주목해야 할 젊은 추상 화가들

관심을 가져야 할 가치가 있다고 생각하는 열 명의 떠오르는 추상 미술가들에 대한 소개로서, 편집장이 현대 추상 미술의 현황에 대해 조금 언급해 달라고 요청했습니다. 이 겉보기에는 단순한 요청이 며칠 동안 제 마음을 복잡하게 만들었습니다. 저는 9년 동안 현대 미술에 대해 글을 써왔고, 특히 1년 반 이상 추상 미술에 집중해 왔습니다. 하지만 그 현황을 평가해 달라는 요청을 받았을 때 정확히 무엇을 말해야 할지 확신이 서지 않았습니다. 우리는 세계 정세에 주의를 기울이는 누구에게나 극심한 불안의 시대에 살고 있습니다. 그리고 예술가들도 다른 사람들과 같은 세상에 살고 있으니, 그들이 이 불안에 영향을 받는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 수많은 세력이 이 지구의 미래를 쓰기 위해 열심히 움직이고 있지만, 실제로 변화를 일으킬 힘을 가진 이들 중 문명이 나아가야 할 방향에 대해 의견이 일치하는 경우는 드뭅니다. 그러나 제 생각에는 추상 미술가들이 우리의 길을 이끄는 데 독특한 위치에 있다고 봅니다. 그들은 우리의 시각적 시인입니다. 그들의 작품은 언어, 문화, 국적, 성별, 인종, 경제적 장벽을 초월할 수 있습니다. 저는 마르셀 뒤샹과 같은 예술가들의 의견에 동의하는데, 그들은 관람자가 작품을 경험함으로써 완성한다고 믿습니다. 예술가는 미적 제안을 만드는 책임이 있지만, 그 다음에 무슨 일이 일어날지는 우리에게 달려 있습니다. 우리는 새로운 시각을 받아들일 수 있습니다. 우리는 무엇이 의미가 있고 그 의미가 무엇일지 선택할 수 있습니다. 그 길을 안내하기 위해 현대 추상 미술가들은 현대 과학자, 군인, 재벌, 정치인과 같은 모든 도구를 사용할 수 있습니다. 그들이 그 도구로 무엇을 할지는 매일 직면하는 질문입니다. 저는 그들이 저를 놀라게 하길 계속 희망합니다. 오늘 집중한 열 명의 추상 미술가들은 다양한 매체와 형식으로 작업하며, 여러 가지 이유로 작품을 만듭니다. 그들의 다양성은 이 현대 세계에서 우리 각자가 자유롭게 선택할 수 있는 무수한 길을 반영합니다. 제 겸손한 의견으로는, 그들은 오늘날 추상 미술의 상태가 그 어느 때보다도 생생하며, 의미 있고 중요하며 영향력 있고 예상치 못한 작품을 만들어낼 능력이 있음을 증명합니다.

이바 게오르기예바

1974년 불가리아 소피아에서 태어난 이바 게오르기예바는 필라델피아의 타일러 미술학교에서 미술 석사 학위를 받았으며 현재 캘리포니아 로스앤젤레스에서 거주하며 작업하고 있습니다. 그녀의 미적 비전은 특히 도시 환경에 적합합니다. 이는 서로 다른 조각들이 모여 새로운 전체를 창조하는 과정입니다. 게오르기예바는 다양한 매체를 넘나들며 작업하지만 주로 회화와 조각에 집중합니다. 그녀의 회화는 콜라주 요소와 직접적인 회화적 개입을 결합하여 복잡성, 움직임, 그리고 상당한 혼란을 전달하는 이미지를 만듭니다. 본질적으로 평면적이지만 입체감을 느끼게 하며 관람자가 그림 공간에 휩싸이도록 유도합니다. 그녀의 회화처럼 조각도 다양한 매체로 조립됩니다. 게오르기예바는 콘크리트, 금속, 종이, 플라스틱, 페인트 등 자신의 물리적 환경의 조각들을 모아 작품에 그 출처의 장소성을 부여합니다. 이렇게 조립된 추상 형태는 현대 도시의 시각적 어휘에 익숙한 이들에게 강력한 공명을 일으킵니다.

이바 게오르기예바 - 스트라타, 2015년, 캔버스에 유성 스틱, © 소피아 현대미술관 및 이바 게오르기예바 (왼쪽) 그리고 사라진 동물 5, 2015년, 석판화, 솝그라운드, 소프트그라운드, 하드그라운드, 드라이포인트, 스핏바이트 아쿠아틴트, 워터바이트 아쿠아틴트, 오픈 바이트, 손으로 그린 페인팅, 스프레이 페인트, 용접된 강철 프레임에 강철 패널, 철근, 콘크리트, 에폭시 점토, 사진 제공 ACME 로스앤젤레스, © 이바 게오르기예바 (오른쪽)

홀튼 로워

뉴욕 출신 홀튼 로워의 작품은 점진적인 축적 과정을 통해 탄생합니다. 마치 시간이 쌓아 올린 퇴적암의 층처럼, 로워는 단색 단색 페인트 층을 표면에 차례로 부어 각 층이 응집되도록 한 후 다음 층을 붓습니다. 결국 산처럼 층들이 두터운 덩어리로 쌓입니다. 그리고 칼날로 자연의 힘이 하는 일을 수행하며 최종 형태를 조각합니다. 벽에 걸리든 바닥에 놓이든 이 작품들은 본질적으로 조각적이며 부인할 수 없이 회화입니다. 산업적인 성격과 힘든 육체 노동의 결과물입니다. 색, 형태, 질감의 형식적 대상이자 인간과 자연의 지속적인 개입에 관한 시적 표현입니다. (참고로 그의 뛰어난 예술의 힘과 존재감과는 무관하지만, 로워는 알렉산더 칼더의 손자이기도 합니다.)

홀튼 로워 - VENUS LA: 행위보다 아이디어가 더 에로틱하다 전시 설치 전경, 2016년, 파티클 보드에 페인트 (왼쪽), 무죄 범죄 파동 참조, 2016년, 파티클 보드에 페인트 (가운데), 희망을 드리길 기도합니다, 2016년, 파티클 보드에 페인트 (오른쪽), © 홀튼 로워

한나 휘태커

20세기 초 입체파 화가들처럼 워싱턴 D.C. 출신 사진작가 한나 휘태커는 네 번째 차원으로 가는 흥미로운 미적 경로를 발견했습니다. 믿기 어려울지 모르지만 그녀의 사진은 오직 카메라만으로 옛 방식대로 만들어집니다. 네거티브의 어느 부분이 노출될지 전략적으로 조절하여 이미지를 한 조각씩 구성하며, 때로는 한 네거티브를 완전히 노출하는 데 며칠이 걸리기도 합니다. 그 결과물은 시간이 흐르며 공간을 이동하는 동안 일어난 현실을 포착합니다. 이 4차원적 역동성과 형식적 추상 이미지를 결합하여 휘태커는 사진을 발전시키면서도 그 기본의 영원한 가치를 선언하는 독특한 미적 제안을 만들어냈습니다.

한나 휘태커 - 바크로프트 가지, 2014년, 아카이벌 피그먼트 프린트 (왼쪽), 그리고 브로드사이드 1, 2014년, 아카이벌 피그먼트 프린트 (오른쪽), © 한나 휘태커

벤 파커

추상 종이접기 예술가 벤 파커는 발견과 실험 행위에 집중합니다. 어떤 이들에게는 종이 한 장의 복잡한 접힘에서 동물, 식물, 건물의 형상이 나타나는 고대 예술 종이접기의 짜릿함이 있습니다. 다른 이들에게는 종이접기가 물리적 우주의 근본을 표현하는 듯한 과학적 발견의 잠재력에 짜릿함이 있습니다. 그러나 파커에게는 종이접기의 기하학적 접기 기법을 사용해 추상 형태를 유발하는 방법을 발견하는 데 짜릿함이 있습니다. 그의 복잡한 구성은 공간을 차지하면서도 공간을 만듭니다. 그것들은 실체적이면서도 무형적입니다. 마치 무에서 생겨난 듯하며 그 의미는 불확실합니다. 아름답다는 점은 부인할 수 없으며, 많은 관람자에게는 또한 깊은 의미를 지닙니다.

벤 파커 - 브리치드 컨테인먼트, 2016년, 종이 한 장, © 벤 파커

애슐리 바틀렛

캘거리 출신 예술가 애슐리 바틀렛의 작업은 분리와 구성 행위에 기반합니다. 그녀의 콜라주 회화는 캔버스, 종이, 페인트 층으로 이루어진 색과 형태의 추상 구성을 탐구합니다. 그녀의 절단 작품은 콜라주 회화와 같은 재료로 조립되었지만 표면 지지가 없는 조각적 존재감을 이룹니다. 바틀렛이 이 작품들에서 보여주듯, 분해하고 재조립하는 행위는 드러내는 행동이자 숨기는 행동으로 읽힐 수 있습니다.

애슐리 바틀렛 - 서프라이즈 윙크, 2017년, 캔버스, 종이, 아크릴 캔버스 위 (왼쪽) 그리고 스내글, 2011년, 패널에 유화 (오른쪽), © 애슐리 바틀렛

펠로 이라주

다학제 예술가 펠로 이라주는 1963년 바스크 지방 안도아인, 기푸스코아에서 태어났습니다. 그의 작업은 물체가 공간과 어떻게 상호작용하는지에 대한 현대 미적 탐구의 최전선에 있습니다. 그의 설치 작품은 전시 공간 벽에 직접 그려진 벽화가 자주 포함됩니다. 이 벽화들은 그의 조립된 물체들과 형식적 대화를 나누며, 색, 선, 형태가 어떻게 변형되어 형상이 되는지를 보여줍니다. 이라주가 특히 관심을 가지는 것은 관람자가 미적 대상과 어떻게 상호작용하며, 그러한 대상이 차지하는 공간과의 관계를 어떻게 인식하는가에 관한 지속적인 논의입니다.

펠로 이라주 - Noli me tangere (불신) [Noli me tangere (la desconfianza)], 2009년, 주조 및 용접 알루미늄 조각과 나사 (왼쪽), 그리고 룸 언더, 1995년, 합판, 비닐 페인트, 접착 테이프, 거울에 실크스크린 (오른쪽), 모두 작가 소장, © VEGAP, 빌바오, 2017

라민 시르델

이란 출신 예술가 라민 시르델은 건축 배경을 바탕으로 건축적이고 시각적으로 눈부신 예술 작품을 만듭니다. 그의 조각적 회화는 빛의 변화에 반응하며, 그림자가 환상적인 형태의 인식을 바꿉니다. 작품 속에는 사랑, 진실, 포옹, 파도, 걸작과 같은 의미를 지닌 페르시아어 시적 단어들이 숨겨져 있습니다. 작품의 구체적이고 형식적인 특성은 미적으로 객관적인 무언가를 제공하는 반면, 이미지의 덧없는 상태는 단어들이 전달하는 주관적 의미를 뒷받침합니다.

라민 시르델 - 아루스 (신부), 2013년, 나무 판넬에 혼합 매체, © 라민 시르델

아프루즈 아미기

브루클린에 거주하는 예술가 아프루즈 아미기의 실질적인 매체는 금속입니다. 그녀는 대성당의 첨탑, 미나렛의 꼭대기, 왕관의 뾰족한 끝을 닮은 정교하고 섬세한 구조물을 만듭니다. 그러나 그녀의 숨겨진 매체는 빛입니다. 그녀의 작품이 빛을 받으면 생명을 얻어 표면의 덧없는 반짝임에 시선을 끌고, 동시에 주변 표면에 극적이고 복잡한 그림자 네트워크를 드리웁니다. 이 작품은 모든 것이 밝혀졌을 때 무엇이 보이고 무엇이 숨겨지는지를 시적으로 이야기합니다.

아프루즈 아미기 - 망가타, 2016년, 설치 전경, 금속, 체인, 빛, © 아프루즈 아미기

아티 비어칸트

뉴욕 예술가 아티 비어칸트는 저작권과 통제라는 개념에 미적 목소리를 부여합니다. 그의 연작 이미지 오브젝트는 인터넷에서 이미지를 가져와 포토샵으로 변형한 후 추상적 대상의 표면 요소로 사용하는 작업입니다. 그러나 그의 완성된 이미지 오브젝트의 사진을 온라인에서 찾기 어려운데, 비어칸트는 전시 사진도 포토샵으로 변형하여 그 사진들 자체를 새로운 작품으로 부르기 때문입니다. 원본 이미지의 소유권과 그 변형된 이미지 오브젝트나 전시 사진의 소유권은 지적 재산권을 어떻게 보느냐에 따라 달라집니다. 비어칸트가 제기하는 또 다른 점은 작품의 진실은 물리적 존재에만 있다는 것입니다. 온라인에서 예술 사진을 보는 것은 직접 보는 것과 같지 않습니다. 이미지 오브젝트 외에도 그는 분쇄된 몬산토 씨앗을 예술 매체로 사용하기 시작했습니다. 그러나 이 작업과 그의 모든 작업이 제기하는 질문은 관람자가 작품에 사용된 재료의 배경 이야기에 얼마나 중요성을 부여해야 하는가입니다. 그것이 전혀 중요하지 않은가? 아니면 예술 대상 자체의 미적 존재만이 중요한가? 준철학적 대화가 예술과 관련이 있는가? 그것이 예술의 일부인가? 비어칸트는 이러한 질문을 미적으로 흥미로운 방식으로 제기하려 노력하고 있습니다.

아티 비어칸트 - 포토샵 처리된 설치 전경 (왼쪽), 그리고 식물 표현 구성 2, 대두 MON89788, TO, Exploit (오른쪽), © 아티 비어칸트

MadC

청소년 시절 그래피티 예술가였던 클라우디아 발데, 즉 MadC는 순수 미술계가 거리 예술가들과 상호작용하는 방식을 변화시키고 있습니다. MadC는 그래픽 디자인 학위를 두 개 보유하고 있으며 여러 권의 책을 저술했습니다. 그녀는 또한 벽화가로 세계적으로 유명하며, 이 분야에서 독특하고 시각적으로 놀라운 미적 입장을 발전시켰습니다. 최근에는 자신의 시각 언어를 정식 전시 공간에 맞게 진화시키기 시작했습니다. 그녀는 투명한 스프레이 페인트 층으로 밑층이 비치도록 만든 캔버스 작품과 멋진 설치 작품을 제작했으며, 신발과 같은 패션 아이템에도 자신의 작품을 옮겼습니다.

MadC - 홈 스윗 홈, 2016년, 설치, © MadC

대표 이미지: 이바 게오르기예바 - 사막 버드나무, 2016년, 종이에 아크릴, 유화, 콜라주, 캔버스에 부착, 사진 제공 Ameringer McEnery Yohe, 뉴욕
필립 Barcio 작성