Achter de transcenderende praktijk van Joan Snyder

Joan Snyder heeft iets bereikt wat maar weinig kunstenaars doen: ze is een icoon geworden. Gewoonlijk moet een kunstenaar zich richten op een enkele stijl, een enkele techniek of een enkele handtekeningmethode om als iconisch te worden beschouwd. Jackson Pollock is een icoon vanwege zijn spetterverf schilderijen; Georgia O’Keeffe is een icoon vanwege haar bloemen schilderijen; Mark Rothko is een icoon vanwege zijn Color Field schilderijen; Yves Klein is een icoon vanwege zijn kenmerkende gebruik van "IKB Blue." De lijst kan maar doorgaan. Wat Snyder echter een perfecte icoon voor onze tijd maakt, is dat ze niet bekend staat om één specifiek iets. Ze heeft zich ingespannen om geen enkel type werk te maken, of om geen enkele specifieke methode of techniek toe te passen. Sinds ze voor het eerst erkenning kreeg voor haar werk eind jaren '60, heeft ze haar praktijk voortdurend geëvolueerd. Elk schilderij dat ze maakt, heeft een eigen logica, gedefinieerd door het verleden, maar alleen voor zover het door dat verleden wordt geïnformeerd. Snyder bezit een van nature sympathieke soort intuïtie, die in sommige kringen als wijsheid of verlichting kan worden gezien, maar die eigenlijk meer lijkt op nederigheid. Ze omarmt wat was, accepteert de invloed ervan op wat is, en doet niet alsof ze weet wat zal zijn. Die houding houdt haar voorzichtig optimistisch, ondanks het lijden dat ze heeft ondergaan, en houdt haar schilderijen eindeloos fris. Kijkers zullen nooit kunnen anticiperen op wat Snyder als volgende in haar studio gaat doen, omdat zij zelf ook niet echt weet wat dat zal zijn. Ook al plant en schetst ze en noteert ze ideeën in razernij, zegt ze dat haar schilderijen eigenlijk meer als jazz zijn—"ze gebeuren gewoon." Snyder overstijgt elke poging om haar werk te labelen door te weigeren het te beperken. Ze blijft open, eerlijk en vrij. In tegenstelling tot de meeste andere iconische kunstenaars, die verstrikt raken in een aangenomen waarheid die door de geschiedenis of de markt op hen is opgelegd, is Snyder een iconisch voorbeeld van een kunstenaar die weet dat ze alleen trouw aan zichzelf hoeft te zijn.

De Eerste Maximalist

Als er één woord is waarmee Snyder het risico zou lopen gelabeld te worden, dan zou het de term "Maximalist" zijn. Geboren in 1940, behaalde ze in 1966 haar Masterdiploma in Schone Kunsten aan de Rutgers University, een paar mijl van waar ze opgroeide in Highland Park, New Jersey. De kunstwereld flirtte op dat moment met een klein aantal onderscheidende bewegingen: Pop Art, Op Art, de tweede golf van Abstract Expressionisme, Conceptuele Kunst, Performance Kunst. Maar zonder twijfel was de meest dominante opkomende trend Minimalisme. Kunstenaars zoals Donald Judd, Sol Le Witt en Frank Stella verbijsterden de ogen en geesten van kunstliefhebbers met hun vereenvoudigde, onsentimentele composities. Voor veel kijkers, curatoren en handelaren leek hun werk het perfecte tegengif voor twee decennia van emotioneel geladen werken van kunstenaars die erop gebrand waren elk van hun diepste onderbewuste gevoelens uit te drukken.

Joan Snyder - Kunnen we onze woede omzetten in poëzie, 1985. Kleur lithografie op Rives BFK papier. 30 1/4 × 44 1/4 in; 76,8 × 112,4 cm. Editie Printersproof/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, New York. © Joan Snyder

Snyder zag deze minimalisten en waardeerde de structuur en het vertrouwen in hun werk. Maar ze realiseerde zich ook dat hun werk niets met haar persoonlijk te maken had. Wat dat betreft dacht ze ook niet dat een van die andere bewegingen iets met haar te maken had. Ze beschouwde al deze kunstbewegingen als voortgekomen uit een patriarchale kunstmarkt en een scheef, onvolledig, op mannen gerichte kijk op de kunstgeschiedenis. Ze wist niet precies wat voor soort schilderijen ze wilde maken, maar ze wist dat wat ze ook schilderde, het trouw aan zichzelf zou zijn. De eerste schilderijen die ze na school maakte, waren schilderachtige verkenningen van de taal van het raster. Vervolgens kwam een serie zogenaamde "Stroke"-schilderijen, die de visuele taal van penseelstreken in kaart brachten. Beide waren pogingen om een persoonlijke syntaxis op te bouwen waarmee ze gelaagde, complexe persoonlijke verhalen kon communiceren. Ondertussen was het enige waar ze zich boven alles op concentreerde, het steeds meer in het werk stoppen totdat het zei wat ze wilde dat het zei. Ze zegt: "Mijn hele idee was om meer, niet minder in een schilderij te hebben." Haar benadering werd "Maximalisme" genoemd.

Joan Snyder - Herfstlied, 2002. Olie en gemengde media op canvas. 50 × 96 in; 127 × 243,8 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder

Een Erfgoed van Strijd

Snyder heeft haar werken soms vergeleken met symfonieën. Zonder twijfel kan de mix van impasto lagen, detritus, druppels en bolvormige vormen in schilderijen zoals “Amor Matris” (2015) of “Symphony VII” (2014) worden gelezen als visuele muziek die wacht op vertaling door het gekwelde instrument van onze zielen. Toch delen deze schilderijen ook iets gemeen met epische literatuur. Narratieven spelen zich af, voortgestuwd door de intense duisternis en het licht van de kleuren en tonen. Rauwe, primaire vormen verklaren zichzelf karakter en trots te hebben; hun strijd om iets meer te worden vormt een formidabele uitdaging voor onze ogen en geest. De woorden die Snyder introduceert in schilderijen zoals “Powdered Pearls” (2017)—soms door ze te schrijven en soms door ze in het medium te krassen—leiden onze gedachten en onze stemming. Uiteindelijk hebben de liederen die we horen of de verhalen die we lezen in deze beelden echter meer te maken met ons eigen interne verhaal dan met wat Snyder heeft doen besluiten om penseel op oppervlak te zetten.

Joan Snyder - Poederparels, 2017. Gemengde techniek. Olie, acryl, stof, kleurpotlood, pastel, kralen en glitter op canvas. 137,0 × 91,5 cm. 53,9 × 36,0 in. Franklin Parrasch Gallery. © Joan Snyder

Ongeacht hoe we naar de schilderijen van Snyder kijken, is het ene onbetwistbare ding dat ze allemaal gemeen hebben hun erfgoed van strijd. Snyder heeft met zichzelf gestreden om ze tot leven te brengen - een feit dat blijkt uit hun immense visuele complexiteit en materiële diepte. En toch zijn ze geen bewijs van het soort strijd dat we liever vermijden. In plaats daarvan zijn ze bewijs van een bijna vreugdevolle strijd. Ze stralen met de soort jeugdige trots die we op elke leeftijd met ons meedragen wanneer we onze natuurlijke menselijke angst overwinnen. Het is alsof ze in hun zwijgzame vertelstijl proberen ons moeilijk te verklaren maar onbetwistbare oplossingen te bieden voor problemen waarvan we altijd hebben geweten dat we ze hebben, maar dankzij Snyder en haar inspanningen om trouw aan zichzelf te zijn, weten we nu dat we die gemeen hebben.

Uitgelichte afbeelding: Joan Snyder - Kleine Zeegezichten, 2011. Olie en acryl op linnen. 18 × 24 in; 45,7 × 61 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio