독일 표현주의 미술에서 추상 요소를 찾을 수 있을까요?

어둡고. 불안하며. 무섭고. 원시적이며. 조잡한. 이러한 단어들은 사람들이 독일 표현주의 예술을 설명할 때 사용하는 몇 가지 단어입니다. 그 사람들이 의미하는 바를 시각적으로 참고하기 위해, 1893년부터 노르웨이 화가 에드바르 뭉크가 여러 번 재창조한 유명한 그림 절규를 떠올려 보세요. 왜곡되고 감정적인, 끔찍하게 아름다운 그 이미지는 뭉크가 독일 표현주의 화가들에게 주요한 영감을 준 여러 이유를 구현하고 있습니다. 그렇다면 이 예술가들은 누구였으며, 그들이 이렇게 불길한 미학을 발전시키게 된 이유는 무엇일까요? 아마도 더 흥미로운 질문은 그들의 미학이 실제로 보이는 것만큼 불길한가 하는 것입니다. 많은 사람들은 독일 표현주의 화가들의 그림이 유령처럼 괴롭고 감정적으로 자극적이라고 느낍니다. 어떤 이들은 그것들이 인간 정신에 대해 드러내는 것이 있다고 생각하기도 합니다. 아마도 독일 표현주의 예술에는 추상적인 요소가 있어, 우리가 그것들과 상호작용할 수 있다면 이 작품들의 의미에 대한 더 깊은 이해로 나아갈 수 있을 것입니다. 표현주의만큼 영향력 있는 예술 운동은 거의 없으며, 그 경향은 현대 예술의 역사 속에서 다른 운동들에서 반복적으로 재출현했습니다. 이 매혹적인 운동의 뉘앙스와 기원을 이해할 수 있다면, 우리는 추상 표현주의, 네오 표현주의 및 현대 미술의 특정 현재 발전에 대해서도 더 잘 이해할 수 있을 것입니다. 우리는 심지어 우리 자신에 대해 본질적인 것을 배울 수 있을지도 모릅니다.

정말 로맨틱해요

독일 표현주의는 20세기 예술 운동으로, 대략 1905년부터 1920년까지의 시기를 포함합니다. 그러나 그 뿌리를 이해하기 위해서는 조금 더 거슬러 올라가야 합니다. 서양 미술 역사에서 가장 심오한 변화 중 많은 부분이 19세기 중반에 시작되었습니다. 그 이유는 두 단어로 요약할 수 있습니다: 산업 혁명. 대략 1760년 이전에는 서양 세계의 대부분 사람들이 농촌 생활이나 장인 생활을 했습니다. 그들은 땅을 경작하거나 비기계적인 직업에 종사했습니다. 그러나 대략 1760년부터 1850년까지의 90년 동안, 기술과 기계의 급속한 발전 덕분에 그 오랜 삶의 현실이 극적으로 변화했습니다.

1800년대 중반까지, 화학 및 제조 공정의 변화로 대부분의 농업 및 장인 노동력이 쓸모없게 되었다. 그러나 도시 산업 활동은 기하급수적으로 증가하고 있었다. 이전에 없던 정도로 인구는 시골에서 도시로 이동하였고, 그와 함께 일반인의 생활 방식도 급격하게 변화하였다. 깨끗한 물과 저렴한 음식 및 의류와 같은 이점이 있었지만, 오염과 과밀과 같은 도전 과제도 있었다. 가장 파괴적이었던 것은 도시 생활의 자기 중심성으로, 이는 평균적인 인간들이 서로 관계를 맺는 방식을 변화시켰다.

Egon Schiele - Self-Portrait with Black Vase and Spread Fingers, 1911, 34 x 27.5 cm, Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria

예술적 인상

산업 혁명에서 나온 첫 번째 예술 운동은 낭만주의였습니다. 수천만 명의 새로운 도시 거주자들이 조상들의 전원적이고 농업적인 삶을 그리워하게 되면서 나타났습니다. 낭만주의 예술가들은 자연 세계의 아름다움과 지나간 시대의 우아함을 묘사했습니다. 낭만주의 이후에는 인상파가 등장했습니다. 이 예술가들도 다소 이상적인 주제에 집중했지만, 스타일적으로는 결국 추상화로 발전할 수 있는 대담한 단계를 밟았습니다. 그들은 정확하게 사실적인 이미지를 그리는 대신, 새로운 기법을 사용하고 색상 팔레트를 과장하여 주제의 인상을 아름답고 능숙하게 전달하는 데 중점을 두었으며, 특히 빛의 특성을 포착하는 데 주의를 기울였습니다.

그러나 세기가 바뀌면서 또 다른 세대의 예술가들이 등장했는데, 이들은 농업적 과거와의 연결이 없었고 기존의 미적 전통을 이어가고자 하는 욕망도 없었다. 이들은 산업 혁명의 자녀들의 자녀들이었다. 그들은 인상파가, 나아가 낭만주의자들이 표현하고자 했던 이상적인 세계와는 완전히 단절되어 있었다. 이 예술가들은 불안으로 가득 차 있었다. 그들의 그림은 객관적인 외부 세계를 묘사하지 않았다. 오히려 그들은 감정과 삶의 경험이라는 주관적인 내면 세계를 표현했다.

오스카 코코슈카 - 바람의 신부, 1913 - 1914, 유화, 181 cm × 220 cm (71 in × 87 in), 바젤 미술관

독일 표현주의자들

그러한 주관적인 삶의 경험은 불안, 두려움, 자연으로부터의 분리 및 다른 인간으로부터의 소외에 의해 지배받았다. 이러한 경험은 산업화된 세계 전역에서 만연했기 때문에, 다양한 버전의 표현주의 경향이 서로 다른 국가에서 거의 동시에 나타났다. 그럼에도 불구하고 대부분의 역사학자들이 표현주의를 언급할 때, 그들은 먼저 독일 표현주의를 의미하는데, 이는 이 운동의 중요한 미학적 경향을 확립한 예술가들이 그 시기의 절정에서 독일에서 살거나 일했기 때문이다.

독일 표현주의자들의 작업에서 추상적 경향을 찾을 때, 그들에게 가장 큰 영향을 미친 두 화가를 분석하는 것이 도움이 된다. 첫 번째 화가는 앞서 언급한 에드바르 뭉크였다. 그의 풍부하고 어두우며 극적이고 매우 감정적인 화풍은 세기 전환기의 도시 생활에서 소외된 감성을 포착했다. 그의 과장된 제스처와 극단적인 색상 팔레트는 관객에게 감정을 불러일으키고 화가의 감정과 연결되게 했다. 구스타프 클림트는 표현주의자들에게 영감을 준 또 다른 화가였지만, 그는 다른 방식으로 그렇게 했다. 클림트는 상징주의자들에게 영향을 받았다. 그는 자신의 작업에 신화적이고 악몽 같은 인물을 사용하고 어두운 상징적 이미지를 통합했다. 그의 캔버스에는 추상화된 이미지의 넓은 영역이 포함되어 있었고, 인물 요소는 극적인 효과와 감정을 극대화하기 위해 심하게 왜곡되었다.

Gustav Klimt - The Three Ages of Woman, 1905, Oil on canvas, 1.8m x 1.8m, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Rome, Italy

다리

독일 표현주의의 두 가지 주요 학교가 결국 등장했으며, 이는 뭉크와 클림트의 다양한 영향을 반영했습니다. 첫 번째는 에른스트 키르히너, 에리히 헤켈, 칼 슈미트-로틀루프, 프리츠 블라일 네 명의 야심찬 화가들로 구성된 그룹으로, 그들은 자신들을 다리(The Bridge)라고 불렀습니다. 그들의 이름은 프리드리히 니체의 저서 차라투스트라는 이렇게 말했다: 모두와 아무를 위한 책에서 인용된 구절에서 영감을 받았습니다. 그 구절은 "인간의 위대한 점은 그가 끝이 아니라 다리라는 것이다."입니다.

왜곡된 형상과 극단적인 색상 팔레트는 다리(The Bridge) 예술가들을 결합시켰다; 에드바르 뭉크(Edvard Munch)의 직접적인 영향. 에리히 헤켈(Erich Heckel)의 목판화 속 인물들은 고립되어 있고, 냉정하며, 단절되어 있다. 그들의 거친 얼굴은 동물적이다. 그들은 걷는 해골처럼 보인다. 어니스트 키르히너(Ernest Kirchner)의 충격적이고 네온빛의 도시 풍경 속 모든 인물들은 고립되어 있고, 익명이며, 그들의 투쟁 속에 홀로 있다. 단, 행복해 보이는 매춘부들은 제외되는데, 이들은 궁극적인 상업화와 인간 정신의 파괴를 나타낸다.

에른스트 루드비히 키르히너 - 거리, 베를린, 1913, 유화, 47 1/2 x 35 7/8 인치, 120.6 x 91.1 cm, 모마 컬렉션

블루 라이더스

다른 주요 독일 표현주의 그룹은 블루 라이더(The Blue Rider)라고 불렸다. 이 그룹에는 바실리 칸딘스키, 프란츠 마르크, 그리고 파울 클레를 포함하여 여러 다른 이들이 있었다. 그들은 칸딘스키의 그림 최후의 심판에 등장하는 인물의 이름을 따서 지어졌다. 이 그림은 추상적인 내용 때문에 전시회에서 거부당했으며, 그래서 칸딘스키는 이 그림을 상징적인 참조로 사용했다.

그 그림에서 블루 라이더는 객관적인 세계에서 신비로운 세계로의 전환을 상징했으며, 칸딘스키는 이것이 그와 다른 이들이 그들의 예술로 이루고자 했던 전환과 유사하다고 보았다. 블루 라이더의 화가들은 형태와 형상에 덜 의존하고, 감정 상태를 전달하기 위해 색상과 같은 형식적 특성에 더 의존했다. 그들의 구성은 극적이고, 생동감 있으며, 혼란스러웠다. 그들은 폭력과 불안의 감각을 전달했지만, 동시에 우주적 광채와 영적 영역의 근본적인 조화에 대한 암시도 주었다.

바실리 칸딘스키 - 최후의 심판, 1912, 유화, 개인 소장

표현주의의 추상화

분명 많은 독일 표현주의자들은 그들의 작업에서 추상을 완전히 수용했습니다. 그들은 색상, 형태 및 선을 객관적 표현에서 분리하여 감정 상태를 전달하고 관객으로부터 감정적 반응을 이끌어내는 데 사용했습니다. 그러나 더 구상적인 표현주의 작업에서 무엇이 추상적이라고 말할 수 있을까요? 하나의 추상적 요소는 확실히 그들의 그림의 축소적 특성입니다. 구성에 필요하지 않은 모든 것이 사라집니다. 이것은 20세기 초의 불안을 직접적으로 표현합니다. 산업과 전쟁은 많은 사람들에게 인류가 익명의 기괴한 그림자 사람들의 덩어리에 불과하다는 느낌을 주었습니다. 불필요한 사람은 누구나 사라지는 것 같았습니다. 아마도 그것이 사람들이 독일 표현주의 미술이 어둡고, 불안하며, 무섭고, 원시적이거나 조잡하다고 말할 때 의미하는 바일 것입니다.

하지만 독일 표현주의의 또 다른 추상적 요소는 반대의 메시지를 전달합니다. 이 요소는 소용돌이치는 붓질과 규정된 상징적 이미지에서 발산됩니다. 이 그림들 속의 많은 인물들은 의미 없는 세계에 휩싸인 것처럼 보입니다. 그들은 움직이고 있지만 불확실성에 둘러싸여 있습니다. 그럼에도 불구하고 그들은 감정적입니다. 그것은 무언가를 전달합니다, 비록 그것이 추상적으로일지라도. 그것은 한 개인의 감정이 중요하다는 것을 말합니다. 화가의 감정이든, 바실리 칸딘스키와 프란츠 마르크의 그림처럼, 아니면 작품 속 인물의 감정이든, 에드바르 뭉크, 에리히 헤켈, 어니스트 키르히너의 그림처럼, 표현주의자들은 현대가 우리를 비인간적으로 느끼게 하려는 경향에도 불구하고 개인의 인간 정신이 중요하다고 전달했습니다. 그것이 불굴의 의지입니다. 자신을 표현하는 것이 항상 중요하다는 믿음입니다. 그것은 추상 표현주의자들과 네오 표현주의자들에게 영감을 주었고, 오늘날에도 여전히 예술가들에게 영감을 주고 있습니다. 그리고 그것이 에른스트 키르히너가 표현주의자들에 대해 "자신을 창조하게 하는 것을 직접적이고 정직하게 표현하는 모든 사람은 우리 중 한 명이다."라고 말했을 때 의미한 바입니다.

특징 이미지: 에드바르 뭉크 - 절규, 1893, 유화, 템페라, 그리고 파스텔로 종이에, 91 cm × 73.5 cm, 36 in × 28.9 in, 오슬로 국립미술관, 노르웨이
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio