Arshile Gorky krijgt in 2019 de eerste Italiaanse retrospectieve
De Ca' Pesaro Internationale Galerie voor Moderne Kunst in Venetië zal in 2019 een ambitieuze retrospectieve van Arshile Gorky organiseren. Getiteld “Arshile Gorky: 1904 – 1948,” zal het samenvallen met de 58e editie van de Biënnale van Venetië. Het zal de eerste uitgebreide Gorky-tentoonstelling ooit in Italië zijn, en de curatoren hopen een nieuwe theorie over de kunstenaar te formuleren: dat de bouwstenen van zijn volwassen stijl aanwezig waren “vanaf de vroegste stadia van zijn carrière.” Bij het schrijven over Gorky kunnen de meeste critici niet anders dan de verschillende invloeden in zijn schilderijen aan te wijzen. Ze zeggen dat zijn vroege werk beïnvloed was door Paul Cézanne; zijn werk uit het midden van zijn carrière door Pablo Picasso, Georges Braque en Piet Mondrian; en zijn volwassen werk door Joan Miró. “Arshile Gorky: 1904 – 1948” heeft als doel deze opvatting te weerleggen. Als het succesvol is, zou het een grote dienst bewijzen aan de reputatie van deze fascinerende kunstenaar, terwijl het ook een frisse kijk biedt om zijn nalatenschap te analyseren. Was hij werkelijk een modernistische brug tussen het impressionisme, het kubisme, het surrealisme en de abstracte expressionisme, zoals historici vaak beweren? Of was hij eigenlijk de eerste postmodernist? Tenslotte verwierp hij het idee dat theorie en kunsthistorische verhalen de primair zijn boven individuele artistieke impulsen. En net als de postmodernisten geloofde hij ook in het inherente recht van de kijker om een kunstwerk te “voltooien” met hun persoonlijke interpretatie. Als deze tentoonstelling alles wordt wat het kan zijn, in plaats van te zeggen dat Gorky andere stijlen kopieerde of imiteerde, zouden we hem misschien kunnen beschouwen als de eerste appropriatiekunstenaar, een vooruitstrevende denker die tegelijkertijd de authenticiteit en originaliteit van het verleden vierde en in twijfel trok.
Een Persoonlijke Stijl Constructie
De vroegste werken in “Arshile Gorky: 1904 – 1948” dateren uit de jaren 1920, toen Gorky voor het eerst in de Verenigde Staten aankwam. Geboren in Turkije in 1904, bracht Gorky zijn vroege jaren door als kindvluchteling, die samen met zijn zus en moeder vluchtte voor de Armeense genocide door de Ottomaanse Turken. Zijn moeder stierf van de honger in zijn armen toen Gorky 14 jaar oud was. In 1919 slaagden hij en zijn zus erin om naar de VS te vluchten en zich bij hun vader te voegen in Providence, Rhode Island, waar hij jaren eerder was geëmigreerd. Daar ontving Gorky zijn eerste formele artistieke opleiding. Hij kwam in aanraking met het werk van Cézanne terwijl hij studeerde aan de New School of Design in Boston. In 1925 verhuisde hij naar New York City en volgde lessen aan de Grand Central School of Art en de National Academy of Design, waar hij een menagerie van modernistische stijlen tegenkwam, zoals Duitse Expressionisme, Fauvisme, Kubisme, en Surrealisme.
Arshile Gorky - Zelfportret, ca. 1937, olie op doek, 141 x 86,4 cm / 55 ½ x 34 in. © 2018 The Arshile Gorky Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
New York is ook de plek waar Gorky andere immigrant-kunstenaars ontmoette zoals hijzelf, die waren ontsnapt uit andere door oorlog verscheurde landen over de wereld. In contact komen met deze gelijkgestemde zielen hielp hem de kansen te realiseren die Amerika bood. Hij voelde zich empowered om zichzelf opnieuw uit te vinden en om alles te maken wat hij wilde met zijn kunst. Hij veranderde zijn naam van Vostanik Manoug Adoian naar Arshile Gorky en putte vrijelijk uit de verschillende stijlen waarmee hij in contact kwam. "Staten Island" (1927) verwijst naar het Post-Impressionisme en Fauvisme. "Stilleven met Kruik" (1928) verwijst naar Synthetic Cubism. "Organisatie (1933-36)" verwijst naar De Stijl. Toch tonen geen van deze schilderijen aan dat Gorky daadwerkelijk de filosofieën van deze stijlen omarmde. Hij nam alleen hun plastische neigingen over—alles wat hij verder deed maakte hij eigen. Net zoals hij zijn eigen naam en identiteit construeerde door stukken van de namen en identiteiten van anderen te gebruiken, construeerde hij zijn eigen esthetische stijl door stukken van de stijlen uit het verleden te gebruiken.
Arshile Gorky - The Limit, 1947, olie op papier gemonteerd op canvas, 128,9 x 157,5 cm / 50 3/4 x 62 in. © 2018 The Arshile Gorky Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Publiek Private Samenwerkingen
Een groot deel van de aandacht in "Arshile Gorky: 1904 – 1948" zal gericht zijn op de laatste vijf jaar van zijn leven. Ondanks het leed van zijn jeugd, kunnen zijn laatste jaren gemakkelijk concurreren voor de meest tragische. Een reeks grote gezondheidsproblemen en romantische moeilijkheden culmineerde in een studio-brand die een groot deel van zijn werk vernietigde, wat Gorky ertoe bracht zelfmoord te plegen in 1948. Temidden van deze vreselijke tijd maakte hij enkele van zijn meest boeiende schilderijen. Hij nam een volledig abstracte esthetiek aan, maar gaf elk schilderij een narratieve titel die verwees naar een intiem detail uit zijn eigen leven. Deze late schilderijen worden niet vaak vergeleken met de werken van andere kunstenaars uit het verleden; in plaats daarvan worden ze gepresenteerd als werken die de toekomst voorspelden. De losse compositie, lyrische penseelstreken en vrij druipende verfspetters in "Hoe de Geborduurde Schort van Mijn Moeder Zich Ontplooit in Mijn Leven" (1944) hadden gemakkelijk 20 jaar later door Joan Mitchell kunnen zijn geschilderd. Het rustieke netwerk van vlekken, krabbels en schilderachtige markeringen in "De Kalender Maken" (1947) had gemakkelijk drie decennia later door Cy Twombly kunnen zijn geschilderd.
Arshile Gorky - Portret van Meester Bill, ca. 1937, olie op doek, 132,4 x 101,9 cm / 52 1/8 x 40 1/8 in. © 2018 The Arshile Gorky Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Deze laatste schilderijen zijn ook een belangrijk deel van de reden waarom Gorky wordt gezien als een krachtige invloed op de Abstract Expressionisten. Dit was de periode in zijn leven waarin hij naar verluidt Willem de Kooning hielp zijn stem te vinden, en Jackson Pollock in contact te komen met zijn onderbewustzijn. Maar ik hoop dat deze aanstaande tentoonstelling in Venetië zal bewijzen dat deze dingen niet de grens vormen van wat Gorky te leren had. Hij vertelde zijn tijdgenoten niet alleen om een bepaalde methode te volgen. Hij onderwees hen zelfredzaamheid; dat ze vrij waren om elke stijl en methode tegelijk te combineren om hun eigen weg te vinden. Zijn eigen methode was een hybride van alles wat hij ooit had gezien en ervaren. Net als hij was het een deel waarheid, een deel fictie, een deel realisme en een deel abstractie. "Arshile Gorky: 1904 – 1948" zal hopelijk Gorky op deze manier herdefiniëren - niet als een imitatiel, maar als een van de eerste kunstenaars van de 20e eeuw die zowel de autonomie van de kunstenaar omarmde als de overtuiging verwierp dat bewegingen tot een bepaalde tijd behoren, of dat kunstenaars tot een bepaalde stijl behoren.
“Arshile Gorky: 1904 – 1948” is van 8 mei tot 22 september 2019 te zien in Ca’ Pesaro International Gallery of Modern Art, Venetië.
Uitgelichte afbeelding: Arshile Gorky - One Year the Milkweed, 1944, olie op doek, 94,2 x 119,3 cm/ 37 1/16 x 46 15/16 in. National Gallery of Art, Washington, D.C. Ailsa Mellon Bruce Fund © 2018 The Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York.
Door Phillip Barcio
