Waarom kunstcriticus Rosalind Krauss nog steeds cruciaal is voor abstractie

Rosalind Krauss wordt door veel kunstenaars, kunstopleiders en professionals in de kunstwereld beschouwd als de belangrijkste kunstcriticus die nog leeft. En hoewel het onmiskenbaar is dat zij via haar geschriften enkele van de meest invloedrijke kunsttheorieën van de afgelopen vijftig jaar heeft verspreid, kan ik er met mijn verstand niet bij waarom zij met dat woord wordt bestempeld: criticus. Volgens mijn begrip van wat zij doet, is Krauss geen criticus. Zij is een anti-criticus. Zij is iemand die diep nadenkt over kunst en erover schrijft, maar die niet bepaalt hoe wij de waarde ervan moeten inschatten. Zij is een kunstschrijver. Zij is een pleitbezorger van kunst. Zij is een verdediger van kunst. Maar kritiek? Wie heeft dat nodig? Kunstenaars hebben zeker niets aan kritiek. Het enige wat een kunstenaar hoeft te horen is lof. Kritiek is voor de markt. Het is een manier om normen van smaak te handhaven. Maar er bestaat niet zoiets als “goede” kunst of “slechte” kunst. Het enige wat kunstcritici uiteindelijk doen is ruzies beginnen, het plezier bederven en mogelijkheden beperken. Ze verspreiden onder de massa subjectieve en vaak ongefundeerde waardeoordelen. Ze beïnvloeden de publieke opinie op basis van de mening van een minderheid van één. Maar wat Krauss haar leven lang heeft gedaan, is naar mijn mening het tegenovergestelde. Zij heeft de mogelijkheden van kunstenaars vergroot. Zij heeft de status quo uitgedaagd en vergrootte al meer dan vijf decennia lang voortdurend de manier waarop mensen zich bevoegd voelen om naar kunst te kijken, erover te praten en erover te schrijven. Wat mij betreft heeft Krauss mij via haar geschriften geleerd dat het belangrijkste wat ik kan doen in dienst van een kunstwerk is het beschrijven ervan. Zij toonde mij dat doordachte, nauwkeurige beschrijving het hoogste compliment is dat ik een kunstenaar of een kunstwerk kan geven, veel hoger dan het oordeel vellen: zeggen dat iets “goed” is, of dat ik iets “mooi” vind. Smaak is subjectief. Oordeel is manipulatief. Nauwkeurige beschrijving toont aan dat men het werk genoeg heeft gerespecteerd om er goed naar te kijken en het eerlijk te vertalen in eenvoudige taal die iedereen kan begrijpen.

De jonge Rosalind Krauss

Rosalind Krauss werd geboren in 1941 in Washington, D.C. Haar vader was advocaat bij het Amerikaanse Ministerie van Justitie. Hij nam Rosalind vaak mee naar de National Gallery of Art. Daar begon zij de wens en het vermogen te ontwikkelen om intellectueel te spreken over de waarde van moderne kunst. In een interview uit 2016 met Dylan Kerr voor Artspace herinnerde Krauss zich dat haar vader kritisch was over moderne kunst. Maar zelfs als jonge vrouw voelde zij zich gedreven om het werk te verdedigen. Ze had het idee dat het van levensbelang was en pleitte er regelmatig voor bij haar vader tijdens rondleidingen door het museum. “Ik nam een zekere strijdlust aan,” zegt ze, “want ik moest mijn vader ervan overtuigen dat deze moderne kunstwerken niet nep waren, dat ze echt belangrijk waren. Dit verscherpte mijn verlangen om uit te leggen.”

In 1958 schreef ze zich in aan Wellesley College en begon ze aan wat een levenslange wetenschappelijke carrière zou worden, gewijd aan het idee om het belang van kunst uit te leggen. Ze studeerde kunstgeschiedenis en begon serieus te lezen wat andere kunstschrijvers te zeggen hadden over de heersende trends van dat moment. Het was een spannende tijd voor de Amerikaanse kunst. Abstract expressionisme stond op het hoogtepunt van zijn macht, en kunstenaars die ertegen waren of erdoor geïnspireerd werden, brachten het Amerikaanse kunstlandschap in vele fascinerende richtingen: conceptuele kunst, installatiekunst, aardwerken en landkunst, performancekunst, licht- en ruimtekunst en minimalisme, om er maar een paar te noemen. Krauss was scherpzinnig en opmerkzaam. Hoewel ze geschiedenis snel oppikte, ontwikkelde ze ook haar eigen ideeën over wat ze bestudeerde. En daarbij werd ze geconfronteerd met een harde realiteit van die tijd: het beperkte gezichtspunt over hoe het acceptabel was om over kunst te spreken, en het kleine aantal invloedrijke stemmen dat dat bepaalde.

Rosalind Krauss - The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths (MIT Press), boekomslag

De Bergs

De twee meest invloedrijke kunstcritici in het midden van de 20e eeuw waren Harold Rosenberg en Clement Greenberg. Clement Greenberg was verantwoordelijk voor het maken van de carrières van enkele van de beroemdste kunstenaars uit de naoorlogse periode. Hij is vooral bekend als voorvechter van witte, mannelijke abstract expressionisten zoals Jackson Pollock en Willem de Kooning, en voor het negeren van vrouwen en kunstenaars van kleur. De eenvoudigste manier om te beschrijven hoe Greenberg over kunst schreef, is te zeggen dat hij een formalist was. Hij sprak over schilderijen niet in termen van hun inhoud, hun verhaal of hun culturele betekenis. Hij sprak over kleur, lijn, vorm, oppervlaktes en mediumspecifiteit.

Harold Rosenberg sprak over kunst met een andere taal dan Clement Greenberg. Rosenberg kan het beste worden omschreven als een criticus die zich richtte op de poëtische elementen van kunst. Hij schreef over het vermogen van bepaalde kunstenaars om contemplatief werk te maken en over de transcendente kwaliteiten van hun kunst. Zowel Greenberg als Rosenberg werden breed gerespecteerd en worden nog steeds serieus genomen. In grote mate zijn zij helden omdat zij abstractie in het Amerikaanse bewustzijn grotendeels legitimeerden. Elk op zijn eigen manier leerden deze twee critici de naoorlogse Amerikanen dat abstracte kunst groter, dieper en ingewikkelder was dan de meeste mensen destijds dachten. Ze verhieven abstractie tot hetzelfde prestige als de realistische kunst die musea en geschiedenisboeken vulde. Maar op een andere manier vertegenwoordigden beide critici een oude manier van praten over kunst. Ze gingen er op een gestructureerde manier mee om, geworteld in tradities uit het verleden. Ze oordeelden en gaven waardeoordelen op basis van agenda’s die pasten binnen de bestaande machtsstructuur van de samenleving, en op die manier beperkten ze wat kunst kon worden.

Rosalind Krauss - Perpetual Inventory (October Books), boekomslag

Post-structuralistisch kunstschrijven

Na haar afstuderen aan Wellesley ging Rosalind Krauss naar Harvard, waar ze in 1969 haar doctoraat behaalde. Terwijl ze nog studente was, begon ze te schrijven over kunst in Artforum. Aanvankelijk voelde ze zich aangetrokken tot het werk van Clement Greenberg. Maar na verloop van tijd omarmde ze een post-structuralistisch standpunt. Structuralisme is in wezen het idee dat de wereld begrepen kan worden in termen van herkenbare, beschrijfbare structuren die op hun beurt alles begrijpelijk maken. Geschiedenis wordt vaak gezien als een gestructureerde reeks gebeurtenissen die onvermijdelijk leidden tot de wereld van vandaag. Een structuralistische kunstcriticus gelooft dat elk element van een kunstwerk begrepen kan worden in termen van hoe het zich verhoudt tot een bestaand, gestructureerd denksysteem. En post-structuralisme daagt dat idee in wezen uit.

Post-structuralistisch kunstschrijven is niet zozeer kritiek als wel het niet nastreven van een definitief oordeel over een kunstwerk. Post-structuralisme nodigt uit tot meerdere interpretaties. Het pleit voor individuele beoordeling. Het verwerpt de autoriteit van geërfde structuren. Het pleit voor het spreken over zaken op manieren die de status quo in vraag stellen. Het erkent dat historische sociale structuren een manier van zien en omgaan met de wereld ondersteunen die past binnen de bestaande verhalen van de machthebbers. Post-structuralisten geloven dat door die manieren van zien en omgaan met de wereld uit te dagen, een meer diverse, rechtvaardige, experimentele en interessante wereld kan ontstaan: een die uiteindelijk ook waarachtiger zal zijn.

Rosalind Krauss - Bachelors, boekomslag

Over het raster

Na tien jaar schrijven voor Artforum vertrok Rosalind Krauss om samen met Annette Michelson een nieuw kunsttijdschrift op te richten, genaamd October. Het idee van October was om nieuwe manieren van denken over kunst te bevorderen. Het tijdschrift werd genoemd naar de maand die het begin van de Bolsjewistische Revolutie markeerde. In de pagina’s van October heeft Krauss haar meest invloedrijke kunstschrijfsels gepubliceerd. In volume 8 publiceerde ze haar essay Sculpture in the Expanded Field, dat een sterk verruimd gezichtspunt op beeldhouwkunst uitlegde. Het essay beschreef niet een specifieke manier om beeldhouwkunst te definiëren, maar begon een gesprek over het vinden van een manier om te spreken over plastische kunsttendensen zonder ze rigide te hoeven definiëren. Dit essay blijft een levenslijn voor experimentele, multidisciplinaire kunstenaars van vandaag.

En in volume 9 van October publiceerde Krauss een essay genaamd Grids, dat door velen tegenwoordig wordt beschouwd als een van de belangrijkste essays uit de 20e eeuw die abstractie uitleggen. Het essay onderzoekt de geschiedenis van het gebruik van rasters in de kunst en overdenkt de verschillende manieren waarop kunstenaars hun werk hebben teruggebracht tot verkenningen van het raster. Wat opmerkelijk is aan het essay, naar mijn mening, is dat het ondanks de academische onderbouwing en hoge beschrijvingskracht open is en tot weinig conclusies komt. Eén generalisatie waar Krauss wel toe komt, is het idee dat rasters uiteindelijk symbolisch zijn. Maar wat ze symboliseren, blijft open. Krauss presenteert vele voorbeelden, opent vele mogelijkheden en onderbouwt die met onderlegde voorbeelden. Maar uiteindelijk beschrijft ze veel meer dan ze oordeelt. En dat is voor mij haar grootste nalatenschap. Ze opent de deur voor wat er hierna kan komen en laat de toekomst van kunst zich ontvouwen zoals zij wil.

Rosalind Krauss - The Optical Unconscious, boekomslag

Afbeelding: Rosalind Krauss, foto door Judy Olausen, ca. 1978

Door Phillip Barcio