Hvordan Karel Appel Brøt Regler Gjennom Et Eksperiment

Vi tar det for gitt i dag at kunst er et kreativt felt. Men hva betyr det? For noe å bli skapt, må det ikke ha eksistert tidligere. Kreativitet krever originalitet. Kunstnere er derfor opphavsmenn. Men dette har ikke alltid vært tilfelle. I 1921, da Karel Appel ble født, begynte kreativitet akkurat å hevde seg som den drivende kraften i kunsten. Historisk sett, før modernismen, ble suksess i kunstverdenen oftere oppnådd gjennom ting som teknisk og estetisk mestring enn kreativitet. Profesjonelle kunstnere ble forventet å etterligne den observerbare verden, eller i det minste referere til den, og å gjøre det på en måte som ga intellektuell mening. Selv abstrakte kunstnere måtte kunne forklare for seere og kritikere hva de gjorde og hvorfor de gjorde det ved å referere til ideologier og metoder som var forankret i eksisterende tankemønstre. Karel Appel var en del av generasjonen av kunstnere som utfordret denne tilnærmingen til kunstskaping. I stedet for å nærme seg kunst fra perspektivet av hva som allerede eksisterer, talte Appel for en kunst som uttrykte det som ennå ikke eksisterer. Ved å gjøre dette innførte han et nytt paradigme for kunstnere basert på kreativitet og originalitet, som ikke bare brøt reglene, men kanskje også avskaffet behovet for regler helt.

Indeterminert Eksperimentering

Vi er alle sannsynligvis kjent med ordtaket, "Hvis det ikke er ødelagt, ikke reparer det." Så klisjéaktig og kortfattet som det høres ut, uttrykker den følelsen som ligger i hjertet av modernismen. På slutten av 1800-tallet kunne alle i den vestlige verden som hadde et globalt perspektiv og som var i stand til kritisk observasjon, tydelig se at "det var ødelagt:" "det" som refererer til menneskelig fremgang. Logikken i den vestlige sivilisasjonen hadde ført til en atmosfære av intens konkurranse og vold som truet med å rive menneskehetens vev fra hverandre. Selv om det utvilsomt var mange mennesker på den tiden som hadde økonomisk eller annen fordel av det ødelagte systemet, var det mange flere som kunne se at det var på tide med en endring.

Modernismen er navnet vi bredt bruker for å referere til epoken som begynte nær slutten av 1800-tallet, hvor en rekke brede transformative innsats ble gjort av folk for å gjenoppfinne hva moderne menneskesamfunn er og kan være. Den grunnleggende prinsippet for modernismen ble best uttrykt av forfatteren Ezra Pound, da han sa, “Make it new!” Han snakket om det allment holdte ønsket mange mennesker hadde om å bringe til eksistens en slags alternativ kulturell virkelighet. Men spørsmålet i tankene til hver modernist var, “Hvordan gjør vi det nytt?” De fleste av de ulike svarene som ble foreslått involverte å oppfinne nye kunstneriske stiler, eller abstrahere den nåværende måten å se verden på, eller innovere bruken av estetiske elementer som farge, linje eller form. Løsningen Karel Appel foreslo var unik. Den ignorerte estetikk og stil helt, og fokuserte på én enkel faktor: originalitet, muliggjort av uhemmet frihet til å eksperimentere.

Karel Appel - De ville brannmenn, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Fraværets nærvær

For Appel hadde verdien av den kunstneriske handlingen ingenting å gjøre med produktet som til slutt ville bli skapt som et resultat av handlingen. Det viktige var den kreative prosessen. Poenget var ikke for en kunstner å snakke om hva som skulle lages, eller å dømme eller forklare hva som til slutt ble laget. Poenget var rett og slett å skape: å la noe ukjent manifestere seg, og la det uvirkelige bli virkelig. Som Appel sa, “Hvis penselstrøket er så viktig, er det fordi det uttrykker nettopp det som ikke er der.” 

Karel Appel - Uten tittel Skulptur, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Det har ofte blitt bemerket at Appels tidligste forsøk på uhemmet eksperimentell estetisk skapelse ligner bilder laget av barn. Deres kvasi-figurative, kvasi-abstrakte komposisjoner utnytter et tilsynelatende kaotisk vokabular av farge og primale uttrykk av linje og form. De ble opprinnelig så misforstått, faktisk, at da de først ble stilt ut på slutten av 1940-tallet, ble de offentlig latterliggjort. Men Appel lot seg ikke skremme. Han var ikke motivert av offentlig godkjenning. Han var dedikert til å konfrontere fravær gjennom en prosess med å manifestere tilstedeværelse. Han var på en reise mot originalitet, uten hensyn til hvor denne reisen endte opp eller hvordan den så ut.

Karel Appel - Mindscape #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Karel Appel og CoBrA-gruppen

Hva var det som var så sjokkerende med Appels malerier? Var det det faktum at han så ut til å ikke bry seg om de estetiske resultatene av prosessen sin? Eller var det friheten han skapte med som var så forstyrrende? Svaret kan finnes i omstendighetene i verden som Appels kunst ble introdusert til. Hans første utstilling fant sted i 1946, da Europa nettopp hadde kommet ut av andre verdenskrig. Den allment holdte troen var at verden hadde blitt gal. Praktikalitetene ved å gjenoppbygge kontinentet og å konfrontere de svimlende tapene tvang en skarp følelse av eksistensiell angst over kulturen. Det var et sterkt metafysisk ønske om å kontekstualisere krigen for at overlevende skulle føle at ofrene hadde vært verdt kostnaden. 

Under krigen ble innbyggerne i Danmark, Nederland og Belgia effektivt helt avskåret fra resten av verden av den tyske okkupasjonen av deres territorium. Umiddelbart etter krigen ble det klart at en liten gruppe kunstnere som hadde tilbrakt krigen i København, Brussel og Amsterdam hadde kommet til en lignende tilnærming til kunstproduksjon. Gruppen, som inkluderte Appel, avviste logikken og rasjonaliteten til eksisterende vestlige institusjoner. De ble inspirert av primitiv folkekunst og barnekunst. De laget kunst forankret i intuisjon, spontanitet og ytringsfrihet. Da disse kunstnerne begynte å stille ut sammen, ble de kalt CoBrA-gruppen, et navn hentet fra de første bokstavene i deres hjemsteder.

Karel Appel - Spørsmål til barn, 1949. Gouache på tre. Objekt: 873 x 598 x 158 mm, ramme: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

En konvergens av påvirkninger

Appel kom ikke til sin tilnærming i et vakuum. Han nevner i sine skrifter at han så en Kurt Schwitters-utstilling, hans første erfaring med å være vitne til det han kaller et objet trouvé, et kunstverk laget av funnede objekter. Han beskriver opplevelsen som "knusende." Det frigjorde ham fra behovet for å følge historiske tradisjoner angående medier, og for den saks skyld frigjorde det ham fra alle historiske tradisjoner overhodet. Den intuitive, barnslige friheten som Appel skaper med, skylder også en gjeld til kunstnere som Paul Klee og Joan Miro, begge av dem formidlet en ånd av uhemmet frihet i sitt arbeid.

Bortsett fra kunstneriske påvirkninger, skriver Appel også om tre andre påvirkninger på sin tenkning. Han nevner boken Leaves of Grass av den amerikanske poeten Walt Whitman, det lange diktet The Songs of Maldoror av den uruguayansk-franske forfatteren Comte de Lautréamont, og skriftene til Jiddu Krishnamurti, en innflytelsesrik tenker om menneskehetens natur. Samlet sett viser disse påvirkningene et bredt spekter av tenkning. Leaves of Grass er en av de mest veltalende og optimistiske feiringene av frihet og åpenhet som noen gang er skrevet. The Songs of Madoror, derimot, er en av de mest distinkte utforskningene av total ondskap som noen gang er komponert. I mellomtiden oppmuntret Jiddu Krishnamurti til dedikasjon kun til personlig bevissthet for å oppleve sannhet og bli fri.

Karel Appel - fra Nude-serien, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Appels arv

Ved å observere den ubegrensede entusiasmen til barn og folkunstnere, fant Appel en vei til å oppdage den samme følelsen av frihet i seg selv. Han la vekt på verdien av et fritt menneskesinn. Han demonstrerte på en praktisk måte hvordan kunstnere kunne uttrykke den indre opplevelsen av sin egen sannhet fritt og spontant. Den handlingen alene inspirerte en hel generasjon av kunstnere, inkludert så viktige skikkelser som Willem de Kooning og Jackson Pollock, som gikk videre til å forandre verden gjennom bevegelser som Art Informel og Abstract Expressionism. 

Men utover de individuelle kunstnerne og stilene han påvirket, kan den sanne arven etter Appels bidrag oppsummeres med ordene "kreativ prosess." Det er helt takket være kunstnere som Appel at vi i dag tar for gitt at den viktigste aspekten ved kunst bør være originalitet, og ikke etterligning. I 1989 oppsummerte Appel sin erfaring med å si: "Kreativitet er veldig skjør. Det er som et blad om høsten; det henger, og når det faller, vet du ikke hvor det driver... Som kunstner må du kjempe og overleve villmarken for å bevare din kreative frihet." Ved å omfavne sann originalitet eliminerte Appel behovet for å følge noen annen vei enn fri uttrykk. Gjennom sitt arbeid lærer vi at det viktige ikke bare er å samle, kategorisere og beundre produktene av en kunstners arbeid, men å undre seg over originaliteten og friheten som disse objektene kom fra, og å omfavne deres kilde som den virkelig dyrebare og uendelige prosessen av kreativitet.

Uthevet bilde: Karel Appel - Little Moon Men, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio