Hvordan 9th Street Art Exhibition trådte ut av New Yorks kunstkanoner i 1951

Noen sier at 9th Street Art Exhibition var en radikal handling av kulturforstyrrelse. Andre mener det var et desperat tiltak initiert av en gjeng sultne kunstnere som ikke hadde noe annet sted å vise frem arbeidet sitt. I sannhet kan det ha vært litt av begge deler. Uansett er utstillingen legendarisk. Den ble holdt i 1951 i en forlatt butikklokale i Lower Manhattan, i en bygning som skulle rives, og viste verk av rundt 70 kunstnere. Nesten alle deltakerne var praktisk talt ukjente på den tiden, ettersom de var utestengt av gallerier, museer og samlere som styrte New Yorks kunstscene. Deres avvisning skyldtes i stor grad at verkene deres var eksperimentelle og ofte abstrakte, noe som sto i motsetning til smaken i det amerikanske markedet. Nesten alle kunstnerne i utstillingen var også en del av en sosial krets rundt «The Club», en løs sammenslutning av avantgardekunstnere og intellektuelle som møttes jevnlig i en bygning i 39 East 8th Street. En rekke samtaler i The Club om hvordan institusjonene kunne få respekt for arbeidet deres, førte til ideen om at hvis de kunne arrangere en stor gruppeutstilling og skape nok oppmerksomhet i byen, kunne de kanskje bryte gjennom den kritiske tåken og endelig få arbeidet og ideene sine vurdert ærlig og rettferdig av det amerikanske publikum. Med nesten ingen penger mellom seg slo de seg sammen, samlet ressursene sine og klarte å arrangere en monumental utstilling som ikke bare ga mange av dem kritisk anerkjennelse, men som også fundamentalt endret den amerikanske kunstverdenen.

Castelli-forbindelsen

I begynnelsen var den største bekymringen for kunstnerne som deltok i 9th Street Art Exhibition hvem som skulle henge opp utstillingen. Til tross for kameratskapet hadde denne gruppen kunstnere noen av de største egoene verden har sett. De var talentfulle, briljante og sterkt konkurranseinnstilte, og de fryktet med rette at favorisering, politikk eller ren korrupsjon ville føre til at noen kunstnere fikk bedre plassering i utstillingen. Utstillingslokalet besto av et rom i gateplan og en kjeller. Hvem skulle få være oppe, og hvem skulle ned? Hvem skulle ha verkene sine i vinduet? Dette var viktige spørsmål. Den ene personen som alle kunstnerne virket å stole på, var en italiensk innvandrer ved navn Leo Castelli, som hadde noe erfaring som kunsthandler i Europa, og som også var en av få ikke-kunstneriske medlemmer av The Club.

Castelli påtok seg den store oppgaven med å kuratere utstillingen, og han dekket også mesteparten av utgiftene. Leien for det falleferdige lokalet for hele utstillingsperioden var bare 70 dollar. Men nesten alle som var involvert i utstillingen var blakke, og noen sultet bokstavelig talt. Castelli betalte regningen, og kunstnerne gjorde alt arbeidet med å pusse opp lokalet. Franz Kline laget alt reklame- og informasjonsmateriell og designet katalogen. Oppmerksomheten forberedelsene skapte spredte seg over hele New York, og jo nærmere åpningen de kom, desto mer spent og anspent ble stemningen blant kunstnerne. Castelli uttalte år senere at selv om alle var begeistret for oppmerksomheten utstillingen fikk, var nesten hver eneste kunstner misfornøyd med hvordan verkene deres ble presentert. Det betyr at Castelli tydeligvis gjorde jobben sin perfekt, siden det beste målet på en vellykket forhandling er th/blogs/magazine/abstract-expressionist-artists-you-need-to-know

Franz Kline - Plakat for 9th Street Art Exhibition, 1951

En viktig lenke i en viktig kjede

Da 9th Street Art Exhibition åpnet, var det kø nedover gaten av folk som ventet på å komme inn. Blant tilskuerne var noen av de mest innflytelsesrike personene i New Yorks kunstverden – kunsthandlere, samlere og museumsdirektører. Verkene de så i utstillingen var laget av kunstnere som snart skulle bli ledende skikkelser i viktige nye kunstretninger som abstrakt ekspresjonisme, post-malerisk abstraksjon, popkunst, fargefeltmaling, hard edge-abstraksjon og neo-ekspresjonisme, stilarter som bidro til å definere amerikansk kunst på 1950-, 60- og 70-tallet. Noen av disse kunstnerne fikk så gunstig oppmerksomhet at de fikk representasjon i store gallerier som følge av utstillingen, og bare noen få år senere slet flere med helt nye utfordringer knyttet til plutselig rikdom og berømmelse. Likevel var kommersiell suksess langt fra det eneste arvet etter denne utstillingen. Den virkelige grunnen til at 9th Street Art Exhibition var så viktig, er på grunn av hva den gjorde for å opprettholde en lang tradisjon med kunstnerorganiserte kulturelle opprør.

Historien om kunstnerorganiserte motutstillinger strekker seg minst tilbake til 1874, da «Anonymous Society of Painters» holdt sin første utstilling av impresjonistisk kunst i fotografistudioet til kunstneren Nadar. Den fortsatte i 1884, da Salon des Artistes Indépendants holdt sin første utstilling med erklæringen «sans jury ni récompense», «uten jury eller premie». 9th Street Art Exhibition fortsatte denne tradisjonen. Og alle disse utstillingene la grunnlaget for de eksperimentelle kunstnerkollektivene og kunstnerdrevne rommene som definerte avantgarden på slutten av 1900-tallet, og som fortsatt er en drivkraft for nyskaping i dag. Kanskje lever vi nå i en tid der det kommersielle markedet har erstattet statlig sensur og intellektuelle skjevheter fra fortiden. Det virker som om det store flertallet av kunstnere i dag blir ignorert med mindre de kan skape store profitter for kunsthandlere, eller selge titusenvis av billetter for institusjoner. Men dette er ikke en grunn til å bli motløs. Det er snarere den perfekte grunnen til å se tilbake og huske læren fra 9th Street Art Exhibition: at noe av den mest livlige, engasjerende og energiske kunsten i fremtiden sannsynligvis skjuler seg i åpen dag akkurat nå, der vi minst venter det.

Bilde: Franz Kline - Studie for Ninth Street, 1951. Olje og blyant på kartong. 20 x 25,4 cm. (7,9 x 10 tommer)

Av Phillip Barcio