Hoe Ad Reinhardt ons leerde kijken naar moderne kunst

Wat betekent het om een purist te zijn? Is het alsof je bekrompen bent? Of is de zoektocht naar zuiverheid van nature edel, zoals het nastreven van perfectie? Voor de Amerikaanse abstracte kunstenaar Ad Reinhardt was zuiverheid essentieel voor de beeldende kunst. In zijn essay uit 1953, “Twaalf regels voor een nieuwe academie,” definieerde Reinhardt beeldende kunst als “kunst die ontdaan en gezuiverd is van alle betekenissen anders dan kunst.” Hij legde verder uit dat, “Hoe meer toepassingen, verbanden en ‘toevoegingen’ een schilderij heeft, hoe minder zuiver het is. Hoe meer rommel erin zit, hoe drukker het kunstwerk, hoe slechter het is. ‘Meer is minder’.” Dit klinkt misschien als een vreemde uitspraak van een schilder die geassocieerd wordt met de Abstracte Expressionisten, kunstenaars die juist meer op hun doeken aanbracht, niet minder. Maar hoewel Reinhardt zijn carrière begon met expressieve, dynamische doeken, veranderde zijn zoektocht naar zuiverheid zijn aanpak drastisch in de loop der tijd. Hij verminderde de inhoud in zijn schilderijen zo sterk dat hij in de laatste jaren van zijn leven alleen nog met de kleur zwart schilderde. Tegen de tijd dat hij in 1967 stierf, was hij zo overtuigd van de zuiverheid van zijn werk dat hij verklaarde dat hij de laatste schilderijen had gemaakt die ooit nodig zouden zijn.

Kunst tot Zuiverheid Gemaakt

De zoektocht naar zuiverheid lijkt misschien beter thuis in een klooster dan in een kunstenaarsatelier. Maar Ad Reinhardt was evenzeer een filosoof als een kunstenaar. En een van zijn beste vrienden was zelfs een monnik in een klooster. Reinhardt wisselde regelmatig brieven met hem uit, waarin ze speels van gedachten wisselden over de aard van het leven en de kunst. Tijdens zijn studie kunstgeschiedenis, een onderwerp waarover hij wellicht meer wist dan welke andere kunstenaar van zijn generatie ook, raakte Reinhardt geïnteresseerd in het ontdekken van de ultieme manifestatie van zuiverheid in de kunst. Misschien had zijn interesse evenveel te maken met intellectuele en geestelijke nieuwsgierigheid als met zijn wens om zijn eigen relevantie binnen de kunstgeschiedenis te definiëren.

Toen hij in de jaren veertig voor het eerst zijn schilderijen tentoonstelde in New York, waren deze in lijn met de toen heersende opkomende stijl, Abstract Expressionisme. Ze waren schilderachtig, gebarenrijk, vol levendige kleuren en levendig met abstracte markeringen. Minder dan tien jaar later verwierp hij al deze zaken hartstochtelijk en publiceerde een dogmatisch, bijna komisch specifiek en vaak tegenstrijdig manifest waarin hij de precieze methode beschreef om pure, moderne schilderijen te maken: schilderijen die overigens totaal anders waren dan zijn vroege werken. Als dat paradoxaal lijkt, helpt het om Reinhardts eigen beroemde woorden te herinneren: “Kunst is te serieus om serieus genomen te worden.”

Ad Reinhardt - Abstract schilderij, 1960. Olie op doek. © 2018 Nalatenschap van Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Het Ontmantelen van de Avant-Garde

Om het culturele klimaat waarin Reinhardt werkte te begrijpen, helpt het om terug te kijken naar de geschiedenis van het modernisme. Voor de Tweede Wereldoorlog ontstonden bijna alle avant-garde kunstbewegingen buiten Amerika. Na de Tweede Wereldoorlog gaf Amerika geboorte aan enkele van de meest invloedrijke modernistische stromingen van de eeuw, waaronder Abstract Expressionisme, Minimalisme en Post-Expressionisme. Wat veroorzaakte deze verandering in de invloed van de Amerikaanse kunst? Het had meer met politiek te maken dan met kunst.

Na de Duitse revolutie in de nasleep van de Eerste Wereldoorlog kwam er een vertegenwoordigde regering aan de macht in Duitsland, de Weimarrepubliek genoemd. Deze democratisch gekozen regering voerde ingrijpende sociale, politieke en economische hervormingen door die leidden tot grote culturele veranderingen in heel Duitsland. Binnen deze transformerende omgeving bloeide het Duitse modernisme op. Het Bauhaus werd opgericht in hetzelfde jaar als de Weimarrepubliek, en in dezelfde stad, en in de volgende 14 jaar ontwikkelde Duitsland zich tot een leidende progressieve kracht in de kunsten.

Ad Reinhardt - Krantenknipselcollage, 1940. Geknipt en geplakt gedrukt papier en zwart papier op paneel. 15 7/8 x 20 inch (40,6 x 50,8 cm). MoMA Collectie. © 2018 Nalatenschap van Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

De Donkere Kant van het Purisme

Toen de beurs in 1929 instortte, stortte de economie van Duitsland, net als die van de meeste andere westerse landen, in. De daaropvolgende wereldwijde depressie veroorzaakte veel frustratie in het leven van gewone werkende mensen. Toen het naziregime in 1933 aan de macht kwam in Duitsland, gebeurde dat onder het mom van het herstellen van Duitsland tot zijn historische grootsheid en het terugdraaien van de recente ontwikkelingen. Een van de eerste dingen die de nazi-partij deed, was invloed uitoefenen op de Duitse cultuur. Moderne kunst was een belangrijk doelwit.

Onder leiding van Adolf Hitler ontwikkelden de nazi’s een concept van pure Duitse kunst. Dit omvatte alleen traditionele, klassieke kunst die voldeed aan hun definitie van raciale en nationalistische identiteit. Alle kunst buiten die definitie werd als entartet (ontaard) bestempeld. Zo begon een uittocht van avant-garde kunstenaars uit Duitsland. En naarmate de nazi-invloed zich buiten Duitsland uitbreidde, werden moderne kunstenaars in heel Europa onder dezelfde vervolging geplaatst.

Ad Reinhardt - Studie voor een schilderij, 1938. Gouache op papier. 4 x 5 inch (10,2 x 12,8 cm). MoMA Collectie. © 2018 Nalatenschap van Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Het Heropbouwen van de Avant-Garde

Gedurende de late jaren dertig en vroege jaren veertig vond elke Europese moderne kunstenaar met de middelen een manier om naar het buitenland te gaan. Als een van de weinige wereldsteden die niet belegerd werd door fascistische machten, werd New York City een baken voor avant-garde kunstenaars van over de hele wereld. Die nieuw aangekomen kunstenaars mengden zich met de al levendige abstracte kunstscene van New York, waar Amerikaanse kunstenaars als Jackson Pollock deel van uitmaakten, evenals kunstenaars als Willem de Kooning en Arshile Gorky die na de Eerste Wereldoorlog daarheen waren geëmigreerd. Uit deze cultuur ontstonden de eerste Amerikaanse modernistische kunstbewegingen.

Ad Reinhardt bereikte zijn artistieke volwassenheid als lid van deze generatie avant-garde kunstenaars uit New York na de Tweede Wereldoorlog. Hij was volledig betrokken bij de levendige mix van politieke, filosofische, sociale en culturele gesprekken die plaatsvonden in deze diverse, internationale gemeenschap. Hij nam deel aan protesten en was op alle mogelijke manieren actief in de scene. Maar hij was het fundamenteel oneens met zijn tijdgenoten op één punt. Terwijl zij hun leven en hun kunst als één holistische ervaring beschouwden, geloofde Reinhardt dat dat de verkeerde weg was. Zoals hij het stelde: “Kunst is kunst. Leven is leven.”

Ad Reinhardt - Studie voor een schilderij, 1939. Gouache op papier. 3 7/8 x 4 7/8 inch (10 x 12,5 cm). MoMA Collectie. © 2018 Nalatenschap van Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Zoektocht naar het Onveranderlijke

Als manier om zijn werk te onderscheiden van dat van zijn tijdgenoten formuleerde Reinhardt het idee van het “verlichte object,” een kunstwerk dat geen verwijzing maakte naar iets buiten zichzelf, geen buitenstaand idee, maar simpelweg bestond als een enkelvoudig voorbeeld van zijn pure zelf. Het verlichte object was een vorm van wat een spiritueel mens het “onveranderlijke” zou noemen, het grote ultieme, de onveranderlijke substantie die zelfs te midden van verandering niet verandert. In wezen zocht hij naar de kunstversie van God.

Reinhardt zocht het onveranderlijke door ontkenning, wat betekent dat hij niet definieerde wat pure kunst is, maar wat pure kunst niet is. Zijn 12 regels voor een nieuwe academie, gepubliceerd in 1953, bevatten zijn lijst van ontkenningen, geformuleerd als regels om tot pure kunst te komen. Deze regels waren onder andere: geen realisme, geen impressionisme, geen expressionisme, geen beeldhouwkunst, geen plastiek, geen collage, geen architectuur, geen versiering, geen textuur, geen penseelstreken, geen schetsen van ideeën vooraf, geen vormen, geen ontwerp, geen kleuren, geen licht, geen ruimte, geen tijd, geen grootte, geen beweging, geen onderwerp, geen symbolen, geen beelden en geen plezier. Hij voegde eraan toe: “Houd jezelf extern weg van alle relaties, en intern, heb geen verlangens in je hart.”

Ad Reinhardt - Papieren collage, 1939. Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington DC. © 2018 Nalatenschap van Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Veranderen met Verandering

Het is belangrijk om in gedachten te houden bij het lezen van 12 regels voor een nieuwe academie dat Reinhardt tijdens zijn studie komedieschrijver was, en ook dat hij een geestelijk en filosofisch mens was. Hij had een scherpe geest en sprak vaak bewust in paradoxale uitspraken. Zelfs als hij geloofde dat al zijn regels individueel mogelijk waren om te volgen, moet hij ook zeker geweten hebben dat het volgen van ze allemaal tegelijk betekende dat sommige overtreden zouden worden.

Bijvoorbeeld, wat betreft de Zwarte Schilderijen die hij de laatste 12 jaar van zijn leven maakte, noemde hij ze “Een vrij, onbewerkbaar, onmanipuleerbaar, nutteloos, onverkoopbaar, onherleidbaar, onfotografeerbaar, onreproduceerbaar, onverklaarbaar icoon.” Maar ze waren niet vrij; ze waren het product van een ideologisch, dogmatisch systeem. En wat betreft het onfotografeerbaar en onverkoopbaar zijn, ze werden juist snel verkocht en komen nog steeds regelmatig onder de hamer bij veilingen, met mooie foto’s in de catalogi. Was Reinhardt dus een grap aan het maken? Of maakte hij een diepere uitspraak over de complexiteit van het maken en bespreken van abstracte kunst?

Ad Reinhardt - Zonder titel, 1947. Olie op doek. National Gallery of Art, Washington DC. © 2018 Nalatenschap van Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

De Onveranderlijke Toestand

Reinhardt begrijpen betekent zijn cultuur begrijpen. Reinhardt maakte deel uit van een kunstscene die werd gedomineerd door hartstochtelijk, emotioneel, persoonlijk en schilderachtig werk. Zijn reactie daarop was het pleiten voor het tegenovergestelde. Terwijl kunstenaars hartstochtelijk pleitten voor het herintegreren van kunst in het dagelijks leven, stond Reinhardt erop dat kunst en leven gescheiden zijn. Hij beweerde de laatste schilderijen te hebben gemaakt, maar als kunsthistoricus wist hij dat het einde van het schilderen nooit zou komen, zolang er kunstenaars zijn die willen schilderen.

Een deel van het begrip van Ad Reinhardt ligt in dit citaat van Bruce Lee: “Veranderen met verandering is de onveranderlijke toestand.” Door een alternatief te bieden voor de heersende trends van het moment, zorgde Reinhardt ervoor dat de kunstgeschiedenis zou doorgaan. Net als het Zwarte Vierkant van Kasimir Malevich, beëindigden de Zwarte Schilderijen van Ad Reinhardt het schilderen niet, maar duwden ze de continuïteit vooruit. Door dogmatisch te zijn, stelde hij niet dat er maar één weg was, maar gaf hij een geschenk aan de volgende generatie: een vijand om tegen te werken: een purist om tegen te verzetten en een ideologie om te trotseren.

Uitgelichte afbeelding: Ad Reinhardt - Nummer 6, 1946. Olie op masoniet. © 2018 Nalatenschap van Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio