Achter de transcenderende praktijk van Joan Snyder

Joan Snyder heeft iets bereikt wat maar weinig kunstenaars lukt: ze is een icoon geworden. Meestal moet een kunstenaar zich richten op één stijl, één techniek of één kenmerkende werkwijze om als iconisch te worden beschouwd. Jackson Pollock is een icoon vanwege zijn spetterwerken; Georgia O’Keeffe is een icoon vanwege haar bloemenschilderijen; Mark Rothko is een icoon vanwege zijn Color Field-schilderijen; Yves Klein is een icoon vanwege zijn kenmerkende gebruik van “IKB Blauw.” De lijst zou eindeloos kunnen doorgaan. Wat Snyder echter tot een perfect icoon van onze tijd maakt, is dat ze niet bekendstaat om één specifiek iets. Ze heeft er bewust voor gekozen om geen enkel bepaald type werk te maken, of een bepaalde methode of techniek toe te passen. Sinds ze in de late jaren zestig voor het eerst erkenning kreeg voor haar werk, heeft ze haar praktijk voortdurend ontwikkeld. Elk schilderij dat ze maakt volgt zijn eigen logica, die alleen door het verleden wordt bepaald voor zover het daarvan is geïnformeerd. Snyder bezit een van nature sympathieke intuïtie, die in sommige kringen misschien wordt aangezien voor wijsheid of verlichting, maar eigenlijk meer op nederigheid lijkt. Ze omarmt wat was, accepteert de invloed daarvan op wat is, en doet niet alsof ze weet wat zal zijn. Die houding houdt haar voorzichtig optimistisch ondanks het lijden dat ze heeft doorgemaakt, en houdt haar schilderijen eindeloos fris. Kijkers zullen nooit kunnen voorspellen wat Snyder hierna in haar atelier gaat doen, omdat zij het zelf ook niet echt weet. Hoewel ze plant, schetst en driftig ideeën opschrijft, zegt ze dat haar schilderijen eigenlijk meer op jazz lijken—“ze gebeuren gewoon.” Snyder overstijgt elke poging om haar werk te labelen door het niet te beperken. Ze blijft open, eerlijk en vrij. In tegenstelling tot de meeste andere iconische kunstenaars, die verstrikt raken in een aangenomen waarheid die door de geschiedenis of de markt aan hen wordt opgelegd, is Snyder een iconisch voorbeeld van een kunstenaar die weet dat ze alleen trouw aan zichzelf hoeft te zijn.

De Eerste Maximalist

Als er één woord is waarmee Snyder misschien gelabeld zou kunnen worden, dan is het de term “Maximalist.” Geboren in 1940, behaalde ze in 1966 haar Master in de Schone Kunsten aan de Rutgers Universiteit, een paar kilometer van waar ze opgroeide in Highland Park, New Jersey. De kunstwereld flirtte toen met een klein aantal onderscheidende stromingen: Pop Art, Op Art, de tweede golf van Abstract Expressionisme, Conceptuele Kunst, Performancekunst. Maar zonder twijfel was de meest dominante opkomende trend Minimalisme. Kunstenaars als Donald Judd, Sol Le Witt en Frank Stella verbazen kunstliefhebbers met hun sobere, ontnuchterende composities. Voor veel kijkers, curatoren en handelaren leek hun werk het perfecte tegengif tegen twee decennia van emotioneel geladen werken van kunstenaars die elk van hun diepste onderbewuste gevoelens wilden uitdrukken.

Joan Snyder - Kunnen we onze woede in poëzie veranderen, 1985. Kleur lithografie op Rives BFK papier. 30 1/4 × 44 1/4 inch; 76,8 × 112,4 cm. Editie Printersproof/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, New York. © Joan Snyder

Snyder zag deze Minimalisten en waardeerde de structuur en het zelfvertrouwen van hun werk. Maar ze realiseerde zich ook dat hun werk niets met haar persoonlijk te maken had. Sterker nog, ze vond dat geen van die andere stromingen iets met haar te maken had. Ze zag al deze kunststromingen als voortgekomen uit een patriarchale kunstmarkt en een scheef, onvolledig, op mannen gericht kunsthistorisch beeld. Ze wist niet precies wat voor soort schilderijen ze wilde maken, maar ze wist dat wat ze ook schilderde, het trouw aan zichzelf zou zijn. De eerste schilderijen die ze na haar studie maakte, waren schilderachtige verkenningen van de taal van het raster. Daarna volgde een serie zogenaamde “Stroke”-schilderijen, die de visuele taal van penseelstreken in kaart brachten. Beide waren pogingen om een persoonlijke syntaxis op te bouwen waarmee ze gelaagde, complexe persoonlijke verhalen kon overbrengen. Ondertussen richtte ze zich boven alles op het steeds meer in het werk stoppen totdat het zei wat ze wilde dat het zei. Ze zegt: “Mijn hele idee was om meer, niet minder in een schilderij te hebben.” Haar aanpak werd “Maximalisme” genoemd.

Joan Snyder - Autumn Song, 2002. Olie en gemengde technieken op doek. 50 × 96 inch; 127 × 243,8 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder

Een Erfgoed van Strijd

Snyder heeft haar werken soms vergeleken met symfonieën. Zonder twijfel kan de mengeling van impasto-lagen, afval, druppels en bolvormige vormen in schilderijen als “Amor Matris” (2015) of “Symphony VII” (2014) gelezen worden als visuele muziek die wacht op vertaling door het gekwelde instrument van onze geest. Toch delen deze schilderijen ook iets met epische literatuur. Verhalen ontvouwen zich, voortgestuwd door het intense donker en licht van de kleuren en tonen. Rauwe, oeroude vormen verklaren zichzelf te bezitten karakter en trots; hun strijd om iets meer te worden vormt een geduchte uitdaging voor onze ogen en geest. De woorden die Snyder toevoegt aan schilderijen als “Powdered Pearls” (2017)—soms door ze te schrijven en soms door ze in het medium te krassen—leiden onze gedachten en onze stemming. Uiteindelijk hebben de liederen die we horen of de verhalen die we lezen in deze beelden echter meer te maken met ons eigen innerlijke verhaal dan met wat Snyder ertoe bracht haar penseel op het oppervlak te zetten.

Joan Snyder - Powdered Pearls, 2017. Gemengde technieken. Olie, acryl, doek, kleurpotlood, pastelkrijt, kralen en glitters op doek. 137,0 × 91,5 cm. 53,9 × 36,0 inch. Franklin Parrasch Gallery. © Joan Snyder

Hoe we ook naar de schilderijen van Snyder kijken, het ene onmiskenbare dat ze allemaal gemeen hebben is hun erfgoed van strijd. Snyder heeft met zichzelf geworsteld om ze tot bestaan te brengen—een feit dat blijkt uit hun enorme visuele complexiteit en materiële diepte. En toch zijn ze geen bewijs van het soort strijd dat we liever vermijden. In plaats daarvan zijn ze bewijs van een bijna vreugdevolle strijd. Ze stralen het soort jeugdige trots uit dat we op elke leeftijd met ons meedragen wanneer we onze natuurlijke menselijke angst overwinnen. Het is alsof ze in hun slenterende verhalen ons moeilijk te verklaren maar onmiskenbare oplossingen bieden voor problemen waarvan we altijd al wisten dat we ze hadden, maar dankzij Snyder en haar pogingen trouw aan zichzelf te zijn, nu weten dat we ze gemeenschappelijk hebben.

Afbeelding in de spotlight: Joan Snyder - Small Seascape, 2011. Olie en acryl op linnen. 18 × 24 inch; 45,7 × 61 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio