왜 헝가리 예술가 일로나 케세르에게 주목해야 하는가
일로나 케세뤼를 이렇게 성공한 예술가로 만든 것은 그녀의 예술에 대한 사랑입니다. 다른 이들의 예술과 과거의 예술을 향한 그녀의 존중이 오늘날 우리 시대의 가장 위대한 예술가 중 한 명이 되도록 도왔습니다. 케세뤼는 때때로 현실의 근본적인 감정과 구조를 표현하는 데 너무 성공적이어서 그녀의 작품이 매우 순수하고 우아하게 추상적임에도 불구하고 사실주의자라고 불릴 수도 있습니다. 아마도 제가 말하고자 하는 것은 그녀의 작품이 자연과 물리적 우주의 모든 측면을 구현한다는 것입니다; 그녀는 사물의 표면 너머를 보고 근본적인 진실을 드러냅니다. 예를 들어 그녀의 작품 “형태를 이루는 공간”(1972)을 보십시오. 이 작품은 벽에 걸려 있지만 조각적입니다. 나무 틀은 일련의 맥동하는 수평 파도로 조각되어 있습니다. 리놀륨과 캔버스로 덮인 틀은 무지개 빛 육각형 무리로 칠해져, 물결치는 벌집 무늬의 색채 홍수를 연상시킵니다. 이 한 작품 안에 자연의 모든 장관이 담겨 있습니다: 스펙트럼의 색들; 생물권의 숨겨진 기하학; 바람과 물의 무늬와 구조; 생물형 혼돈이 시간과 공간을 거치며 건축적 논리로 진화하는 모습. 제가 본 작품 중 가장 이상하고 예상치 못한 것 중 하나지만, 그것을 보는 순간 저는 가족, 즉 먼 옛날부터 존재해온 보편적인 미적 친척과 함께 있는 듯한 느낌을 받았습니다. 아마도 그녀의 작품을 이해하는 이유는 케세뤼가 이해하는 무언가가 저에게도 관련이 있기 때문일 것입니다; 행복하고 만족스럽고 논리적인 무언가; 그녀가 관찰을 통해 알아차리고 자신의 언어로 번역한 무언가, 그 언어는 수십억 명이 있어도 예술은 하나뿐임을 증명합니다.
영원한 자유
케세뤼는 1933년 헝가리 펙스에서 태어났습니다. 어린 시절부터 충동적으로 스케치하고 그림을 그렸지만, 그녀가 예술을 할 수 있는 능력은 그녀가 살던 장소와 시기의 상황에 크게 제약을 받았습니다. 헝가리는 제2차 세계대전 중 추축국에 가담했습니다. 나치 점령지에서는 자유가 없었고, 기쁨도 적었으며, 상상력을 발휘할 시간과 재료도 제한적이었습니다. 케세뤼는 이 시기에 절망 속에서 화장지에 그림을 그렸던 기억을 떠올립니다. 그러나 그녀는 또한 “나는 평생 자유로웠다. 결국 예술에 헌신하는 이들에게 자유는 출발점이다”라고 말한 적도 있습니다. 그녀의 고향이 러시아군에 의해 해방되었을 때, 그녀와 친구들은 예술을 할 수 있게 해줄 판지와 연필 등 아무것이나 찾아 부서진 잔해를 뒤졌습니다. 그 열정과 헌신은 그녀 작품의 질에서 드러났습니다. 새로운 소련 정권이 자리를 잡으면서 케세뤼는 공식적으로 새로운 젊은 헝가리 인재를 찾는 과정에서 혜택을 받았습니다. 그녀는 학교에서 예술을 공부할 기회를 얻었고, 파리에서 추상 창작 그룹의 일원으로 수년을 보낸 페렌츠 마르틴에게 발탁되기도 했습니다. 마르틴은 새 학교를 열었고 케세뤼를 초대했습니다. 그녀는 그가 예술가의 눈으로 세상을 보는 법뿐 아니라 장인이 되기 위해 필요한 노력을 바치는 법도 가르쳐 주었다고 인정합니다.
일로나 케세뤼 - 형태를 이루는 공간, 1972년. 나무 틀 위에 캔버스 뒷면 리놀륨에 유화. 70 9/10 × 43 3/10 × 4 9/10 인치; 180 × 110 × 12.5 센티미터. 작가와 런던 스티븐 프리드먼 갤러리 제공
아이러니하게도, 마르틴은 케세뤼에게 추상적으로 그리는 법을 가르치지 않았습니다. 오히려 반대였습니다. 그는 그녀에게 현실 세계를 관찰하는 법을 가르쳤습니다. 그녀는 그가 창밖을 바라보게 하며 그 장면을 보게 했던 것을 기억합니다. 그녀는 그 관점에서 본 현실 세계를 그렸지만 정밀하게 그리지는 않았습니다. 오히려 그녀는 보이는 것과 숨겨진 것을 모두 드러내는 방식으로 세계의 다양한 요소를 번역했습니다. 케세뤼가 그 이후로 만들어 온 그림과 조각은 색, 형태, 구조로 정의됩니다. 그것들은 이 초기 교훈을 떠올리게 합니다. 그것들은 나무도, 꽃도, 풍경도, 건물도, 사람도 아닌 이미지입니다. 그러나 어떤 면에서는 그것들의 이미지이기도 합니다. 그것들은 인체의 구조를 전달하고; 숲의 리듬을; 봄 색채의 폭발을 나타냅니다. 그녀의 가장 유명한 작품 중 하나는 “묘비 형태의 벽걸이”(1969)라는 태피스트리입니다. 흔한 하트 모양 묘비 문양을 바탕으로 삼아, 케세뤼는 그 형태를 반복하며 각 묘비가 자신의 모습을 반영하도록 했습니다. 그녀는 색, 형태, 무늬를 조화롭고 위안이 되는 방식으로 사용하여 삶의 가장 가혹한 한계를 평화롭게 묘사했습니다.
일로나 케세뤼 - 묘비 형태의 벽걸이 (태피스트리), 1969년. 화학 염색 리넨에 바느질. 61 3/8 x 145 5/8 인치, 156 x 370 센티미터. 작가, 뉴욕 엘리자베스 디, 부다페스트 키스테렘 제공
빠진 것은 없다
케세뤼는 고국 헝가리에서 오랫동안 높은 평가를 받아 왔습니다. 그녀의 작품은 가장 중요한 박물관에서 개인전으로 광범위하게 전시되었습니다. 그러나 최근에야 세계의 다른 지역에서도 주목받기 시작했습니다. 그녀는 최근 뉴욕과 런던에서 열린 1960~70년대 헝가리 전위 예술 대규모 회고전에도 포함되었습니다. 그리고 2018년 12월, 그녀의 “묘비 형태의 벽걸이”는 뉴욕 메트로폴리탄 미술관에서 가장 중요한 현대 추상 미술 작가들의 작품과 함께 Epic Abstraction: Pollock to Herrera라는 50점 이상의 대형 추상 작품 전시회에 전시될 예정입니다.
일로나 케세뤼 - 6월 변주 E, 1976년. 종이에 실크스크린 인쇄. 37 4/5 × 28 인치; 96 × 71 센티미터. 작가와 런던 스티븐 프리드먼 갤러리 제공
이 전시는 대중에게 케세뤼의 작업을 소개하기에 적합한 자리입니다. 그녀는 종종 다른 예술가들의 작품을 보러 가는 것의 중요성에 대해 이야기합니다. 그녀는 학생들에게 “예술은 거대한, 끊임없이 흐르는 강과 같으며, 운이 좋다면 예술가로서 그 강에 속할 수 있는 살아 있는 모임이다. 살아 있든 아니든 다른 구성원들과 자유롭게 관계를 맺을 수 있다. 왜냐하면 작품들은 살아 있기 때문이다!”라고 말합니다. 그곳에서 그녀의 작품을 가장 뛰어난 동시대 작가들의 작품과 함께 본 관람객들은 빠진 것이 없음을 알게 될 것입니다—우주에 있는 모든 것이 거기에 있습니다, 단지 바라보기만 하면 됩니다. 그리고 그들은 온라인이나 책이 아닌 실제 작품과 함께 있는 경험에서 영감을 받기를 바랍니다. 케세뤼가 성공할 때, 아무것도 빠지지 않았음에도 우리는 그녀가 이룬 것을 더하고, 그녀의 본을 따라 하나의 보편적이고 끊임없이 흐르는 예술의 강을 확장하고자 하는 충동을 느낍니다.
대표 이미지: 일로나 케세뤼 - 스티븐 프리드먼 갤러리 개인전 설치 전경. 사진 제공 스티븐 프리드먼 갤러리
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 Barcio 작성
