Hoe Ad Reinhardt ons leerde kijken naar moderne kunst

Wat betekent het om een purist te zijn? Is het alsof je een gesloten geest hebt? Of is de zoektocht naar puurheid inherent nobel, zoals de zoektocht naar perfectie? Voor de Amerikaanse abstracte kunstenaar Ad Reinhardt was puurheid essentieel voor de beeldende kunst. In zijn essay uit 1953, “Twelve Rules for a New Academy,” definieerde Reinhardt beeldende kunst als “kunst leeg en gezuiverd van alle andere-dan-kunst betekenissen.” Hij legde verder uit dat, “hoe meer gebruiken, relaties en 'toevoegingen' een schilderij heeft, hoe minder puur het is. Hoe meer spullen erin zitten, hoe drukker het kunstwerk, hoe slechter het is. 'Meer is minder'.” Dit klinkt misschien als een vreemde uitspraak van een schilder die geassocieerd wordt met de Abstract Expressionisten, kunstenaars die zeker meer op hun doeken zetten, niet minder. Maar hoewel Reinhardt zijn carrière begon met het schilderen van expressieve, dynamische doeken, veranderde zijn zoektocht naar puurheid zijn benadering in de loop van de tijd drastisch. Hij verminderde de inhoud in zijn schilderijen zo dramatisch gedurende zijn carrière dat hij in de laatste jaren van zijn leven alleen nog met de kleur zwart schilderde. Tegen de tijd dat hij in 1967 stierf, was hij zo overtuigd van de puurheid van zijn inspanningen dat hij verklaarde dat hij de laatste schilderijen had geschilderd die ooit nodig waren.

Kunst gemaakt tot in de puntjes

De zoektocht naar zuiverheid lijkt misschien beter geschikt voor een klooster dan voor een kunststudio. Maar Ad Reinhardt was net zozeer een filosoof als een kunstenaar. En een van zijn beste vrienden was in feite een monnik in een klooster. Reinhardt wisselde regelmatig brieven met hem uit, waarbij hij speels standpunten over de aard van het leven en kunst verhandelde. Tijdens zijn graduate school studeerde Reinhardt kunstgeschiedenis, een onderwerp waarover hij meer wist dan misschien enige andere kunstenaar van zijn generatie. Misschien had zijn interesse in het ontdekken van de ultieme manifestatie van zuiverheid in kunst net zoveel te maken met intellectuele en spirituele nieuwsgierigheid als met zijn verlangen om zijn eigen relevantie voor de continuïteit van de kunstgeschiedenis te definiëren.

Toen hij in de jaren veertig voor het eerst zijn schilderijen in New York begon tentoon te stellen, waren ze in lijn met de dominante opkomende stijl van die tijd, Abstract Expressionisme. Ze waren schilderachtig, gebaarachtig, vol levendige kleuren en levendig met abstracte markeringen. Minder dan een decennium later ontkende hij al die dingen met passie, en publiceerde een dogmatisch, bijna komisch specifiek, vaak tegenstrijdig manifest dat de precieze methode beschreef voor het maken van pure, moderne schilderijen: schilderijen die toevallig helemaal niet leken op zijn eigen vroege werken. Als dat paradoxaal lijkt, helpt het om Reinhardt's eigen beroemde woorden te herinneren: “Kunst is te serieus om serieus genomen te worden.”

Ad Reinhardt - Abstracte Schilderkunst, 1960. Olieverf op doek. © 2018 Erfenis van Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

De Afbraak van de Avant-Garde

Om het culturele klimaat te begrijpen waarin Reinhardt werkte, is het nuttig om terug te kijken op de geschiedenis van het Modernisme. Voorafgaand aan de Tweede Wereldoorlog ontstonden bijna alle avant-garde kunstbewegingen buiten Amerika. Na de Tweede Wereldoorlog gaf Amerika geboorte aan enkele van de meest invloedrijke Modernistische bewegingen van de eeuw, waaronder Abstract Expressionisme, Minimalisme en Post-Expressionisme. Wat gebeurde er om deze verandering in de invloed van de Amerikaanse kunst teweeg te brengen? Het had meer te maken met politiek dan met kunst.

Na de Duitse Revolutie in de nasleep van de Eerste Wereldoorlog kwam er een representatieve regering aan de macht in Duitsland, genaamd de Weimarrepubliek. Deze democratisch gekozen regering voerde ingrijpende sociale, politieke en economische hervormingen door die leidden tot enorme culturele veranderingen in heel Duitsland. Binnen deze transformerende omgeving bloeide de Duitse modernisme. De Bauhaus werd opgericht in hetzelfde jaar als de Weimarrepubliek, en in dezelfde stad, en in de volgende 14 jaar evolueerde Duitsland tot een leidende progressieve kracht in de kunsten.

Ad Reinhardt - Nieuwsprint Collage, 1940. Geknipte en geplakte gedrukt papier en zwart papier op board. 15 7/8 x 20 in (40,6 x 50,8 cm). MoMA Collectie. © 2018 Erfenis van Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York  

De Donkere Kant van Purisme

Toen de aandelenmarkt in 1929 instortte, zag Duitsland, net als de meeste andere westerse landen, zijn economie instorten. De daaropvolgende wereldwijde depressie veroorzaakte veel frustratie in het leven van gewone werkende mensen. Toen het Nazi-regime in 1933 aan de macht kwam in Duitsland, was het onder het mom van het herstellen van Duitsland naar zijn historische grootheid en het omkeren van de trends van het recente verleden. Een van de eerste dingen die de Nazi-partij deed, was invloed uitoefenen op de Duitse cultuur. Moderne kunst was een belangrijk doelwit.

Onder leiding van Adolf Hitler ontwikkelden de nazi's een concept van pure Duitse kunst. Het omvatte alleen traditionele, klassieke kunst die voldeed aan hun definitie van raciale en nationalistische identiteit. Elke kunst die buiten die definitie viel, werd als vervalst beschouwd. Zo begon een exodus van avant-garde kunstenaars uit Duitsland. En naarmate de invloed van de nazi's zich verder verspreidde buiten Duitsland, kwamen moderne kunstenaars in heel Europa onder dezelfde vervolging te staan.

Ad Reinhardt - Studie voor een Schilderij, 1938. Gouache op papier. 4 x 5 in (10,2 x 12,8 cm). MoMA Collectie. © 2018 Erfenis van Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Re-Assemblage van de Avant-Garde

In de late jaren dertig en vroege jaren veertig vond elke Europese moderne kunstenaar met de middelen een manier om naar het buitenland te gaan. Als een van de weinige wereldhoofdsteden die niet onder belegering stond van fascistische machten, werd New York City een baken voor avant-garde kunstenaars van over de hele wereld. Die nieuw aangekomen kunstenaars mengden zich met de al levendige New York abstracte kunstscene, die Amerikaanse kunstenaars zoals Jackson Pollock omvatte, evenals kunstenaars zoals Willem de Kooning en Arshile Gorky die daar na de Eerste Wereldoorlog waren geëmigreerd. Uit deze cultuur ontstonden de eerste Amerikaanse modernistische kunstbewegingen.

Ad Reinhardt kwam artistiek tot rijping als lid van deze generatie van avant-garde New Yorkse kunstenaars na de Tweede Wereldoorlog. Hij was volledig betrokken bij de levendige mix van politieke, filosofische, sociale en culturele gesprekken die plaatsvonden in deze diverse, internationale gemeenschap. Hij nam deel aan protesten en was op elke denkbare manier betrokken bij de scene. Maar hij was het op één fundamentele manier niet eens met zijn tijdgenoten. Terwijl zij hun leven en hun kunst beschouwden als één holistische ervaring, geloofde Reinhardt dat dit de verkeerde weg was. Zoals hij het verwoordde: “Kunst is Kunst. Het leven is het leven.”

Ad Reinhardt - Studie voor een Schilderij, 1939. Gouache op papier. 3 7/8 x 4 7/8 in (10 x 12,5 cm). MoMA Collectie. © 2018 Erfenis van Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Zoek naar de Invariant

Als een manier om zijn kunstwerk te evolueren weg van dat van zijn tijdgenoten, formuleerde Reinhardt een idee van het "verlichte object", een kunstwerk dat geen enkele externe zaak, geen enkel extern idee verwees, maar simpelweg bestond als een enkel voorbeeld van zijn pure zelf. Het verlichte object was een vorm van wat een spiritualist misschien de "invariant" zou noemen, het grote ultieme, de onveranderlijke substantie die zelfs te midden van transformatie niet transformeert. In wezen was hij op zoek naar de kunstversie van God.

Reinhardt zocht het invariant door middel van negatie, wat betekent dat hij, in plaats van te definiëren wat pure kunst is, definieerde wat pure kunst niet is. Zijn 12 Regels Voor een Nieuwe Academie, gepubliceerd in 1953, bevatte zijn lijst van negaties, geformuleerd als regels voor hoe je pure kunst kunt bereiken. Deze regels omvatten: Geen realisme, geen impressionisme, geen expressionisme, geen sculptuur, geen plasticisme, geen collage, geen architectuur, geen decoratie, geen textuur, geen penseelwerk, geen schetsen van ideeën vooraf, geen vormen, geen ontwerp, geen kleuren, geen licht, geen ruimte, geen tijd, geen grootte, geen beweging, geen onderwerp, geen symbolen, geen beelden en geen plezier. Hij voegde toe: “Extern, houd jezelf weg van alle relaties, en intern, heb geen verlangens in je hart.”

Ad Reinhardt - Papercollage, 1939. Hirshhorn Museum en Sculptuurtuin, Washington DC. © 2018 Erfenis van Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Veranderen met Verandering

Het is van vitaal belang om in gedachten te houden tijdens het lezen van 12 Regels Voor Een Nieuwe Academie dat Reinhardt als komedieschrijver op de universiteit werkte, en ook dat hij een spiritueel en filosofisch persoon was. Hij had een scherpe geest en sprak vaak opzettelijk in paradoxale uitspraken. Zelfs als hij geloofde dat al zijn regels individueel mogelijk te volgen waren, moet hij ook zeker geweten hebben dat het volgen van ze allemaal tegelijkertijd betekende dat sommige geschonden zouden worden.

Bijvoorbeeld, toen het ging om de Zwarte Schilderijen die hij de laatste 12 jaar van zijn leven schilderde, verwees hij naar hen als: “Een vrije, niet-gemanipuleerde, niet-gemanipuleerbare, nutteloze, niet-verkoopbare, onherleidbare, niet-fotografeerbare, niet-reproduceerbare, onverklaarbare icoon.” Maar ze waren niet vrij; ze waren het product van een ideologisch, dogmatisch systeem. En wat betreft het niet-fotografeerbare en niet-verkoopbare, ze werden in feite snel verkocht en komen vandaag de dag regelmatig te koop op veilingen, met mooie foto's opgenomen in de catalogi. Dus maakte Reinhardt een grap? Of maakte hij een diepere uitspraak over de complexiteit van het maken en praten over abstracte kunst?

Ad Reinhardt - Ongetiteld, 1947. Olieverf op doek. National Gallery of Art, Washington DC. © 2018 Erfenis van Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

De Onveranderlijke Staat

Het begrijpen van Reinhardt betekent het begrijpen van zijn cultuur. Reinhardt maakte deel uit van een kunstscene die werd gedomineerd door gepassioneerd, emotioneel, persoonlijk en schilderachtig werk. Zijn reactie daarop was om voor het tegenovergestelde te pleiten. Toen kunstenaars gepassioneerd pleitten voor de herintegratie van kunst in het dagelijks leven, volhardde Reinhardt in de overtuiging dat kunst en leven gescheiden zijn. Hij beweerde de laatste schilderijen te hebben geschilderd, maar als kunsthistoricus wist hij dat het einde van de schilderkunst nooit zou komen, zolang er kunstenaars zijn die bereid zijn te schilderen.

Een zekere begrip van Ad Reinhardt is te vinden in deze quote van Bruce Lee: “Om te veranderen met verandering is de onveranderlijke staat.” Door een alternatief te bieden voor de dominante trends van het moment, zorgde Reinhardt ervoor dat de kunstgeschiedenis zou voortduren. Net als het Zwarte Vierkant van Kasimir Malevich, beëindigden de Zwarte Schilderijen van Ad Reinhardt de schilderkunst niet, maar duwden ze de continuïteit vooruit. Door dogmatisch te zijn, drong hij er niet op aan dat er maar één manier was, hij gaf een cadeau aan de volgende generatie: een vijand om tegen te vechten: een purist om tegen te verzetten en een ideologie om te tarten.

Uitgelichte afbeelding: Ad Reinhardt - Nummer 6, 1946. Olieverf op masoniet. © 2018 Erfenis van Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio