Herinnering aan de abstracte textielontwerpen van Lucienne Day

Het is een zeldzame prestatie voor een industrieel ontwerper om zo succesvol de geest van de tijd te vangen dat hun ontwerpen niet alleen op consumentenproducten terechtkomen, maar ook tentoongesteld worden in kunstgalerijen en musea. Bovenaan deze korte lijst staat de naam Lucienne Day. Bijna drie decennia in het midden van de 20e eeuw domineerde Day de functionele textielmarkt, waarbij ze modernistische abstracte visuele talen prachtig vertaalde naar nuttige producten voor het dagelijks leven. Ze heeft nooit aan de Bauhaus gestudeerd, maar haar werk belichaamde de ethos van de school, die verkondigde dat kunst, architectuur en design samen zouden moeten werken op manieren die relevant zijn voor het dagelijks leven van gewone mensen. Day wordt erkend als de eerste ontwerper wiens werk werd gelabeld met de term "Contemporary Design." Ze won een grote prijs op de Milaan Triennale in 1954, en in 1962 eerde de Royal Academy of the Arts haar met de titel Royal Designer for Industry (RDI). Toch was dit slechts één fase van haar onderscheiden carrière. Toen ze in 1975 stopte met werken in de designindustrie, begon Day een nieuwe carrière als abstract kunstenaar, waarbij ze een nieuwe kunstvorm creëerde die ze "Silk Mosaic" noemde. Tegenwoordig worden haar ontwerpen ontdekt door een nieuwe generatie. Haar klassieke modernistische patronen worden opnieuw uitgebracht en opnieuw geïnterpreteerd voor gebruik op hedendaagse meubels. Ondertussen toert de tentoonstelling Lucienne Day: Living Design door het Verenigd Koninkrijk en viert de erfenis van deze unieke kunstenaar met archieffoto's die haar leven en werk documenteren.

Worden Lucienne Day

Désirée Lucienne Lisbeth Dulcie Conradi werd geboren in Surrey, Engeland, in 1917. Ze zei dat ze op jonge leeftijd zich bewust was dat ze kunst wilde studeren, maar dat ze ook wist dat ze niet het leven van een schilder wilde leiden. In plaats daarvan wilde ze dingen maken die door gewone mensen genoten en gebruikt konden worden. Toen ze zich op 17-jarige leeftijd inschreef aan de Croydon School of Art, richtte ze haar studie op textielkunst. Op 20-jarige leeftijd, toen ze overstapte naar het Royal College of Art, begon ze de werken van modernistische abstracte kunstenaars te bestuderen en begon ze zich voor te stellen hoe hun theorieën en visuele talen vertaald konden worden in patronen en ontwerpen die gebruikt konden worden op massaal geproduceerde textiel, zoals kleding, tapijten, gordijnen en handdoeken.

Lucienne Day: Leven in Design Tentoonstelling. © 2018 Arts University Bournemouth

Toch was Day op dat moment niet in goed gezelschap. De meeste ontwerpers van haar generatie in het Verenigd Koninkrijk waren gefocust op traditionele ontwerpmethoden en hadden geen interesse in het combineren van hun werk met dat van de beeldende kunstwereld. Pas tijdens haar laatste jaar op de universiteit ontmoette ze een verwante geest, terwijl ze een schooldans bijwoonde. Een aspirant meubelontwerper genaamd Robin Day, die twee jaar eerder was afgestudeerd aan de RCA, kwam terug om de dans met vrienden bij te wonen. Hij ontmoette Lucienne daar, en de twee realiseerden zich onmiddellijk hun gedeelde bewondering voor modernistisch design en abstracte kunst. Ze trouwden twee jaar later en verhuisden naar een huis dat ze vulden met meubels en textiel die ze zelf hadden gemaakt. Toch moesten hun professionele ambities wachten, omdat Europa in oorlog was. Tekorten en andere oorlogsomstandigheden maakten het starten van een bedrijf onmogelijk. Maar in 1949 veranderde hun fortuin. Lucienne kreeg een contract met Heal Fabrics, wat uiteindelijk resulteerde in de internationale release van meer dan 70 van haar ontwerpen, en Robin verzekerde zich van een partnerschap dat leidde tot het creëren van prijswinnende ontwerpen voor prestigieuze klanten zoals de Royal Festival Hall en de Olympische Spelen van 1968 in Mexico.

Lucienne Day: Leven in Design Tentoonstelling. © 2018 Arts University Bournemouth

De esthetiek van de tijd definiëren

Het meest beroemde en populaire ontwerp dat Lucienne Day creëerde, was ook een van haar eerste. Het ontwerp, genaamd "Calyx", roept de biomorfe vormen op die worden gebruikt in sculpturen van Alexander Calder, en de speelse, golvende lijnen die worden gebruikt in schilderijen van Paul Klee. De vormen van het ontwerp zweven in een bijna afgevlakte leegte, en roepen tegelijkertijd traditionele bloemmotieven en baanbrekende abstracte kunst op. "Calyx" was het ontwerp dat Day de gouden medaille op de Milaan Triennale in 1951 opleverde. Het was zo populair bij het publiek dat het alle verwachtingen overtrof. Het succes bevestigde Day als de leidende stem van de hedendaagse ontwerpbeweging en stelde haar in staat haar werk uit te breiden naar handgedrukt behang, servetten, tafellinnen, modieuze kledingstoffen en vrijwel elke denkbare variëteit aan huistextiel. Terwijl de tijden veranderden en de esthetische tendensen in de kunstwereld verschoven, bleef Day in de trend, en creëerde ze schilderachtige ontwerpen die evocatief zijn van Abstract Expressionisme, en optisch levendige geometrische patronen die doen denken aan het werk van Op Artists zoals Bridget Riley.

Lucienne Day: Leven in Design Tentoonstelling. © 2018 Arts University Bournemouth

Na haar pensionering uit het industrieel ontwerp transformeerde Day haar creatieve leven volledig. Ze gaf het idee van massaproductie op en begon in plaats daarvan met het handmatig stikken van zijden wandtapijten—haar “Silk Mosaics.” Soms figuratief en andere keren puur abstract, deze werken communiceren een persoonlijke visuele taal die onderscheidender is dan alles wat Day eerder had ontworpen. In haar werk als industrieel ontwerper was ze altijd voorzichtig om in lijn te blijven met de visuele talen die al populair waren bij het publiek, waardoor de kunst van die tijd in dagelijks contact kwam met mensen in hun dagelijkse leven. Met haar “Silk Mosaics” bevrijdde ze zichzelf echter om iets persoonlijkers uit te drukken. Deze werken onthullen een diepe en volwassen kennis van hoe vormen, kleuren, patronen en structuren kunnen worden samengevoegd tot krachtige abstracte composities. Day ontwierp ze met architectonische omgevingen in gedachten, wat onthult dat ze ook een scherp oog had ontwikkeld voor hoe visuele kunst samenwerkt met gebouwde ruimtes om dergelijke omgevingen te activeren voor menselijk gebruik. Lucienne Day overleed in 2010, maar haar nalatenschap, die het idee belichaamde van het combineren van modernistische abstractie met het dagelijks leven, leeft voort. Lucienne Day: Living Design is te zien van 19 juli tot 15 september in de Coach House Gallery van Dublin Castle, Ierland.

Uitgelichte afbeelding: Lucienne Day: Living Design Tentoonstelling. © 2018 Arts University Bournemouth

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.

Door Phillip Barcio