De invloed van abstracte kunst op modern en hedendaags design

Abstracte kunstontwerpen zijn overal te vinden, op mode, meubels, architectuur, reclame en bijna elk ander product van hedendaags ontwerp. Of het nu gaat om een schoenenlijn geïnspireerd door Op Art, champagneglazen geïnspireerd door een installatie van Dan Flavin, of setdecoratie in een hiphopvideo geïnspireerd door James Turrell, het is gewoon de nieuwste manifestatie van een oude neiging: ontwerpers beïnvloed door kunst. Het is waar het Bauhaus op was gebaseerd; een totale kunst die alle esthetische fenomenen omvatte. En het is waarom abstracte kunst de basis is van zoveel ontwerp in de cultuur van vandaag.

Abstracte Kunst en Design Herbouwen de Wereld

Na de Tweede Wereldoorlog had de mensheid ontwerpers nodig op een schaal die groter was dan ooit tevoren. Een groot deel van Europa, Azië en het Middellandse Zeegebied had behoefte aan wederopbouw nadat het vrijwel tot puin was gebombardeerd. En het waren niet alleen de gebouwen en stadsstraten die hulp nodig hadden. Een menselijke bevolking die verwoest was door jaren van depressie, hongersnood en oorlog had nieuwe dingen nodig: huisvesting, kleding, vervoer, gereedschap, meubels, openbare ontmoetingsruimtes, telecommunicatie-apparaten, en ga zo maar door.

De industrialisatiecapaciteit van de wereld bereikte een recordhoogte dankzij de mobilisatie voor de oorlog, en de toegepaste kunstenaars in de samenleving vonden ongekende kansen om te herontwerpen wat de nieuwe wereld zou worden en om de cultuur terug te brengen van de rand. Toegepaste kunstenaars zoals architecten, meubelontwerpers, modeontwerpers, autodesigners en industrieel ontwerpers doken vol overgave in de praktijk, en creëerden producten die efficiënt in massa konden worden geproduceerd en die de breedst mogelijke consumentenbasis konden bedienen.

Charles en Ray Eames - Case Study House No. 8

De Yin Yang Theorie op het Werk

De heersende abstracte kunstenaars van die tijd probeerden ook te helpen begrijpen wat er met de wereld was gebeurd. Maar in plaats van de samenleving opnieuw op te bouwen, wat meestal niet wordt beschouwd als binnen het domein van de Schone Kunsten, werkten ze aan het contextualiseren ervan. Abstracte kunstenaars na de oorlog probeerden iets inherents aan henzelf te begrijpen. Ze confronteerden het onbekende, het onderbewuste en de diep persoonlijke aspecten van hun menselijkheid.

Een manier om ernaar te kijken is dat er een balans werd gevonden. Ontwerpers reageerden op de waanzin van de oorlog met efficiëntie en logica. Abstracte kunstenaars reageerden erop met intuïtie en emotie. Deze complementaire krachten hadden beide hun effect op het bewustzijn van de naoorlogse samenleving. Enerzijds werd de westerse wereld zo contemplatief en existentieel diepgaand als nooit tevoren. Anderzijds werd het de meest materialistische.

Ugo Gianattasio - Ongecategoriseerd, 1920

In het tijdperk na de Tweede Wereldoorlog waren Charles en Ray Eames twee van de meest invloedrijke ontwerpers, de makers van de beroemde Eames Chair. In 1949 ontwierpen en bouwden ze hun Case Study House No. 8, dat ze gebruikten als huis en studio. Het gebouw werd beschouwd als de belichaming van hedendaags architectonisch ontwerp in die tijd. Volgens de Eames Foundation maakte het ontwerp deel uit van een project dat bedoeld was om "het leven van de mens in de moderne wereld uit te drukken." Het huis leek op een schilderij van Piet Mondriaan van ongeveer dertig jaar eerder. Mondriaan stierf in 1944. In New York City was in 1950 een van de grootste architectonische prestaties een bekroonde wolkenkrabber die bekend staat als het Lever House. Geëerd als een meesterwerk van moderne architectuur, maakten de strakke lijnen, het gebruik van staal en glas, het uiterst functionele gebruik van ruimte en het totale gebrek aan ornament het een uitstekend voorbeeld van de modernistische architectuur. Het drukte perfect de esthetische zorgen van het Russische constructivisme uit de jaren 1920 uit.

Lever House, New York City

De grootste innovatie in autodesign in 1950 was de uitvinding van de hardtop cabriolet. Wat zou meer logisch zijn? Het is de hoogte van functionaliteit en stijl, gebruikmakend van goedkope, nieuwe, lichte materialen en een groeiende consumentenvraag naar opties. En het slanke ontwerp van de auto's was werkelijk futuristisch, bijna precies zo futuristisch als het Italiaanse futurisme uit de jaren 1920.

1950 Chrysler Town & Country

Heeft abstracte kunst invloed gehad op modern design? Absoluut. Piet Mondrian’s De Stijl esthetiek had duidelijk een diepgaand effect op het huis van de Eames; het was slechts enkele decennia nadat neoplasticisme was geïntroduceerd. Het Lever House was de perfecte constructivistische wolkenkrabber; het kwam slechts enkele decennia nadat de constructivistische architectuur zich had geïntroduceerd. En hardtop cabriolets waren inderdaad de auto's van de toekomst; de toekomst van de jaren 1920 en de toekomst van de jaren 1950.

Wat er in de abstracte kunst in de jaren 1950 gebeurde, was dit: dat was het jaar waarin Jackson Pollock "Nummer 1, 1950" schilderde en Franz Kline "De Hoofd" schilderde.

Jackson Pollock - Nummer 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, olie, emaille en aluminium op canvas, Ailsa Mellon Bruce Fund, 1976.37.1

De Abstracte Expressionisme van Architectuur

Naarmate innovaties in telecommunicatie zich snel ontwikkelden, nam ook de snelheid waarmee abstracte kunst het ontwerp kon beïnvloeden toe. In plaats van 30 jaar duurde het slechts ongeveer 10 jaar voordat Abstract Expressionisme zijn stempel drukte op de wereld van het ontwerp. De esthetiek en filosofie achter Abstract Expressionisme kwamen voort uit een verspreiding van het gehele proces van kunst maken. Het was een terugkeer naar intuïtie, naar de oervormen van onderbewuste invloeden. Het was de vervulling van de ultieme doelstelling van Abstractie: de ontdekking van originaliteit en de ware expressie van de essentie van het unieke individu.

De abstracte expressionistische filosofie manifesteerde zich in de architectuur in de vorm van deconstructivisme. Deconstructivisme trachtte een element van onvoorspelbaarheid te bereiken. In plaats van vast te houden aan functionele vormen die ontbeerden aan ornamentatie, zochten deconstructivistische architecten naar originele vormen die opzettelijk gebruikmaakten van ornamentale designelementen. Veel deconstructivistische architecten ontwierpen gebouwen die zelf deconstructief leken, alsof ze in secties waren gefragmenteerd. Anderen ontwierpen gebouwen die de gebarenesthetiek van abstract expressionistische kunst nabootsten. Hoewel het in de late jaren vijftig werd geïnitieerd, wordt de stijl tot op de dag van vandaag nog steeds gebruikt. De meest herkenbare aanhanger is waarschijnlijk Frank Gehry.

Frank Gehry’s Guggenheim Bilbao

Tegen het midden van de jaren zestig imiteerden de ontwerptrends bijna onmiddellijk de trends in abstracte kunst, met name modeontwerp. Bridget Riley schilderde haar baanbrekende Op Art werk, Movement in Squares, in 1961. Time magazine introduceerde de term "Op Art" in 1964 als reactie op een tentoonstelling van het werk van Julian Stanczak in de Martha Jackson Gallery in New York. In 1965 was de stijl zo volledig weergegeven in de populaire cultuur dat deze werd genoemd in een fotoserie in Vogue Magazine.

Bridget Riley - Beweging in Vierkanten, 1961. Tempera op hardboard. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Met dank aan Karsten Schubert, Londen

Minimale invloeden

In de jaren 1970 was een van de belangrijkste stijlen van abstracte kunst het Minimalisme, en een van de meest invloedrijke stemmen van het Minimalisme was een kunstenaar genaamd Donald Judd. Judd en zijn tijdgenoten probeerden werk te maken dat fundamenteel anders was dan de werken van eerdere abstractie kunstenaars, vooral de Abstract Expressionisten. Minimalisme elimineerde persoonlijke biografische elementen uit het werk en zocht naar vereenvoudigde vormen en een teruggebracht visueel taal.

Wat Judd zo'n fascinerende studie maakt, is dat hij niet alleen een minimalistische kunstenaar was, maar ook een architect en meubelontwerper. Als voorstander van zowel beeldende kunst als toegepaste kunsten, was hij in staat om zijn concepten gelijktijdig te manifesteren in de verschillende velden waarin hij werkte. In sommige opzichten was Judd de personificatie van de idealen van de Bauhaus, of van Art Nouveau, die beide de nadruk legden op een gelijktijdige expressie van alle kunsten die samenwerkten aan dezelfde ideeën.

Donald Judd - Prototype Desk, 1978. LACMA Collectie. Gift van de Collectors Committee 2011. © Museum Associates/LACMA

Judd was ook een fervent schrijver en theoreticus, en had dit te zeggen over het verschil tussen de beeldende kunsten en de toegepaste kunsten: “De configuratie en de schaal van kunst kunnen niet worden overgebracht naar meubels en architectuur. De intentie van kunst is anders dan die van het laatste, dat functioneel moet zijn. Als een stoel of een gebouw niet functioneel is, als het alleen maar kunst lijkt te zijn, is het belachelijk...” Die filosofie is duidelijk zichtbaar in het verschillende werk dat hij maakte.

Donald Judd - Untitled, 1971

Vorm versus functie

Het essentiële verschil tussen abstracte kunst en design is dat abstracte kunst, net als alle beeldende kunst, iets is dat op een contemplatief niveau moet worden ervaren. Het kan intellectueel, viscerale, inspirerend of esthetisch mooi zijn. Het is bedoeld om ons aan het denken te zetten, te voelen, te overwegen, te evolueren en te verwonderen over de betekenis van onze ervaringen. De functie van design is heel anders. Het is een manier om het nut of het genot van consumentenproducten te vergroten. Design moet een functie dienen, anders is het, zoals Judd zei, absurd.

De diepgaande invloed van abstracte kunsttendensen zoals Abstract Expressionisme, Op Art, Neoplasticisme en Minimalisme op alle toegepaste kunsten, van modeontwerp tot meubelontwerp tot architectuur en verder, kan niet worden overdreven. En gelukkig leven we vandaag de dag in een tijd waarin we snel toegang hebben tot de geschiedenis van zowel abstracte kunst als design, en zelf de diepgaande effecten kunnen zien die de esthetiek en filosofie van abstracte kunst uitoefenen op designtendensen.

Interessant is dat we ook in een tijd leven waarin we die effecten op een directe manier kunnen zien. Een abstracte schilder kan een foto van haar nieuwe schilderij op Instagram uploaden en seconden later kan een modeontwerper in Milaan dat beeld gebruiken als inspiratie voor zijn nieuwe lentelijn. Of vice versa. Een modeontwerper kan een foto van een nieuwe jurk uploaden, en het kan een viscerale impact hebben op een abstracte kunstenaar, die dan misschien nieuwe wegen in de abstracte kunst inslaat. Vandaag de dag kan alles invloed hebben op alles, terwijl onze cultuur vrolijk vooruit springt om het nieuwe te ontmoeten.

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio