왜 헝가리 예술가 일로나 케세르에게 주목해야 하는가

그녀의 예술에 대한 사랑이 일로나 케세르유를 그렇게 성공적인 예술가로 만드는 것이다. 그녀는 다른 사람들의 예술과 다른 시대의 예술에 대한 감사를 통해 우리 시대의 가장 위대한 예술가 중 한 명이 되었다. 케세르유는 현실의 근본적인 감정과 구조를 표현하는 데 때때로 매우 성공적이어서, 그녀의 작품이 순수하고 우아하게 추상적이기 때문에 그런 평가는 의미가 없지만 사실상 사실주의자라고 불릴 수 있다. 아마 내가 말하고자 하는 것은 그녀의 작품이 자연과 물리적 우주의 모든 측면을 구현하고 있다는 것이다; 그녀는 사물의 표면 너머를 보고, 근본적인 진리를 드러낸다. 예를 들어 그녀의 작품 "형태를 취하는 공간"(1972)을 보자. 이 작품은 벽에 걸려 있지만 조각적이다. 나무 프레임은 일련의 맥동하는 수평 파도로 조각되었다. 리놀륨과 캔버스로 덮인 프레임은 그 후 무지개처럼 다양한 육각형으로 칠해져, 물결치는 벌집 같은 색의 홍수를 근사하고 있다. 이 하나의 객체에는 자연의 모든 장관이 담겨 있다: 스펙트럼의 색상; 생물권의 숨겨진 기하학; 바람과 물의 패턴과 구조; 생물형 혼돈이 시간과 공간의 흐름 속에서 건축적 논리로 발전하는 모습. 내가 본 것 중 가장 이상하고 예상치 못한 예술 작품 중 하나이지만, 그것을 보는 순간 나는 가족의 존재를 느꼈다—먼, 고대의, 보편적인 미적 친척. 나는 그녀의 작품을 이해하는데, 아마도 그것이 케세르유가 이해하는 어떤 것의 표현이기 때문일 것이다; 나에게도 관련이 있는, 행복하고 만족스럽고 논리적인 어떤 것; 그녀가 관찰을 통해 알아차린 것을 자신의 언어로 번역한 것, 수십억의 우리가 있지만 오직 하나의 예술만이 존재한다는 것을 증명하는 언어.

영원히 무료

케세르(Keserü)는 1933년 헝가리 페치(Pécs)에서 태어났다. 그녀는 어린 시절 강박적으로 스케치하고 그림을 그렸지만, 그녀의 예술적 능력은 그녀가 살고 있는 장소와 시기의 상황에 의해 크게 제한되었다. 헝가리는 제2차 세계 대전 중 추축국에 합류했다. 나치의 선을 넘어서서는 자유가 없었고, 기쁨은 거의 없었으며, 상상력을 발휘할 시간과 자원도 제한적이었다. 케세르는 이 시기에 절망 속에서 화장지에 그림을 그렸던 기억을 떠올린다. 그러나 그녀는 또한 한때 "나는 평생 자유로웠다. 결국, 예술에 헌신하는 사람들에게 자유는 출발점이다"라고 말했다. 그녀의 고향이 러시아에 의해 해방되었을 때, 그녀와 몇몇 친구들은 잔해 속에서 판지와 연필, 그들이 예술을 만들 수 있게 해줄 수 있는 모든 것을 찾아 헤맸다. 그 열정과 헌신은 그녀의 작품 품질에 드러났다. 새로운 소련 정권이 그 존재를 확립하면서, 케세르는 새로운 젊은 헝가리 인재를 찾는 공식적인 노력의 혜택을 보았다. 그녀는 학교에서 미술을 공부할 기회를 얻었고, 추상 창조 그룹의 일원으로 파리에서 수년을 보낸 페렌츠 마르틴(Ferenc Martyn)에게 발탁되기도 했다. 마르틴은 새 학교를 열었고, 케세르를 초대했다. 그녀는 그가 예술가의 눈으로 세상을 보는 법뿐만 아니라, 마스터가 되기 위해 필요한 작업에 헌신하는 법을 가르쳐 준 것에 대해 감사하고 있다.

일로나 케세르 - 공간의 형태, 1972. 리놀륨에 유화, 형태가 있는 나무 프레임에 장착됨. 70 9/10 × 43 3/10 × 4 9/10 인치; 180 × 110 × 12.5 cm. 아티스트와 스티븐 프리드먼 갤러리, 런던 제공.

아이러니하게도, 마르틴은 케세르를 추상적으로 그림 그리는 법을 가르치지 않았다. 정반대였다. 그는 대신 그녀에게 실제 세계를 관찰하는 법을 가르쳤다. 그녀는 그가 그녀에게 앉아서 창밖의 장면을 바라보게 했던 기억을 떠올렸다. 그녀는 그 시각에서 본 실제 세계를 그렸지만, 정확한 방식으로는 아니었다. 오히려 그녀는 자신이 볼 수 있는 세계의 다양한 요소들을 드러내는 방식으로 번역했다. 케세르가 그 이후로 만들어온 그림과 조각은 색상, 형태, 구조로 정의된다. 그것들은 이 초기 수업을 회상하게 한다. 그것들은 나무, 꽃, 풍경, 건물, 사람의 이미지가 아니다. 그럼에도 불구하고 그것들은 어떤 방식으로든 그런 것들의 이미지이다. 그것들은 인간의 몸의 구조; 숲의 리듬; 봄 색상의 폭발을 전달한다. 그녀의 가장 유명한 작품 중 하나는 "묘비 형태가 있는 벽걸이"(1969)라는 태피스트리이다. 그것은 일반적인 하트 모양의 묘비 모티프를 기초로 한다. 케세르는 패턴 속에서 그 형태를 반복하며, 각 묘비는 자신의 이미지를 반영한다. 그녀는 색상, 형태, 패턴을 조화롭고 편안한 방식으로 사용하여, 삶의 가장 가혹한 한계를 평화롭게 묘사한다.

일로나 케세르 - 비석 형태의 벽걸이 (태피스트리), 1969. 화학 염색된 리넨에 바느질. 61 3/8 x 145 5/8 인치, 156 x 370 cm. 아티스트, 엘리자베스 디 뉴욕 및 키스터렘 부다페스트 제공.

아무것도 빠지지 않았습니다

케세르우는 고향인 헝가리에서 오랫동안 높은 평가를 받아왔습니다. 그녀의 작품은 가장 중요한 박물관에서의 개인전으로 그곳에서 광범위하게 전시되었습니다. 그러나 최근에야 세계의 나머지 부분이 그녀를 주목하게 되었습니다. 그녀는 최근 뉴욕과 런던에서 열린 1960년대와 70년대 헝가리 전위 예술의 대규모 회고전에도 포함되었습니다. 그리고 2018년 12월, 그녀의 "묘비 형태가 있는 벽걸이"는 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관에서 현대 및 현대 추상 미술의 가장 중요한 이름들의 작품과 함께 전시될 예정입니다. 에픽 추상: 폴록에서 에레라까지라는 50점 이상의 대형 추상 작품 전시회에서요.

일로나 케세르유 - 1976년 6월 변주 E. 종이에 실크스크린 인쇄. 37 4/5 × 28 인치; 96 × 71 cm. 아티스트와 스티븐 프리드먼 갤러리, 런던 제공.

이 쇼는 대중에게 케세르의 작업을 소개하기에 적합한 환경이다. 그녀는 다른 예술가들의 작품을 보러 가는 것의 중요성에 대해 자주 이야기한다. 그녀는 학생들에게 "예술은 거대한, 끊임없이 움직이는 흐름이며, 당신이 운이 좋다면 예술가로서 소속될 수 있는 살아있는 클럽이다. 당신은 다른 구성원들과 자유롭게 관계를 맺을 수 있다. 그들이 살아 있든 아니든 상관없이. 왜냐하면 작품은 살아있기 때문이다!"라고 말한다. 그녀의 가장 뛰어난 동시대 예술가들의 작품 사이에서 그녀의 작업을 보는 관객들은 아무것도 빠진 것이 없다는 것을 알게 될 것이다. 우주에 있는 모든 것이 거기에 있으며, 단지 바라보기만 하면 된다. 그리고 그들은 온라인이나 책에서 보는 것이 아니라, 실제로 그 작품과 함께 있는 것에 의해 영감을 받기를 바란다. 케세르가 성공할 때, 아무것도 빠진 것이 없지만, 우리는 그녀가 한 것에 더해 나가고, 그녀의 본보기를 따르며, 하나의 보편적이고 끊임없이 움직이는 예술의 흐름을 확장해야 한다는 강한 충동을 느낀다.

특집 이미지: 일로나 케세르유 - 스티븐 프리드먼 갤러리에서의 개인전, 설치 모습. 사진 제공: 스티븐 프리드먼 갤러리
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필립 Barcio