Un Art Autre - 전후 파리의 추상화, 레비 고르비에서

1952년, 프랑스의 미술 평론가이자 큐레이터인 미셸 타피에는 “Un Art Autre”라는 표현을 만들어냈습니다. 이는 “다른 종류의 예술”이라는 뜻으로, 그는 추상미술에서 이성적인 접근에서 벗어나 자발성으로 향하는 경향을 지칭했습니다. 이 경향은 타피에가 활동하던 프랑스뿐만 아니라 전 세계 여러 곳에서 나타났으며, 1950~60년대에 많은 예술가들이 이 미학적 현상을 탐구하기 위해 프랑스로 모여들었습니다. 일부는 제2차 세계대전 참전 용사로, 전쟁 후 유럽에 남거나 다시 돌아와 공부하고 작업했습니다. 다른 이들은 재건 중인 도시와 문화의 활기에 이끌렸습니다. 파리의 독특한 “카페 문화”를 활용해 이 국제적인 예술가와 사상가 집단은 자유롭게 아이디어를 나누며 흥미롭고 원초적인 장면을 만들어냈습니다. 이 매혹적인 문화는 현재 런던의 레비 고르비에서 열리는 전시회의 주제이며, 타피에가 이름을 붙인 운동의 이름을 따서 명명되었습니다. Un Art Autre 전시에는 피에르 술라주, 자오 우키, 장 폴 리오펠, 조안 미첼, 샘 프랜시스 등 5명의 화가가 1950~60년대 파리를 거주지로 삼았던 시기의 22점의 작품이 전시됩니다. 프랑스, 중국, 캐나다, 미국을 대표하는 이 예술가들은 각기 독특한 세계관과 개인사를 지니고 있었습니다. 이들은 회화와 삶에 대해 완전히 다른 관계를 맺었지만, 모두 직관적이고 자유로운 무언가와 연결되기를 바랐습니다. 이 다섯 명의 예술가들이 전쟁 이후 유럽에서 발전한 “다른 종류의 예술”의 유일한 목소리는 아니었지만, 이들의 작품을 함께 보는 것은 그들이 속한 운동에 대한 의미 있는 입구를 제공합니다. 또한 현대 관람객에게는 이 운동과 같은 시기에 다른 지역에서 나타난 추상 표현주의와 같은 경향과의 차이를 살펴볼 기회를 제공합니다.

색채와 흑백

오늘날 피에르 술라주는 많은 이들에게 살아있는 최고의 화가로 여겨집니다. 그는 우아하면서도 종종 감정을 압도하는 흑색 회화로 사랑받고 있습니다. 술라주가 전쟁 후 파리에서 독특한 화풍을 발전시키던 시기에도 그는 검은색이 자신의 회화에서 어떻게 기능하는지 깊이 이해하고 있었습니다. 그는 검은색을 어둠을 보여주는 수단이 아니라 “빛을 창조하는” 방법으로 보았습니다. 광택과 무광 마감을 병치하고, 캔버스의 검은색과 흰색 영역 사이의 관계를 만들어 빛이 질감과 색조와 상호작용할 기회를 창출했습니다. 캔버스의 서로 다른 영역 간의 관계가 그의 회화를 빛나게 만드는 요소 중 하나입니다. 이번 전시에서는 그의 캔버스 다섯 점을 볼 수 있습니다. “Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957”(1957)과 “Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957”(1957) 같은 작품들은 엄격한 구도 구조를 지니고 있지만, 생생한 검은색과 강렬한 붓질이 표면에 생명을 불어넣습니다. 이 작품들은 순수한 검은색이 아니며, 황토색, 파랑, 흰색의 상호작용이 검은색을 더욱 빛나게 만듭니다.

조안 미첼 - 무제, 1957년. 캔버스에 유화. 69 x 58 1/2 인치 (175.2 x 148.5 cm). 개인 소장, 산타바버라. © 조안 미첼 유산.

색채 관계는 이 전시에 네 점의 작품이 포함된 조안 미첼에게도 매우 중요했습니다. 이 네 작품은 모두 개인 소장품에서 모아져 대부분의 방문객에게는 새로울 것이며, 미첼이 색채 팔레트를 통해 감정적 분위기를 전달하는 뛰어난 능력을 보여줍니다. 그녀의 작품에서 보는 것은 완전히 추상적임에도 분명히 “자연의 일부”입니다. 이 자연스러움은 미첼이 자주 방문하고 결국 이주한 프랑스에서 발전시킨 거의 황홀한 제스처적 화풍에 의해 더욱 강조됩니다. 이 전시의 작품들은 그녀의 화풍을 아름답게 보여줍니다. 그녀의 구도는 전시된 작품 중 가장 느슨하고 자유로운 느낌을 주며, 이는 그림을 그리는 동안 자신 안으로 사라지고자 하는 욕망과 자신의 자연 세계 기억에 기반한 개인적인 무언가를 포착하려는 의지를 증명합니다.

샘 프랜시스 - Arcueil, 1956/58년. 캔버스에 유화. 80 3/4 x 76 인치 (205.1 x 193 cm). 미들드 레인 켐퍼 미술관, 세인트루이스 워싱턴 대학교. 리처드 K. 와일 부부 기증, 1962년. © 샘 프랜시스 재단, 캘리포니아 / DACS 2019.

충동의 전 범위

장 폴 리오펠의 전시 작품들은 1950년대 초 그의 기법에 일어난 극적인 변화를 보여줍니다. 전시에서 가장 잘 알려진 작품은 “Abstraction (Orange)”(1952)입니다. 전시 작품 중 큰 편에 속하는 이 작품의 격렬한 제스처는 잭슨 폴록 같은 추상 표현주의 화가들과 자주 연관되는 튀기는 그림과 즉각적인 유사성을 가집니다. “Horizontal, Black and White”(1955) 같은 후기 작품에서는 리오펠이 훨씬 더 신중한 기법을 구축하는 모습을 볼 수 있습니다. 긴장감이 가득한 붓질로 엄격하고 측정된 터치를 보여주면서도, 그의 작품에 생기를 불어넣는 충동적인 에너지를 유지합니다. 충동의 스펙트럼 거의 반대편에는 자오 우키의 세 점의 숭고한 작품이 있습니다. 이들의 차분한 팔레트와 균형 잡힌 구도는 자유로운 표현과 절제된 평온 사이에서 놀랍도록 매혹적인 균형을 이루는 화가를 보여줍니다.

장 폴 리오펠 - Horizontal, Black and White, 1955년. 캔버스에 유화. 28 3/4 x 36 1/4 인치 (73 x 92 cm). 사진: Øystein Thorvaldsen. 헤니 온스타드 쿤스트센터 소장, 호비코덴, 노르웨이. © SODRAC, 몬트리올 및 DACS, 런던, 2019.

이 전시에서 제가 가장 잘 알지 못했던 화가는 샘 프랜시스입니다. 전시된 그의 다섯 작품을 본 후에도 그에 대해 더 배울 것이 많다고 느낍니다. 무제의 주황, 노랑, 파랑 구성의 가벼운 경쾌함은 헬렌 프랭켄탈러를 떠올리게 했고, “Blue Series No. 1”(1960)은 즉시 이브 클라인을 연상시켰습니다. 다른 두 작품인 “Composition”(약 1957-58)과 “Untitled”(1959)는 좀 더 독특한 무언가를 보여줍니다. 마치 변동과 흐름의 그림을 실제로 보는 듯한 전기적 흥분감입니다. 사실 이러한 개념들이 이 전시가 1950~60년대 파리에서 등장한 “다른 종류의 예술”에 대해 말하고자 하는 핵심입니다. 정확히 정의하거나 이름 붙이기 어렵지만, 변화할 수 있는 능력과 놓아줄 수 있는 의지로 정의되는 예술입니다. Un Art Autre 전시는 레비 고르비 런던에서 2019년 7월 5일까지 열립니다.

대표 이미지: 자오 우키 - 16.09.69, 1969년. 캔버스에 유화. 31 7/8 x 51 3/16 인치 (81 x 130 cm). 개인 소장. © DACS 2019.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다.
작성자 Phillip Barcio