Concreet Kunst: Een Verzamelaarsgids voor de Kunst van Absolute Helderheid

In het lexicon van de kunstgeschiedenis zijn er weinig termen zo verkeerd begrepen als "Concrete Kunst." Voor de oningewijden suggereert het woord gewicht, soliditeit, of misschien het grijze industriële materiaal zelf. In de kunstwereld betekent het echter iets veel radicalers: een afwijzing van het idee dat kunst "over" iets anders moet gaan. Terwijl traditionele abstractie abstraheert van de realiteit (een boom nemen en terugbrengen tot lijnen), construeert Concrete Kunst een nieuwe realiteit. Het stelt dat een lijn, een kleur of een vlak een echt ding is, net zo concreet als een stoel of een steen. Vandaag, terwijl we navigeren in een wereld verzadigd met digitale ruis en eindeloze verhalen, voelt de zoektocht van de Concrete Kunstenaar naar "absolute helderheid" en autonome vorm niet alleen relevant, maar essentieel. Het biedt een visueel toevluchtsoord, een plek waar wat je ziet precies is wat het is.

Voorbij Abstractie: De Kenmerkende Aard van Concrete Kunst

Samen met Suprematisme, Constructivisme, De Stijl, Neo-Concrete Kunst en Minimalisme is Concrete Kunst een van een half dozijn geometrische abstracte kunstbewegingen die in de 20e eeuw ontstonden, grofweg tussen 1913 en 1970. Maar het is duidelijk anders dan alle andere op deze lijst. Het verschil is misschien niet meteen zichtbaar. Visueel produceerden al deze zes bewegingen vergelijkbaar werk. Dat komt omdat ze allemaal gebaseerd waren op dezelfde syntaxis—een visuele taal geworteld in niet-objectieve, formele elementen zoals lijnen, vormen en kleuren.

Daniel Göttin - Untitled 1-12 - 2017

Het essentiële verschil tussen hen was bijna volledig semantisch, wat betekent dat de intentie en betekenis achter elk uniek was. Suprematisme gebruikte geometrische abstractie om de “overheersing van puur gevoel of waarneming” te communiceren. Constructivisme gebruikte het om nieuwe nuttige symbolen te construeren voor een moderne wereld. De Stijl gebruikte geometrische elementen om de intrinsieke harmonie van het universum te verkennen. Concrete Kunst was puur plastisch: elk visueel element dat het gebruikte werd mechanisch gecreëerd en was vrij van enige symbolische, emotionele, spirituele of naturalistische betekenis. Neo-Concrete Kunst gebruikte dezelfde visuele taal als Concrete Kunst, maar verwierp de pure plasticiteit en richtte zich in plaats daarvan op het fenomenologische potentieel dat ontstaat wanneer mensen met kunst interageren. Minimalisme was het ermee eens dat plastische elementen zelfreferentieel moesten zijn, maar voerde dat geloof tot het uiterste door esthetische componenten autonome kracht te geven tot het punt dat de kunstenaar werd gesublimeerd, waarbij alle sporen van auteurschap, verhaal, biografie of iets anders dat de totalitaire aanwezigheid van het werk zou kunnen verstoren, werden verwijderd.

Van al deze bewegingen kan slechts één, concrete kunst, beweren puur abstract te zijn. Alleen deze zocht actief naar het elimineren van elke externe betekenis, waardoor kunstenaars werden bevrijd van de noodzaak om iets anders te communiceren dan wat duidelijk zichtbaar was in het werk.

Beweging naar Concretie

De neiging tot pure, plastische kunst wortelde in Europa rond het midden van de 1800s. Toen begonnen schilders die verbonden waren aan bewegingen zoals het impressionisme en divisionisme elementen als licht en kleur te isoleren als dingen die individuele aandacht verdienen. Maar onderwerp en betekenis waren toen nog steeds belangrijk voor mensen, zo niet voor de kunstenaars zelf, dan toch voor hun opdrachtgevers. Het duurde tot bewegingen als kubisme en futurisme om dat perspectief te veranderen, waardoor kunstenaars als Wassily Kandinsky en Kazimir Malevich in het begin van de 1900s volledig abstracte werken konden schilderen.

Maar zelfs Kandinsky en Malevich maakten werk dat verwees naar externe betekenissen, zoals spiritualiteit en symboliek. Pas in 1930 slaagde de eerste Europeaan erin om het verlangen te verwoorden om een werkelijk betekenisloze, pure vorm van abstracte visuele kunst te omarmen. Die kunstenaar was de Nederlandse schilder en schrijver Theo van Doesburg. Van Doesburg werd voor het eerst bekend rond 1917, toen hij samen met Piet Mondrian De Stijl oprichtte. Maar hij en Mondrian gingen al snel uit elkaar, omdat Mondrian, net als veel andere abstracte kunstenaars, sterk beïnvloed was door utopische spiritualiteit. Van Doesburg wilde aan al die invloeden ontsnappen, evenals aan alle naturalistische of figuratieve verwijzingen. Dus schreef hij in 1930, samen met de Zwitserse kunstenaar Otto Gustaf Carlsund, de Franse schilder Jean Hélion, de Armeense schilder Léon Arthur Tutundjian en de Franse typograaf Marcel Wantz, het Concrete Kunst Manifest.

Leon Arthur Tutundjian - La Boule Noire, 1926, © Leon Arthur Tutundjian

Het Concrete Kunst Manifest

Het manifest stelde zes principes vast: “1) Kunst is universeel. 2) Een kunstwerk moet volledig door de geest worden bedacht en gevormd voordat het wordt uitgevoerd. Het mag niets ontvangen van de formele gegevens van de natuur, sensualiteit of sentimentaliteit. We willen lyriek, drama, symboliek, enzovoort uitsluiten. 3) Het schilderij moet volledig worden opgebouwd uit puur plastische elementen, namelijk oppervlakken en kleuren. Een picturaal element heeft geen betekenis buiten “zichzelf”; als gevolg daarvan heeft een schilderij geen andere betekenis dan “zichzelf”. 4) De constructie van een schilderij, evenals die van zijn elementen, moet eenvoudig en visueel controleerbaar zijn. 5) De schildertechniek moet mechanisch zijn, dat wil zeggen exact, anti-impressionistisch. 6) Een streven naar absolute helderheid is verplicht.”

Van Doesburg stierf een jaar nadat het Concrete Kunst Manifest was gepubliceerd, dus hij was niet lang genoeg aanwezig om het te verdedigen tegen het leger critici dat het in de decennia daarna aanviel. De klachten van die critici richtten zich vooral op wat zij zagen als de kille zielloosheid en steriliteit van Concrete Kunst. Maar dat was natuurlijk de bedoeling van de beweging vanaf het begin. Het is zelfs moeilijk voor te stellen dat, als van Doesburg langer had geleefd, hij zich druk had gemaakt om te discussiëren met zijn critici. Hij zou het woord zielloos waarschijnlijk als een compliment hebben opgevat, en de woorden koud en steriel als hoge lof.

Art Concret Manifesto, mei 1930, via wikiart.org

Om te begrijpen waarom Concrete Kunst aanvankelijk zo sterk tot veel kunstenaars sprak, is het essentieel te begrijpen dat van Doesburg deel uitmaakte van een generatie die cynisch was geworden na decennia van geweld. De massale dood en vernietiging die moderne oorlogvoering met zich meebracht, schokte hen. En veel intellectuelen kwamen tot de conclusie dat het geweld niet uit het niets was ontstaan. Integendeel, zij zagen het als het onvermijdelijke resultaat van politieke, religieuze en ideologische conflicten. Concrete Kunst was een oproep aan kunstenaars om zich los te koppelen van de realiteit die de wereld op de rand van vernietiging had gebracht.

De Markt voor Helderheid: Concrete Kunst Verzamelen Vandaag

In het midden van de jaren 2020 heeft de kunstmarkt een stille maar beslissende verschuiving doorgemaakt. Na een decennium gedomineerd door hyper-narratieve en politiek geladen figuratieve werken, wenden verzamelaars en interieurontwerpers zich steeds meer tot Geometrische Abstractie en Minimalisme. Deze trend is niet alleen esthetisch; het is psychologisch. In een periode die wordt gekenmerkt door wereldwijde volatiliteit en digitale ruis, ziet de kunstwereld een "vlucht naar structuur", een collectieve hunkering naar visueel toevluchtsoord.

Concrete Kunst staat aan de top van deze beweging. Omdat het weigert te verwijzen naar de chaotische buitenwereld, politiek, tragedie en representatie afwijst ten gunste van pure vorm, biedt het een tijdloze stabiliteit die het beschermt tegen de grillen van trendgedreven kunst. Het is per definitie een kunst van zekerheid.

Ulla Pedersen - Cut Up Papers 1.5 (links) en Cut Up Paper 1.27 (rechts), 2016

De "Blue Chip" Validatie

De markt voor de oorspronkelijke meesters van deze beweging heeft een gestage, robuuste groei doorgemaakt, wat de status bevestigt als een "veilige" activaklasse. Hoewel Josef Albers vaak de kop van marktrapporten vormt met zijn betrouwbare veilingvolume (zijn prentenmarkt alleen al zou sinds 2015 zijn verdrievoudigd in omzet), is hij geen uitzondering. Recordresultaten voor Max Bill en Theo van Doesburg (wiens Contra-Composition VII een record van $4,1 miljoen behaalde) bewijzen de blue-chip status van het genre. Ondertussen suggereert een recente toename in institutionele aandacht voor figuren als Verena Loewensberg en Richard Paul Lohse dat de markt actief de sleutelpersonen van de beweging in Europa herwaardeert en verheft.

Bovendien heeft de "Neo-Concrete" vleugel van de beweging explosieve groei doorgemaakt, met Braziliaanse meesters als Lygia Pape en Hélio Oiticica die recordverkopen behalen die de wereldwijde, cross-culturele aantrekkingskracht van de beweging bevestigen.

De Hedendaagse Kans

Voor de scherpe verzamelaar dient deze historische validatie als een marktsignaal. Wanneer de "voorouders" van een beweging zich vestigen als blue-chip, verbreedt de markt vanzelfsprekend haar focus om de levende erfgenamen te vinden. Het verzamelen van hedendaagse Concrete Kunst is niet alleen een toegankelijke instap; het is een strategische investering in de voortzetting van een prestigieuze traditie.

Door werken te verwerven van levende beoefenaars, zoals die te zien zijn op IdeelArt, engageren verzamelaars zich met het huidige hoofdstuk van een eeuwlange historische dialoog. In tegenstelling tot expressieve stijlen die onlosmakelijk verbonden kunnen lijken met een specifiek moment in de tijd, stelt de wiskundige puurheid van Concrete Kunst het in staat te fungeren als een permanente "visuele anker" in een collectie, een blijvende favoriet voor wie zowel intellectuele strengheid als esthetische rust zoekt.

Tilman - Artitecture (2015) - Fondation Datris

De Erfenis van Concrete Kunst in Hedendaagse Praktijk

De strikte regels die in Van Doesburgs manifest van 1930 werden vastgelegd, die mechanische precisie en het verwijderen van sentimentaliteit eisen, lijken vandaag misschien rigide. Toch leeft de kerngeest van de beweging voort in de hedendaagse praktijk. Kunstenaars blijven de "concrete" realiteit van hun materialen benadrukken, waarbij ze structuur, geometrie en kleur gebruiken, niet om emotie te symboliseren, maar om autonome objecten te creëren die direct met de waarneming van de kijker interageren.

Bij IdeelArt dragen verschillende kunstenaars deze fakkel voort en ontwikkelen ze de traditie voor de 21e eeuw:

Tilman: Een directe erfgenaam van de Concrete traditie, Tilman noemt de beweging expliciet als een primaire inspiratiebron. Zijn "gebouwde omgevingen" en gestapelde objecten vertegenwoordigen de wereld niet; het zijn nieuwe objecten die erin verschijnen. Door gevonden visuele elementen te interpreteren als "gemaakte concrete objecten" via een reductief proces, vervult hij de eis van het manifest voor werken die geconstrueerd zijn in plaats van impressionistisch.

Arvid Boecker: De oprichters van Abstraction-Création riepen beroemd op tot kunst die "door de geest werd bedacht" en met mechanische precisie werd uitgevoerd, waarbij het romantische ego van de kunstenaar werd verwijderd. De Duitse schilder Arvid Boecker belichaamt deze "wetenschappelijke" benadering van creatie. Met zeefdrukrakels in plaats van traditionele penselen verwijdert hij het expressieve gebaar van de hand en behandelt het doek als een plaats van rigoureuze constructie. Hij brengt laag na laag olieverf aan in een systematisch proces van toevoeging en aftrekking, waardoor werken ontstaan waarin kleur geen emotie is, maar een fysiek gewicht en diepte. Zijn praktijk vervult de droom van de beweging van een kunst die net zo objectief en substantieel is als een machine of een gebouw.

Daniel Göttin: Göttin duwt het "plastische" element van Concrete Kunst de driedimensionale ruimte in. Werkend met industriële materialen zoals tape, hout en metaal creëert hij locatie-specifieke interventies die reageren op de architectuur van een ruimte. Zijn kunst is geen venster naar een illusie, maar een fysieke verandering van de realiteit, waarbij het concrete samenspel van licht, schaduw en materiaal wordt benadrukt.

Pierre Muckensturm - XXIV 33 212 (Diptych, 2024)

Ulla Pedersen: De Deense kunstenaar beschrijft haar eigen praktijk als een "concrete verkenning van kleur, materialiteit, vorm en balans". Haar werk voldoet aan de criteria van de beweging voor visuele controleerbaarheid, waarbij ze vaak een "reductief" proces gebruikt om positieve en negatieve elementen te combineren tot nieuwe configuraties. Door "vorm en niet-vorm" naast elkaar te plaatsen, behoudt ze de fascinatie van de beweging voor wiskundige precisie en de autonomie van de vorm.

Brent Hallard: Hallards werk op aluminium en papier belichaamt de "absolute helderheid" die Van Doesburg nastreefde. Zijn monochrome en semi-monochrome beelden van geometrische vormen verwerpen narratief ten gunste van precisie en nauwkeurigheid. Zijn focus op minimalistische iconografie creëert een directe, onbemiddelde visuele ervaring die alleen naar zichzelf verwijst.

Arvid Boecker, van links naar rechts: #1744 (2025), #1691 (2024) en #1740 (2025)  

Pierre Muckensturm: Oorspronkelijk een figuratief schilder, schakelde Muckensturm over op abstractie om een gevoel van "rust en standvastigheid" vast te leggen. Zijn grootschalige olieverfschilderijen en prenten isoleren gebaren, maar in plaats van ze te gebruiken voor expressionistisch verhalen vertellen, behandelt hij ze als structurele componenten. Hij onderzoekt methodisch de transformatie van het doek, waarbij hij werken creëert waarin de "harmonie met de tijd" een gevoel van objectieve, tijdloze realiteit oproept dat lijkt op het Concrete ideaal.

Conclusie: Het Menselijke Element

Hedendaagse kijkers kunnen niet anders dan betekenis vinden in Concrete Kunst. De intentie van de kunstenaar betekent vaak weinig voor ons, omdat we het werk zien in de context van de kunstgeschiedenis en onze persoonlijke geschiedenis. Dat is wat Braziliaanse kunstenaars als Lygia Pape, Hélio Oiticica en Lygia Clark, die de Neo-Concrete Beweging oprichtten, ook beseften. Ze wisten dat zelfs als een kleur, een vorm of een lijn niets anders dan zichzelf refereert, het een nieuwe betekenis krijgt wanneer wij het zelf ervaren. Ondanks de beste pogingen van Concrete Kunstenaars om objectieve zuiverheid te bereiken, is absolute helderheid in abstracte kunst ongrijpbaar, omdat de menselijke geest altijd blij is om erbij te staan en het water te vertroebelen met zijn eigen verbeelding.

Door Phillip Barcio (2017) - Bewerkt door Francis Berthomier (2025).
Uitgelichte afbeelding: ©Brent Hallard - Bondi Bathers Butterfly (2022).

Koop Concrete Kunstwerken bij IdeelArt