Bak Joan Snyders transcenderende praksis

Joan Snyder har oppnådd noe få kunstnere gjør: hun har blitt et ikon. Vanligvis, for å bli ansett som ikonisk, må en kunstner fokusere på en enkelt stil, en enkelt teknikk eller en enkelt signaturmetode. Jackson Pollock er et ikon på grunn av sine sprutmalerier; Georgia O’Keeffe er et ikon på grunn av sine blomsterbilder; Mark Rothko er et ikon på grunn av sine Color Field-malerier; Yves Klein er et ikon på grunn av sin signaturbruk av "IKB Blue." Listen kan fortsette i det uendelige. Det som gjør Snyder til et perfekt ikon for vår tid, er imidlertid at hun ikke er kjent for én spesifikk ting. Hun har gjort en innsats for ikke å lage noen bestemt type arbeid, eller bruke noen bestemt metode eller teknikk. Siden hun først fikk anerkjennelse for sitt arbeid på slutten av 1960-tallet, har hun kontinuerlig utviklet sin praksis. Hver maleri hun lager har en logikk for seg selv, definert av fortiden bare i den grad den er informert av den. Snyder besitter en iboende likbar form for intuisjon, en som i noen kretser kan oppfattes som visdom eller opplysning, men som egentlig er mer som ydmykhet. Hun omfavner det som var, aksepterer dens innflytelse over det som er, og later ikke som hun vet hva som vil bli. Den holdningen holder henne forsiktig optimistisk til tross for lidelsen hun har gjennomgått, og den holder maleriene hennes uendelig friske. Seerne vil aldri kunne forutsi hva Snyder kommer til å gjøre neste gang i studioet sitt, fordi hun selv ikke egentlig vet. Selv om hun planlegger og skisserer og febrilsk noterer ned ideer, sier hun at maleriene hennes faktisk er mer som jazz—"de skjer bare." Snyder overskrider alle forsøk på å merke arbeidet hennes ved å nekte å begrense det. Hun forblir åpen, ærlig og fri. I motsetning til de fleste andre ikoniske kunstnere, som blir fanget av en sannhet de har adoptert som er pålagt dem av historien eller markedet, er Snyder et ikonisk eksempel på en kunstner som vet at hun bare må være tro mot seg selv.

Den Første Maksimalisten

Hvis det er ett ord Snyder kan risikere å bli merket med, ville det være termen "Maximalist." Født i 1940, fikk hun sin mastergrad i kunst i 1966 fra Rutgers University, et par mil fra der hun vokste opp i Highland Park, New Jersey. Kunstverdenen på den tiden flørtet med et lite antall distinkte bevegelser: Pop Art, Op Art, den andre bølgen av Abstract Expressionism, konseptkunst, performancekunst. Men uten tvil var den mest dominerende fremvoksende trenden Minimalisme. Kunstnere som Donald Judd, Sol Le Witt og Frank Stella forbløffet øynene og sinnene til kunstentusiaster med sine nedtonede, usentimentale komposisjoner. For mange seere, kuratorer og forhandlere, virket deres arbeid som det perfekte motgift mot to tiår med følelsesladede verk av kunstnere som var opptatt av å uttrykke hver eneste en av sine innerste underbevisste følelser.

Joan Snyder - Kan vi gjøre vår raseri om til poesi, 1985. Farge litografi på Rives BFK-papir. 30 1/4 × 44 1/4 tommer; 76,8 × 112,4 cm. Utgave Printersproof/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, New York. © Joan Snyder

Snyder så disse minimalister og satte pris på strukturen og selvtilliten i arbeidet deres. Men hun innså også at arbeidet deres ikke hadde noe med henne personlig å gjøre. For den saks skyld tenkte hun ikke spesielt at noen av de andre bevegelsene hadde noe med henne å gjøre heller. Hun oppfattet alle disse kunstbevegelsene som utviklet seg fra et patriarkalsk kunstmarked og et skjevt, ufullstendig, mannsfokusert syn på kunsthistorie. Hun visste ikke nøyaktig hvilken type malerier hun ønsket å lage, men hun visste at uansett hva hun malte, ville det være tro mot seg selv. De første maleriene hun laget etter skolen var maleriske utforskninger av språket til rutenettet. Deretter kom en serie såkalte "Stroke"-malerier, som kartla det visuelle språket av penselstrøk. Begge var forsøk på å bygge en personlig syntaks som hun kunne kommunisere lagdelte, komplekse personlige narrativer med. I mellomtiden var den ene tingen hun fokuserte på over alt annet å legge mer og mer inn i arbeidet til det sa det hun ønsket at det skulle si. Hun sier: "Min hele idé var å ha mer, ikke mindre i et maleri." Hennes tilnærming ble kalt "Maximalisme."

Joan Snyder - Høstsang, 2002. Olje og blandet media på lerret. 50 × 96 tommer; 127 × 243,8 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder

En arv av kamp

Snyder har noen ganger sammenlignet verkene sine med symfonier. Uten tvil kan blandingen av impasto-lag, rusk, drypp og globulære former i malerier som "Amor Matris" (2015) eller "Symphony VII" (2014) leses som visuell musikk som venter på oversettelse av det plagede instrumentet i våre sjeler. Likevel deler disse maleriene også noe til felles med episk litteratur. Fortellinger utspiller seg, drevet frem av den intense mørke og lyset i fargene og tonene. Rå, primitive former erklærer seg selv å ha karakter og stolthet; deres kamp for å bli noe mer presenterer en formidabel utfordring for våre øyne og sinn. Ordene Snyder introduserer til malerier som "Powdered Pearls" (2017)—noen ganger ved å skrive dem og noen ganger ved å ripe dem inn i mediet—veileder våre tanker og vårt humør. I slutten har imidlertid sangene vi hører eller historiene vi leser i disse bildene mer å gjøre med vår egen indre fortelling enn hva som helst som fikk Snyder til å sette pensel mot overflate.

Joan Snyder - Powdered Pearls, 2017. Blandet media. Olje, akryl, stoff, fargeblyant, pastel, perler og glitter på lerret. 137,0 × 91,5 cm. 53,9 × 36,0 tommer. Franklin Parrasch Gallery. © Joan Snyder

Uansett hvordan vi velger å se på maleriene Snyder lager, er den ene ubestridelige tingen de alle har til felles deres arv av kamp. Snyder har kjempet med seg selv for å bringe dem til eksistens—et faktum som er bevist av deres enorme visuelle kompleksitet og materielle dybde. Og likevel er de ikke bevis på den typen kamp vi helst vil unngå. I stedet er de bevis på en nesten gledelig kamp. De stråler med den typen ungdommelig stolthet vi bærer med oss i alle aldre når vi overkommer vår naturlige menneskelige angst. Det er som om de i sin vandrende fortelling prøver å tilby oss vanskelige å forklare, men ubestridelige løsninger på problemer vi alltid har visst at vi har, men takket være Snyder og hennes innsats for å være tro mot seg selv vet vi nå at vi har til felles.

Uthevet bilde: Joan Snyder - Liten havlandskap, 2011. Olje og akryl på lin. 18 × 24 tommer; 45,7 × 61 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio