된 작품들은 그녀의 작품 중 가장 느슨하고 자유로운 느낌을 줍니다. 이는 그녀가 그림을 그리는 동안 자신 안으로 사라지고, 자연 세계에 대한 자신의 기억을 바탕으로 개인적인 무언가를 포착하고자 하는 열망을 증명합니다.

샘 프랜시스 - 아르퀼, 1956/58. 캔버스에 유화. 80 3/4 x 76 인치 (205.1 x 193 cm). 밀드레드 레인 켐퍼 미술관, 세인트루이스 워싱턴 대학교. 리차드 K. 웨일 부부의 기증, 1962. © 샘 프랜시스 재단, 캘리포니아 / DACS 2019.

충동의 전체 범위

장 폴 리오펠의 전시 작품들은 1950년대 초 그의 방법에서 발생한 극적인 변화를 보여줍니다. 전시에서 가장 인지도가 높은 작품은 “추상 (오렌지)” (1952)입니다. 전시에서 가장 큰 작품 중 하나인 이 작품의 격렬한 제스처 액션은 잭슨 폴록과 같은 추상 표현주의 화가들과 가장 자주 연관되는 스플래터 페인팅과 즉각적인 유사성을 이룹니다. “수평, 흑백” (1955)과 같은 후속 작품에서는 리오펠이 훨씬 더 의도적인 기법을 구성하는 모습을 볼 수 있으며, 긴장감이 가득한 세밀하고 측정된 붓 자국을 사용하면서도 그의 작품에 생기를 불어넣는 충동적인 에너지를 여전히 유지하고 있습니다. 충동의 스케일에서 거의 반대편에 위치한 세 점의 절묘한 그림은 자오 우키의 작품입니다. 그들의 부드러운 팔레트와 균형 잡힌 구성 조화는 자유로운 표현과 측정된 차분함 사이에서 훌륭하게 균형을 이루는 화가를 보여줍니다.

장 폴 리오펠 - 수평, 흑백, 1955. 캔버스에 유화. 28 3/4 x 36 1/4 인치 (73 x 92 cm). 사진: 외스테인 토르발드센. 헤니 온스타드 미술센터 소장, 회비코덴, 노르웨이. © SODRAC, 몬트리올 및 DACS, 런던, 2019.

이 전시회에서 내가 가장 잘 알지 못하는 화가는 샘 프랜시스입니다. 그의 작품 다섯 점을 보고 나니, 그에 대해 배울 것이 훨씬 더 많다는 생각이 듭니다. 제목이 없는 오렌지, 노란색, 파란색 구성의 천상의 경박함은 헬렌 프랭켄탈러를 떠올리게 했고, 그의 “블루 시리즈 No. 1” (1960)은 즉시 이브 클라인을 연상시켰습니다. 또 다른 두 작품—“구성” (c. 1957-58)과 “제목 없음” (1959)—은 더 뚜렷한 무언가를 제공했습니다: 마치 내가 진정으로 변동과 흐름의 이미지를 보고 있는 것처럼 거의 전기적인 흥분이었습니다. 사실, 이러한 개념들은 1950년대와 60년대 파리에서 등장한 "다른 종류의 예술"에 대해 이 전시회가 말하고자 하는 핵심입니다. 정확히 정의하기 어렵고 이름 붙이기 힘든 예술이지만, 그것은 변화할 수 있는 능력과 놓아줄 수 있는 의지로 정의되는 예술이었습니다. Un Art Autre는 레비 고르비 런던에서 2019년 7월 5일까지 전시됩니다.

특집 이미지: 자오 우키 - 1969년 9월 16일, 1969. 캔버스에 유화. 31 7/8 x 51 3/16 인치 (81 x 130 cm). 개인 소장. © DACS 2019.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해