Hvordan Karel Appel Brøt Regler Gjennom Et Eksperiment

I dag tar vi det for gitt at kunst er et skapende felt. Men hva betyr det? For at noe skal bli skapt, må det ikke ha eksistert tidligere. Skaperevne krever originalitet. Kunstnere er derfor opphavsmenn. Men slik har det ikke alltid vært. I 1921, da Karel Appel ble født, begynte skaperevnen så vidt å hevde seg som drivkraften i kunsten. Historisk sett, før modernismen, ble suksess i kunstverdenen oftere oppnådd gjennom teknisk og estetisk mestring enn gjennom skaperevne. Profesjonelle kunstnere ble forventet å etterligne den observerbare verden, eller i det minste referere til den, og gjøre det på en måte som ga intellektuell mening. Selv abstrakte kunstnere måtte kunne forklare til betraktere og kritikere hva de gjorde og hvorfor, ved å vise til ideologier og metoder som var forankret i eksisterende tankemønstre. Karel Appel var en del av generasjonen av kunstnere som utfordret denne tilnærmingen til kunstskaping. I stedet for å nærme seg kunsten ut fra det som allerede eksisterer, gikk Appel inn for en kunst som uttrykker det som ennå ikke finnes. På denne måten innførte han et nytt paradigme for kunstnere basert på skaperevne og originalitet, som ikke bare brøt reglene, men kanskje også avskaffet behovet for regler helt.

Ubestemt eksperimentering

Vi kjenner nok alle til ordtaket «Hvis det ikke er ødelagt, ikke reparer det.» Så kort og klisjéaktig det enn høres ut, uttrykker det følelsen som ligger i kjernen av modernismen. På slutten av 1800-tallet kunne enhver i den vestlige verden med et globalt perspektiv og evne til kritisk observasjon tydelig se at «det var ødelagt»: «det» var menneskelig framgang. Logikken i den vestlige sivilisasjonen hadde ført til en atmosfære av intens konkurranse og vold som truet med å rive menneskeheten i stykker. Selv om mange på den tiden tjente økonomisk eller på andre måter på det ødelagte systemet, var det mange flere som så at det var på tide med en forandring.

Modernismen er navnet vi bredt bruker om epoken som begynte mot slutten av 1800-tallet, da en rekke omfattende omveltninger ble gjort av folk som ønsket å tenke nytt om hva det moderne menneskesamfunnet er og kan være. Det grunnleggende prinsippet i modernismen ble best uttrykt av forfatteren Ezra Pound, da han sa: «Make it new!» Han snakket om det utbredte ønsket mange hadde om å skape en alternativ kulturell virkelighet. Men spørsmålet som alle modernister stilte seg, var: «Hvordan gjør vi det nytt?» De fleste svarene som ble foreslått, handlet om å finne opp nye kunststiler, abstrahere dagens verdenssyn eller fornye bruken av estetiske elementer som farge, linje eller form. Løsningen Karel Appel foreslo, var unik. Den ignorerte estetikk og stil fullstendig, og fokuserte på én enkel faktor: originalitet, muliggjort av ubegrenset frihet til å eksperimentere.

Karel Appel - The Wild Firemen, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Fraværets nærvær

For Appel hadde den kunstneriske handlingen ingen verdi knyttet til produktet som til slutt ble skapt som følge av handlingen. Det viktige var den skapende prosessen. Poenget var ikke at en kunstner skulle snakke om hva som skulle lages, eller bedømme eller forklare det som til slutt ble laget. Poenget var rett og slett å skape: å la noe ukjent komme til syne, la det uvirkelige bli virkelig. Som Appel sa: «Hvis penselstrøket er så viktig, er det fordi det uttrykker nettopp det som ikke er der.»

Karel Appel - Uten tittel skulptur, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Det har ofte blitt bemerket at Appels tidligste forsøk på uhemmet eksperimentell estetisk skapelse ligner bilder laget av barn. Deres kvasi-figurative, kvasi-abstrakte komposisjoner bruker et tilsynelatende kaotisk vokabular av farger og grunnleggende uttrykk av linje og form. De ble opprinnelig så misforstått at da de først ble vist på slutten av 1940-tallet, ble de offentlig gjort narr av. Men Appel lot seg ikke stoppe. Han var ikke motivert av offentlig godkjenning. Han var dedikert til å møte fravær gjennom en prosess med å manifestere nærvær. Han var på en reise mot originalitet, uten hensyn til hvor reisen endte eller hvordan den så ut.

Karel Appel - Mindscape #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Karel Appel og CoBrA-gruppen

Hva var det som var så sjokkerende med Appels malerier? Var det at han tilsynelatende ikke brydde seg om de estetiske resultatene av prosessen sin? Eller var det friheten han skapte med som var så forstyrrende? Svaret kan finnes i omstendighetene i verden som Appels kunst ble introdusert i. Hans første utstilling fant sted i 1946, da Europa nettopp hadde kommet ut av andre verdenskrig. Den utbredte oppfatningen var at verden hadde blitt gal. Praktiske hensyn ved gjenoppbygging av kontinentet og konfrontasjon med de enorme tapene påførte kulturen en sterk følelse av eksistensiell angst. Det var et sterkt metafysisk ønske om å sette krigen i en sammenheng slik at overlevende kunne føle at ofringen hadde vært verdt kostnaden.

Under krigen var innbyggerne i Danmark, Nederland og Belgia i praksis fullstendig avskåret fra resten av verden på grunn av den tyske okkupasjonen av deres territorium. Rett etter krigen ble det klart at en liten gruppe kunstnere som hadde tilbrakt krigen i København, Brussel og Amsterdam, hadde kommet fram til en lignende tilnærming til kunstskaping. Gruppen, som inkluderte Appel, forkastet logikken og rasjonalet til eksisterende vestlige institusjoner. De ble inspirert av primitiv folkekunst og barns kunstverk. De laget kunst basert på intuisjon, spontanitet og uttrykksfrihet. Da disse kunstnerne begynte å stille ut sammen, ble de kalt CoBrA-gruppen, et navn hentet fra de første bokstavene i deres hjemsteder.

Karel Appel - Questioning Children, 1949. Gouache på tre. Objekt: 873 x 598 x 158 mm, ramme: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

En sammensmeltning av påvirkninger

Appel kom ikke fram til sin tilnærming i et vakuum. Han nevner i sine skrifter at han så en utstilling med Kurt Schwitters, sin første opplevelse av det han kaller et objet trouvé, et kunstverk laget av funnede gjenstander. Han beskriver opplevelsen som «knusende». Den frigjorde ham fra behovet for å følge historiske tradisjoner knyttet til medier, og for den saks skyld fra alle historiske tradisjoner overhodet. Den intuitive, barnslige friheten som Appel skaper med, skylder også en takk til kunstnere som Paul Klee og Joan Miro, som begge formidlet en ånd av uhindret frihet i sine verk.

Utover kunstneriske påvirkninger skriver Appel også om tre andre innflytelser på sin tenkning. Han nevner boken Leaves of Grass av den amerikanske poeten Walt Whitman, det lange diktet The Songs of Maldoror av den uruguayansk-franske forfatteren Comte de Lautréamont, og skriftene til Jiddu Krishnamurti, en innflytelsesrik tenker om menneskets natur. Samlet viser disse påvirkningene et bredt spekter av tanker. Leaves of Grass er en av de mest veltalende og optimistiske hyllestene til frihet og åpenhet som noen gang er skrevet. The Songs of Maldoror er derimot en av de mest særpregede utforskningene av total ondskap som er komponert. Samtidig oppmuntret Jiddu Krishnamurti til dedikasjon kun til personlig bevissthet for å erfare sannhet og bli fri.

Karel Appel - fra Nude-serien, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Appels arv

Ved å observere barns og folkekunstneres uhemmede entusiasme fant Appel en vei til å oppdage i seg selv den samme følelsen av frihet. Han satte stor pris på verdien av et fritt menneskesinn. Han viste på en praktisk måte hvordan kunstnere fritt og spontant kunne uttrykke den indre opplevelsen av sin egen sannhet. Denne handlingen alene inspirerte en hel generasjon kunstnere, inkludert viktige skikkelser som Willem de Kooning og Jackson Pollock, som gikk videre til å forandre verden gjennom bevegelser som Art Informel og Abstrakt ekspresjonisme.

Men utover de enkelte kunstnerne og stilene han påvirket, kan den sanne arven etter Appels bidrag oppsummeres med ordene «skapende prosess». Det er helt takket være kunstnere som Appel at vi i dag tar det for gitt at det viktigste ved kunst bør være originalitet, ikke etterligning. I 1989 oppsummerte Appel sin erfaring med ordene: «Skaperevne er svært skjør. Den er som et blad om høsten; det henger og når det faller vet du ikke hvor det driver… Som kunstner må du kjempe og overleve villmarken for å bevare din skapende frihet.» Ved å omfavne ekte originalitet fjernet Appel behovet for å følge noen annen vei enn den frie uttrykksformen. Gjennom sitt arbeid lærer vi at det viktige ikke bare er å samle, kategorisere og beundre produktene av en kunstners arbeid, men å undre seg over originaliteten og friheten som disse gjenstandene kom fra, og å omfavne deres kilde som den virkelig dyrebare og uendelige prosessen av skaperevne.

Utvalgt bilde: Karel Appel - Little Moon Men, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio