De invloed van abstracte kunst op modern en hedendaags design

Abstracte kunstontwerpen zijn overal te vinden: in mode, meubels, architectuur, reclame en vrijwel elk ander product van hedendaags design. Of het nu gaat om een schoenenlijn geïnspireerd door Op Art, champagneglazen geïnspireerd door een installatie van Dan Flavin of decor in een hiphopvideo geïnspireerd door James Turrell, het is slechts de nieuwste uiting van een eeuwenoude tendens: ontwerpers die door kunst worden beïnvloed. Daarop was het Bauhaus gebaseerd: een totale kunst die alle esthetische fenomenen omvatte. En daarom vormt abstracte kunst de basis van zoveel design in de hedendaagse cultuur.

Abstracte kunst en design herbouwden de wereld

Na de Tweede Wereldoorlog had de mensheid meer dan ooit behoefte aan ontwerpers op grootse schaal. Grote delen van Europa, Azië en het Middellandse Zeegebied moesten worden herbouwd nadat ze vrijwel tot puin waren gebombardeerd. En het waren niet alleen de gebouwen en stadsstraten die hulp nodig hadden. Een bevolking die door jaren van depressie, hongersnood en oorlog was verwoest, had behoefte aan alles wat nieuw was: woningen, kleding, vervoer, gereedschap, meubels, openbare ontmoetingsruimten, telecommunicatieapparatuur en nog veel meer.

Dankzij de mobilisatie voor de oorlog was de industrialisatiecapaciteit van de wereld groter dan ooit. De toegepaste kunstenaars van de samenleving kregen daardoor ongekende mogelijkheden om opnieuw vorm te geven aan wat de nieuwe wereld zou worden en om de cultuur van de rand van de afgrond terug te brengen. Toegepaste kunstenaars zoals architecten, meubelontwerpers, modeontwerpers, auto-ontwerpers en industrieel ontwerpers stortten zich voluit op praktische oplossingen. Ze creëerden producten die efficiënt in massa konden worden geproduceerd en die geschikt waren voor een zo breed mogelijke consumentenbasis.

Charles en Ray Eames - Case Study House nr. 8

De yin-yangtheorie in de praktijk

De toonaangevende abstracte kunstenaars van die tijd probeerden eveneens te begrijpen wat er met de wereld was gebeurd. Maar in plaats van de samenleving opnieuw op te bouwen - iets wat doorgaans niet tot het domein van de beeldende kunst wordt gerekend - probeerden zij haar in een context te plaatsen. Abstracte kunstenaars van na de oorlog probeerden iets te begrijpen dat diep in henzelf besloten lag. Ze gingen de confrontatie aan met het onbekende, het onderbewuste en de diep persoonlijke aspecten van hun menselijkheid.

Je kunt het ook zo bekijken: er werd een balans gevonden. Ontwerpers reageerden op de waanzin van de oorlog met efficiëntie en logica. Abstracte kunstenaars reageerden erop met intuïtie en emotie. Deze elkaar aanvullende krachten beïnvloedden beide het bewustzijn van de naoorlogse samenleving. Enerzijds werd de westerse wereld beschouwender en existentieel diepzinniger dan ooit tevoren. Anderzijds werd zij materialistischer dan ooit.

Ugo Gianattasio - Naamloos, 1920

In het tijdperk na de Tweede Wereldoorlog waren Charles en Ray Eames, de makers van de beroemde Eames Chair, twee van de invloedrijkste ontwerpers. In 1949 ontwierpen en bouwden zij Case Study House nr. 8, dat ze als woning en studio gebruikten. Het gebouw werd destijds beschouwd als het hoogtepunt van de hedendaagse architectuur. Volgens de Eames Foundation maakte het ontwerp deel uit van een project dat bedoeld was om “het leven van de mens in de moderne wereld uit te drukken”. Het huis leek op een schilderij van Piet Mondriaan van ongeveer dertig jaar eerder. Mondriaan stierf in 1944. In New York werd in 1950 een van de grootste architectonische prestaties bekroond: een bekroonde wolkenkrabber die bekendstond als het Lever House. Het gebouw werd geprezen als een meesterwerk van de moderne architectuur. De strakke lijnen, het gebruik van staal en glas, het uiterst functionele ruimtegebruik en het volledige gebrek aan ornament maakten het tot een uitmuntend voorbeeld van modernistische architectuur. Het drukte de esthetische ideeën van het Russische constructivisme uit de jaren 1920 perfect uit.

Lever House, New York

De grootste innovatie in auto-ontwerp in 1950 was de uitvinding van de cabriolet met een vast dak. Wat kon er logischer zijn? Het was het toppunt van functionaliteit en stijl, met gebruik van goedkope, nieuwe, lichte materialen en inspelend op de groeiende vraag van consumenten naar keuze. En het gestroomlijnde ontwerp van de auto's was werkelijk futuristisch, bijna precies zo futuristisch als het Italiaanse futurisme uit de jaren 1920.

Chrysler Town & Country uit 1950

Had abstracte kunst invloed op modern design? Absoluut. De esthetiek van De Stijl van Piet Mondriaan had duidelijk een diepgaande invloed op het huis van de Eames, slechts enkele decennia nadat het neoplasticisme was geïntroduceerd. Het Lever House was de perfecte constructivistische wolkenkrabber; het werd alleen enkele decennia gebouwd nadat de constructivistische architectuur zich had aangediend. En cabriolets met een vast dak waren inderdaad de auto's van de toekomst: de toekomst van de jaren 1920 en die van de jaren 1950.

Wat er in de abstracte kunst van de jaren 1950 gebeurde, was het volgende: in dat jaar schilderde Jackson Pollock “Number 1, 1950” en schilderde Franz Kline “The Chief”.

Jackson Pollock - Number 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, olie, email en aluminium op canvas, Ailsa Mellon Bruce Fund, 1976.37.1

Het abstract expressionisme van de architectuur

Naarmate innovaties in de telecommunicatie zich snel ontwikkelden, nam ook de snelheid toe waarmee abstracte kunst design kon beïnvloeden. In plaats van dertig jaar had het nog maar ongeveer tien jaar nodig voordat het abstract expressionisme zijn stempel op de designwereld drukte. De esthetiek en filosofie achter het abstract expressionisme ontstonden door verspreiding van het volledige proces van kunst maken. Het was een terugkeer naar intuïtie, naar de oeroude oorsprong van invloeden uit het onderbewuste. Het was de verwezenlijking van het ultieme doel van abstractie: de ontdekking van originaliteit en de ware uitdrukking van de essentie van het unieke individu.

De filosofie van het abstract expressionisme manifesteerde zich in de architectuur in de vorm van deconstructivisme. Het deconstructivisme streefde naar een element van onvoorspelbaarheid. In plaats van zich te houden aan functionele vormen zonder ornamenten, zochten deconstructivistische architecten naar originele vormen waarin ornamentale designelementen nadrukkelijk werden toegepast. Veel deconstructivistische architecten ontwierpen gebouwen die er zelf gedeconstrueerd uitzagen, alsof ze in delen waren uiteengevallen. Anderen ontwierpen gebouwen die de gebarende esthetiek van abstract-expressionistische kunst nabootsten. Hoewel deze stijl aan het einde van de jaren 1950 ontstond, wordt hij nog steeds toegepast. De bekendste aanhanger ervan is waarschijnlijk Frank Gehry.

Guggenheim Bilbao van Frank Gehry

Halverwege de jaren 1960 begonnen designtrends vrijwel onmiddellijk trends in de abstracte kunst te imiteren, vooral in de mode. Bridget Riley schilderde haar baanbrekende Op Art-werk Movement in Squares, in 1961. Het tijdschrift Time bedacht de term “Op Art” in 1964 naar aanleiding van een tentoonstelling van het werk van Julian Stanczak in de Martha Jackson Gallery in New York. In 1965 was de stijl zo volledig doorgedrongen in de populaire cultuur dat ernaar werd verwezen in een fotoreportage in Vogue Magazine.

Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera op hardboard. 123.2 x 121.2cm. © 2018 Bridget Riley. Met dank aan Karsten Schubert, Londen

Invloeden van het minimalisme

In de jaren 1970 was het minimalisme een van de dominante stijlen binnen de abstracte kunst, en een van de invloedrijkste stemmen van het minimalisme was een kunstenaar genaamd Donald Judd. Judd en zijn tijdgenoten wilden werk maken dat fundamenteel verschilde van dat van eerdere abstractionisten, vooral van de abstract expressionisten. Het minimalisme verwijderde persoonlijke biografische elementen uit het werk en streefde naar vereenvoudigde vormen en een uitgeklede beeldtaal.

Wat Judd zo fascinerend maakt, is dat hij niet alleen een minimalistische kunstenaar was, maar ook architect en meubelontwerper. Als voorstander van zowel beeldende kunst als toegepaste kunst kon hij zijn concepten tegelijkertijd tot uitdrukking brengen in de verschillende vakgebieden waarin hij werkte. In zekere zin was Judd de personificatie van de idealen van het Bauhaus en de art nouveau, die beide de nadruk legden op een gelijktijdige uitdrukking van alle kunsten die aan dezelfde ideeën samenwerkten.

Donald Judd - Prototype Desk, 1978. Collectie van LACMA. Geschenk van het Collectors Committee van 2011. © Museum Associates/LACMA

Judd was ook een fervent schrijver en theoreticus. Dit zei hij over het verschil tussen de beeldende kunsten en de toegepaste kunsten: “De configuratie en schaal van kunst kunnen niet worden overgezet naar meubels en architectuur. De intentie van kunst verschilt van die van laatstgenoemde, die functioneel moet zijn. Als een stoel of een gebouw niet functioneel is, als het alleen maar kunst lijkt, is het belachelijk...” Die filosofie is duidelijk zichtbaar in het verschillende werk dat hij maakte.

Donald Judd - Naamloos, 1971

Vorm versus functie

Het essentiële verschil tussen abstracte kunst en design is dat abstracte kunst, net als alle beeldende kunst, op een beschouwelijk niveau wordt ervaren. Ze kan intellectueel, instinctief, inspirerend of esthetisch mooi zijn. Ze is bedoeld om ons te laten nadenken, voelen, overwegen, groeien en ons af te vragen wat onze ervaringen betekenen. De functie van design is heel anders. Het is een manier om het nut of plezier van consumentenproducten te vergroten. Design moet een functie vervullen, anders is het, zoals Judd zei, absurd.

De diepgaande invloed die abstracte kunststromingen zoals het abstract expressionisme, Op Art, het neoplasticisme en het minimalisme hebben gehad op alle toegepaste kunsten, van modeontwerp tot meubelontwerp, architectuur en verder, kan niet worden overschat. En gelukkig leven we vandaag in een tijd waarin we snel toegang hebben tot de geschiedenis van zowel abstracte kunst als design en zelf de diepgaande effecten kunnen zien die de esthetiek en filosofie van abstracte kunst op designtrends hebben.

Interessant genoeg leven we ook in een tijd waarin we die effecten onmiddellijk tot uiting kunnen zien komen. Een abstracte schilder kan een foto van zijn nieuwe schilderij op Instagram plaatsen en enkele seconden later kan een modeontwerper in Milaan die afbeelding gebruiken als inspiratie voor zijn nieuwe voorjaarscollectie. Of omgekeerd. Een modeontwerper kan een foto van een nieuwe jurk uploaden, en die kan een instinctieve reactie oproepen bij een abstracte kunstenaar, die vervolgens nieuwe wegen in de abstracte kunst kan inslaan. Tegenwoordig kan alles al het andere beïnvloeden, terwijl onze cultuur vrolijk vooruit springt om het nieuwe tegemoet te gaan.

Alle afbeeldingen zijn uitsluitend ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio 2016
Bewerkt door IdeelArt (2026)