샘 프랜시스 작품의 후기 추상 표현주의

어떤 사람들은 진정한 예술가에게 예술을 만드는 것은 선택이 아니라 강박이라고 말합니다. 그들은 돈을 받든 받지 않든, 심지어 무시당하더라도 예술 작품을 만듭니다. 다시 말해, 예술가들은 예술을 만들 수 없기 때문에 예술을 만듭니다. 그렇게 들리면 심각하게 들리지만, 샘 프랜시스는 예술가와 예술 창작 사이의 관계가 훨씬 더 강렬하다고 생각했습니다. 그는 예술 창작을 예술가가 하는 것이 아니라, 단순히 예술가가 존재하기 때문에 존재하는 것이라고 보았습니다. 그는 "예술가는 그의 작품이며 더 이상 인간이 아니다"라고 말했습니다. 프랜시스에게 예술과 예술가를 분리하는 것은 구름에서 비를 분리하는 것만큼 불가능했습니다. 비는 구름입니다. 예술은 예술가입니다. 분리는 없습니다. 그들은 하나입니다.

어둠은 단지 색깔일 뿐이다

'추상 표현주의의 역사를 되돌아보면, 이 운동의 초기 시기에 관련된 예술가들이 그들의 시대의 불안에 깊은 영향을 받았다는 것이 빠르게 드러납니다. 그들은 고통과 희생으로 정의된 세대였으며, 전쟁의 공포와 원자폭탄에 대한 두려움에 시달렸습니다. 그들의 예술작품을 통해 그들은 진지하게 자신의 잠재의식과 연결하고 내면의 상태를 표현하려고 시도했습니다. 그들의 시대의 어둠은 종종 그들의 예술에서 색상 팔레트나 제스처, 형태, 질감 또는 구성의 불안감에서 분명히 드러나는 것 같습니다. 그러나 그 같은 작품들은 또한 계시적이며, 관객들이 초월적이고 사색적인 의식 상태를 경험하도록 이끕니다. 그렇다면 그들이 표현하는 것은 정말 어둠일까요?'

샘 프랜시스는 추상 표현주의의 두 번째 세대와 관련이 있습니다. 그는 1956년 MoMA에서 열린 12 American Artists 전시회에 포함되면서 두각을 나타냈으며, 같은 해에 초기 운동의 주요 인물인 잭슨 폴록이 사망했습니다. 프랜시스는 제2차 세계 대전 중 전투기 조종사로 복무하다가 입은 척추 부상을 회복하는 동안 병원에서 그림을 그리기 시작했습니다. 전쟁 후 그는 고향인 캘리포니아로 돌아가 1950년 UC 버클리에서 석사 학위를 받았습니다. 그곳에서 그는 당시 샌프란시스코의 캘리포니아 미술학교에서 가르치고 있던 마크 로스코를 포함한 첫 번째 세대의 추상 표현주의 화가들을 만났습니다. 프랜시스는 이 창작자들이 존재와 변화를 중시하고 진정한 자아를 찾기 위한 헌신에서 영감을 받았습니다. 

Sam Francis - Untitled, 1959, gouache on paper, 11.5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation

어둠과 빛의 결혼

샘 프랜시스에게 어둠과 빛은 대립하는 힘이 아니었다. 그들은 상호 보완적인 힘이었거나, 어쩌면 같은 질상의 변동하는 표현이었을 것이다. 그는 한 번 이렇게 말했다. “빛의 증가가 어둠의 증가를 가져온다.” 그는 빛과 어둠이 하나라고 말하고 있었던 것일까? 아니면 빛이 그림자를 드리우는 방식에 대해 이야기하고 있었던 것일까, 즉 빛이 밝아질수록 드리우는 그림자가 더 어두워진다는 의미일까? 아니면 깨달음과 우리가 배우는 것이 많아질수록 우리가 아는 것이 얼마나 적은지를 깨닫는 것의 형이상학적 영향을 언급하고 있었던 것일까?

그가 그런 것들을 의미했을 리는 없다. 그는 또한 한 번 이렇게 말했다. “색은 빛과 어둠의 상호 침투에서 태어난다.” 그래서 그는 단순히 대비에 대해 이야기하고 있었을 가능성이 있으며, 캔버스의 흰 공간이 페인트의 어둠을 표현하는 방식을 설명하고 있을 수도 있다. 어쨌든 그의 발언은 적어도 추상 표현주의 운동의 명백한 어둠을 해석할 수 있는 미묘한 관점을 제공한다. 그리고 그가 자신의 그림에서 어둠, 빛, 그리고 색에 맞서 싸운 방식을 이해하는 출발점을 제공한다.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation

12명의 미국 화가

프랜시스는 MoMA에서 열린 그의 그룹 전시회에서 일곱 점의 그림을 선보였다. 그들은 규모가 거대했다. 가장 작은 것은 6피트가 넘었고, 가장 큰 것은 12피트 x 10피트가 넘었다. 그림들은 모두 색상 이름을 따서 지어졌다: 블루 블랙, 옐로우, 빅 레드, 레드 인 레드, 블랙 인 레드, 그레이, 그리고 딥 오렌지 온 블랙. 이 그림들은 모두 공통된 미학을 공유하여 프랜시스를 정의된 시각적 스타일을 가진 화가로 자리매김하게 했다. 그들은 억제되지 않은 방울로 강화된 층층이 쌓인 생물형 형태로 구성되었다.

이 캔버스들은 관람객을 구성 속에 감싸 안습니다. 작품의 목소리는 구성이라는 단어를 재정의하여 미적 요소의 배열보다는 조화롭게 느끼는 것이 무엇인지에 더 집중하게 만듭니다. 이들은 통제감, 자신감, 그리고 조화의 감각을 발산합니다. 이들은 그림에 대해 이해하는 데 필요한 모든 것이 캔버스의 공간 안에 담겨 있다는 느낌을 줍니다. 그럼에도 불구하고 그들의 감각적이고 개인적인 본질은 우리를 더 깊은 탐구로 초대하여 그 안에 숨겨진 다른 것들을 발견하게 합니다.

Sam Francis - Deep Orange on Black, 1955, oil on canvas. © The Sam Francis Foundation

방지

샘 프랜시스가 그의 독특한 미학으로 알려지자마자 그는 그 경계를 넘어섰다. 그는 생생하고 순수한 색상의 다양한 색상 팔레트를 확장했다. 그리고 그는 블루 볼스라는 일련의 작품에서 생물형 표현을 포함한 다양한 구성 접근 방식을 탐구했으며, 이 작품은 그의 신장 질환과의 싸움에서 영감을 받은 두드러진 파란색 구체를 특징으로 한다. 1960년대 중반에 그는 거의 비어 있는 흰색 공간을 둘러싼 그림의 가장자리에 다채로운 붓질로 특징지어진 또 다른 독특한 미학적 관용구에 도달했다.

이 작품들은 프란시스가 표현한 경량성과 어둠에 대한 개념에 직접적이고 우아하게 이야기합니다. 증가된 백색 공간, 즉 경량성은 색상을 통해 전달되는 어둠의 표현을 강화합니다. 색상은 최소화되지만 여전히 이미지를 정의합니다. 이 사진들은 많은 추상 표현주의 작품들의 전반적인 성격에 도전합니다. 그들은 무(無)와 뉘앙스의 힘에 대해 이야기하며, 표현되지 않는 것에 주목하게 만듭니다.

Sam Francis - Untitled, 1965, gouache on paper (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-106A), 1969, lithograph (Right). © The Sam Francis Foundation

제약없이

그의 경력 대부분 동안, 프란시스는 뉴욕 미술계를 피하고 파리, 도쿄, 캘리포니아에서 살고 일하는 것을 선호했습니다. 그는 트렌드에 얽매이지 않았습니다. 그는 드리핑, 퍼붓기, 튀기기와 같은 액션 페인팅과 관련된 기법을 사용했으며, 얼룩을 만들고 전통적인 붓으로 작업했습니다. 그는 다양한 매체와 표면으로 프린트, 리소그래프 및 모노타입을 만들었습니다. 그리고 그는 그의 구성 스타일을 끊임없이 발전시켰습니다. 1970년대와 80년대에는 그의 그림에 종종 기하학적 형태를 포함시켰고, 때때로 하드엣지 기하학적 작품을 그리기도 했습니다.

그는 1980년대에 만든 밝은 색상의 스플래터 페인팅으로 가장 자주 기억된다. 그들의 기법은 그의 세대의 많은 다른 화가들이 오래전에 포기한 기술에 충실하여 그들을 자신 있게 구별되게 했다. 그들의 원시적인 특성은 바스키아와 같은 화가들의 네오-표현주의 작품과 대화하는 듯했다. 그들의 색상 팔레트는 팝 아트와 시카고 이미저리스트의 색상과 유사했다. 그리고 그들의 이미지는 추상 미술 역사와 연관되어 미로, 칼더, 그리고 고르키와 같은 화가들을 떠올리게 했다.

Sam Francis - Untitled, 1983, monotype (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-330), 1988, lithograph on wove paper (Right). © The Sam Francis Foundation

두 번째 세대를 넘어

샘 프랜시스는 개인적인 예술적 진화를 결코 멈추지 않았다. 그가 죽기 직전에 오른손의 사용을 잃은 후에도, 그는 왼손으로 그림을 그리는 법을 배우고, 죽을 때까지 계속한 대규모의 새로운 작품을 창작하는 데 참여했다. 그의 미적 스타일이 변화했음에도 불구하고, 그는 추상 표현주의의 본질적인 원칙을 결코 포기하지 않았다. 그러나 그는 그것에 대한 헌신 속에서 추상 표현주의가 무엇이 될 수 있는지를 근본적으로 변화시켰다. 그가 그것을 바꿨다고 말할 수는 없다. 그는 그 본질적인 요소를 유지했다. 그는 직관적으로 그림을 그리는 것을 멈추지 않았고, 자신의 내면 상태와 연결되었으며, 사건이 발생하는 무대로서 캔버스와 상호작용했다. 그러나 그는 정의에 추가하기도 했다. 그가 추가한 것은 그가 그림에 대해 설명한 내용에 잘 요약되어 있다: “그림은 공간의 아름다움과 담음의 힘에 관한 것이다.”

모든 것은 네 단어, 아름다움, 공간, 힘, 그리고 수용에 있다. 샘 프랜시스는 아름다움을 부끄러워하지 않고 추구했다. 그는 정의된 공간의 한계와 가능성을 모두 포용했다. 그는 인간의 힘에 대한 본질적인 탐구의 현실을 인정하고 개인적인 책임을 지었다. 그리고 마지막으로, 그는 무언가가 수용되었다는 감각에 내재된 자신감과 안전함을 표현했다. 잭슨 폴록이 한 번 그림에 대해 말한 것과 비교해 보라: “그림은 그 자체로 생명을 가진다. 나는 그것이 드러나도록 하려고 한다.” 그들의 작업이 무엇이든 간에, 폴록과 첫 번째 세대의 추상 표현주의자들은 실험에 있어 제약이 없었다. 그들은 야생 호랑이를 꼬리로 잡고 있는 듯했으며, 그것이 다음에 무엇을 할지 발견하는 것에 흥분했고, 가능성에 완전히 열려 있었으며, 무엇보다도 가능한 한 오랫동안 그것을 최대한 야생으로 유지하는 데 전념했다. 샘 프랜시스는 그 호랑이를 길들이는 데 도움을 주었다. 그렇게 함으로써 그는 다음 세대의 예술가들에게 추상 표현주의가 그들에게 무엇을 의미하는지를 정의할 수 있는 허가를 주었다.

특집 이미지:샘 프랜시스 - 제목 없음, 1962, 아크릴과 구아슈로 종이에. © 샘 프랜시스 재단
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio