샘 프랜시스 작품의 후기 추상 표현주의

어떤 사람들은 진정한 예술가에게 예술 창작은 선택이 아니라 강박이라고 말합니다. 그들은 보수를 받든 받지 않든, 무시당하든 작품을 만듭니다. 다시 말해, 예술가는 예술을 만들지 않을 수 없기 때문에 예술을 만듭니다. 이 말이 진지하게 들리듯, Sam Francis는 예술가와 예술 창작의 관계가 훨씬 더 강렬하다고 보았습니다. 그는 예술 창작을 예술가가 하는 어떤 행위가 아니라, 예술가가 존재하기 때문에 자연스레 존재하는 것이라고 보았습니다. 그는 “예술가는 자신의 작품이며 더 이상 인간이 아니다”라고 말했습니다. 프랜시스에게 예술과 예술가를 분리하는 것은 구름에서 비를 분리하는 것만큼 불가능했습니다. 비는 구름이고, 예술은 예술가입니다. 분리는 없습니다. 그들은 하나입니다.

어둠은 단지 색일 뿐

추상 표현주의의 역사를 되돌아보면, 이 운동 초기의 예술가들이 그 시대의 불안에 깊이 영향을 받았다는 점이 금세 드러납니다. 그들은 고통과 희생으로 정의되는 세대였으며, 전쟁의 참상과 원자폭탄에 대한 두려움에 시달렸습니다. 그들은 작품을 통해 무의식과 진심으로 연결하고 내면의 상태를 표현하려 했습니다. 그 시대의 어둠은 색채 팔레트나 제스처, 형태, 질감, 구도에서 종종 드러납니다. 그러나 그 작품들은 또한 깨달음을 주어 관람자가 초월적이고 사색적인 의식 상태를 경험하게 합니다. 그렇다면 그들이 표현하는 것은 진정한 어둠일까요?

Sam Francis는 추상 표현주의 2세대와 연관됩니다. 그는 1956년 MoMA에서 열린 12명의 미국 예술가 전시에 포함되면서 주목받았는데, 같은 해 초기 운동의 주역인 잭슨 폴록이 세상을 떠났습니다. 프랜시스는 제2차 세계대전 중 전투기 조종사로 복무하다 척추 부상을 입고 병원에서 회복하는 동안 그림을 시작했습니다. 전쟁 후 고향인 캘리포니아로 돌아가 1950년 UC 버클리에서 석사 학위를 받았습니다. 그곳에서 마크 로스코 등 1세대 추상 표현주의 화가들을 만났습니다. 프랜시스는 이 예술가들이 존재와 변화에 집중하고 진정한 자아를 찾으려는 헌신에서 영감을 얻었습니다.

Sam Francis - 제목 없음, 1959년, 고와슈, 종이 위, 11.5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation

어둠과 빛의 결합

Sam Francis에게 어둠과 빛은 대립하는 힘이 아니었습니다. 그것들은 상호 보완적인 힘이거나, 어쩌면 같은 성질의 변동하는 모습이었습니다. 그는 한때 “빛이 증가하면 어둠도 증가한다”고 말했습니다. 그는 빛과 어둠이 하나라고 말한 걸까요? 아니면 빛이 그림자를 드리우는 방식을 말한 걸까요? 즉, 빛이 밝아질수록 그림자는 더 어두워진다는 뜻일까요? 아니면 깨달음, 즉 우리가 더 많이 알수록 모르는 것이 많다는 것을 깨닫는 형이상학적 영향을 말한 걸까요?

그가 말한 것은 그 어느 것도 아닐 수 있습니다. 그는 또한 “색은 빛과 어둠의 상호 침투에서 태어난다”고도 말했습니다. 그래서 그는 단순히 대비에 대해 이야기하며, 캔버스의 흰 공간이 물감의 어둠을 표현한다고 말한 것일 수도 있습니다. 어쨌든 그의 말은 추상 표현주의 운동의 겉보기 어둠을 해석하는 미묘한 관점을 제공합니다. 그리고 그가 자신의 그림에서 어둠, 빛, 색을 어떻게 마주했는지 이해하는 출발점을 제공합니다.

Sam Francis - SF 70 42, 1970년. © The Sam Francis Foundation

12명의 미국 화가

프랜시스는 MoMA에서 열린 그의 돌파구가 된 단체전에서 일곱 점의 그림을 선보였습니다. 작품들은 거대했습니다. 가장 작은 작품도 6피트가 넘었고, 가장 큰 작품은 12피트에 10피트가 넘었습니다. 작품들은 모두 색 이름을 따서 명명되었습니다: 푸른 검정, 노랑, 큰 빨강, 빨강 속 검정, 빨강 속 빨강, 회색, 그리고 검정 위 깊은 주황. 이 작품들은 공통된 미학을 공유하며 프랜시스를 뚜렷한 시각적 스타일을 가진 화가로 자리매김했습니다. 작품들은 층층이 쌓인 생명체 같은 형태와 자유로운 물방울 자국으로 구성되었습니다.

이 캔버스들은 관람자를 구도 속으로 감쌉니다. 작품의 목소리는 구도의 의미를 재정의하여 미적 요소의 배열보다는 차분함을 느끼는 의미에 집중합니다. 작품들은 통제감, 자신감, 조화로움을 발산합니다. 그림을 이해하는 데 필요한 모든 것이 캔버스 공간 안에 담겨 있다는 느낌을 줍니다. 그럼에도 그들의 감각적이고 개인적인 성격은 우리를 더 깊은 탐구로 초대하여 숨겨진 다른 무엇을 발견하게 합니다.

Sam Francis - 검정 위 깊은 주황, 1955년, 캔버스에 유화. © The Sam Francis Foundation

포함

Sam Francis가 독특한 미학으로 알려지자마자 그는 그것을 넘어섰습니다. 그는 색채 팔레트를 확장하여 선명하고 순수한 색을 다양하게 사용했습니다. 그리고 푸른 공이라는 시리즈에서 생명체 같은 표현을 탐구했는데, 이는 신장병 투병에서 영감을 받은 두드러진 파란 구체를 특징으로 합니다. 1960년대 중반에는 거의 비어 있는 흰 공간을 중심으로 가장자리에 다채로운 붓질을 두른 또 다른 독특한 미학 양식을 확립했습니다.

이 작품들은 프랜시스가 빛과 어둠에 대해 표현한 개념에 직접적이고 우아하게 말합니다. 증가한 흰 공간, 즉 밝음은 색을 통해 전달되는 어둠의 표현을 강화합니다. 색은 최소화되었지만 이미지를 정의합니다. 이 그림들은 많은 추상 표현주의 작품의 전면적 특성을 거부합니다. 그것들은 무(無)와 미묘함의 힘에 대해 말하며, 표현되지 않은 것에 주목하게 합니다.

Sam Francis - 제목 없음, 1965년, 고와슈, 종이 위 (왼쪽) 그리고 Sam Francis - 제목 없음 (SF-106A), 1969년, 석판화 (오른쪽). © The Sam Francis Foundation

구속 없이

프랜시스는 경력 대부분 동안 뉴욕 미술계와 거리를 두고 파리, 도쿄, 캘리포니아에서 생활하며 작업하기를 선호했습니다. 그는 유행에 얽매이지 않았습니다. 그는 액션 페인팅과 관련된 기법인 물방울 떨어뜨리기, 붓질 흘리기, 튀기기 등을 사용했고, 염색 기법과 전통 붓도 사용했습니다. 판화, 석판화, 모노타입 등 다양한 매체와 표면을 다루었으며, 끊임없이 구도 스타일을 발전시켰습니다. 1970~80년대에는 종종 기하학적 형태를 포함하거나 때로는 하드엣지 기하학 작품을 그리기도 했습니다.

그는 1980년대에 만든 밝은 색채의 튀긴 그림으로 가장 많이 기억됩니다. 이 작품들은 그의 세대 많은 화가들이 버린 기법을 고수하여 자신감을 드러냈습니다. 원시적인 특성은 바스키아 같은 신표현주의 화가들의 작품과 대화하는 듯했습니다. 색채 팔레트는 팝 아트와 시카고 이미지스트를 연상시켰고, 이미지들은 미로, 칼더, 고르키 같은 추상 미술 역사를 떠올리게 했습니다.

Sam Francis - 제목 없음, 1983년, 모노타입 (왼쪽) 그리고 Sam Francis - 제목 없음 (SF-330), 1988년, 종이 위 석판화 (오른쪽). © The Sam Francis Foundation

2세대를 넘어서

Sam Francis는 개인적 예술 진화를 멈추지 않았습니다. 죽기 직전 오른손을 쓰지 못하게 되었을 때도 그는 왼손으로 그림을 배우고, 죽을 때까지 계속 새로운 작품을 만들었습니다. 미학 스타일을 바꾸었지만 추상 표현주의의 본질적 원칙은 결코 버리지 않았습니다. 그에 대한 헌신 속에서 그는 추상 표현주의가 될 수 있는 것을 근본적으로 변화시켰습니다. 바꾼 것이 아니라 본질적 요소를 유지했습니다. 그는 직관적으로 그림을 그리고, 자신의 내면 상태와 연결하며, 캔버스를 사건이 일어나는 장으로 상호작용하는 것을 멈추지 않았습니다. 그러나 그는 정의에 더했습니다. 그가 더한 것은 그가 직접 말한 그림에 대한 설명에 잘 요약되어 있습니다: “그림은 공간의 아름다움과 포함의 힘에 관한 것이다.”

아름다움, 공간, 힘, 포함 이 네 단어에 모든 것이 담겨 있습니다. Sam Francis는 부끄럼 없이 아름다움을 추구했습니다. 그는 한정된 공간의 한계와 가능성을 모두 받아들였습니다. 그는 인간이 권력을 추구하는 근원적 현실을 인정하고 개인적 책임을 졌습니다. 마지막으로, 무언가가 포함되었다는 감각에 내재된 자신감과 안정감을 표현했습니다. 잭슨 폴록이 그림에 대해 한 말을 비교해 보십시오: “그림은 스스로 생명을 가진다. 나는 그것이 드러나도록 하려 한다.” 그들의 작품이 담은 모든 것 외에도, 폴록과 1세대 추상 표현주의자들은 실험에 구속받지 않았습니다. 그들은 야생 호랑이 꼬리를 잡고 있었고, 그것이 다음에 무엇을 할지 발견하는 데 흥분하며, 가능성에 완전히 열려 있었고, 무엇보다도 가능한 한 오래 야생 상태를 유지하려 헌신했습니다. Sam Francis는 그 호랑이를 길들였습니다. 그렇게 하면서 그는 다음 세대 예술가들이 추상 표현주의가 자신들에게 무엇을 의미하는지 정의할 수 있는 허락을 주었습니다.

대표 이미지:Sam Francis - 제목 없음, 1962년, 아크릴과 고와슈, 종이 위. © The Sam Francis Foundation
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio