Hard-Edge Maleri og Estetikk av Abstrakt Orden

Vil du klatre inn i en hard-edge maleri? Neste gang du er i Las Vegas, gå til Cosmopolitan Hotel and Casino. På gateplan er det et Starbuck's kaffehus. Gå inn i det og se opp på veggene. Du vil legge merke til lyse flekker av primærfarge malt på forskjellige overflater og innredninger. På en av veggene vil du se signaturen til mannen som malte disse fargene: den franske kunstneren og fotografen Georges Rousse.

"Hvis du går til den fjerne enden av rommet, vil du se et sted merket på gulvet som inviterer seerne til å stå på det. Fra det ene stedet, og kun fra det stedet, blir Rousse sin visjon oppfylt. De malte overflatene er en del av en illusjon, en tredimensjonal realisering av et geometrisk abstrakt maleri som opptar arkitektonisk rom."

John McLaughlin - Uten tittel, 1951, Olje på Masonite, 23 ¾ × 27 ¾ tommer, Med vennlig hilsen fra Van Doren Waxter

Hva er hardkantmaleri?

Uttrykket hard-edge maleri ble myntet på slutten av 1950-tallet av Jules Langsner, en kunstskribent for avisen Los Angeles Times. Begrepet var en referanse til en gammel tendens som begynte å dukke opp igjen i en rekke forskjellige abstrakte kunststiler, men som var spesielt utbredt i California på den tiden. Tendensen involverte bruken av geometriske former malt i sterke, fulle farger som var klart adskilt fra hverandre med harde, solide kanter. To av de ledende hard-edge malerne som Langsner refererte til da han myntet begrepet, var John McLaughlin og Helen Lundeberg.

Denne typen maleri hadde blitt gjort før i århundrer, og hadde gjort sin tilstedeværelse kjent i mange forskjellige kulturer. Selv innenfor rammen av vestlig abstrakt kunst hadde denne tendensen til å arbeide med sterke farger, veldefinerte former og harde kanter dukket opp før, for eksempel i verkene til Kazimir Malevich og Piet Mondrian.

Estetikken til hard-edge maleri hadde falt ut av moten på 1940- og 50-tallet, delvis takket være den økende populariteten til det emosjonelle, gestuelle arbeidet som ble gjort av de abstrakte ekspresjonistene. Når det nå brukes i moderne forstand, refererer begrepet hard-edge maleri ikke så mye til en bestemt stil eller bevegelse innen maleri, men snarere en tendens som moderne kunstnere i mange forskjellige stiler har anvendt, og fortsetter å anvende, i sin estetikk.

Helen Lundeberg - Blue Planet, 1965, Akryl på lerret, 60 x 60 tommer, Marilynn og Carl Thoma-samlingen. © Feitelson Arts Foundation, i samarbeid med Louis Stern Fine Arts

Kazimir Malevich - Rød plass, 1915, Olje på lerret, 21 × 21 tommer, Russisk museum, St. Petersburg

Skjønnhetens filosofi

For mange mennesker er et av de mest forvirrende elementene ved abstrakt kunst at det ikke appellerer til noen objektiv definisjon av skjønnhet. I det minste i den vestlige verden har estetisk skjønnhet i maleri i århundrer vært definert av naturlige og figurative motiver, som portretter og landskap. Før fremveksten av abstraksjon, var det normalt forventet at et kunstverk som skulle betraktes som estetisk vakkert, replikerte noe som ble ansett som vakkert i den objektive verden, som en engel, eller en historisk figur, eller en eng.'

Når kunstnere begynte å dissekere elementene av hva maleri var, utfordret de konseptet om hva som kunne være vakkert. Kunne kvalitetene av lys alene betraktes som vakre? Impresjonistene mente det. Kunne farge alene betraktes som estetisk vakker? Orfistene mente det. Mange kunstnere og kunstbevegelser har siden utfordret selve forestillingen om hvorvidt estetisk skjønnhet er relevant. Bør kunst ha noe med skjønnhet å gjøre?

Piet Mondrian - Komposisjon II i Rød, Blå og Gul, 1930, Olje på lerret, 46 x 46 cm, The Metropolitan Museum of Art

Ordens skjønnhet

Uansett hvilke filosofiske spill kunstnere, kritikere og akademikere spiller med hverandre, er faktum at skjønnhet betyr noe for seerne. Kunstseere ønsker å være i nærvær av objekter som får dem til å føle seg bra. De ønsker at kunsten skal delta med dem i deres søken etter tilfredsstillelse, uansett hva det måtte bety for dem. Selv om hver kunstkritiker i verden anser et bestemt maleri for å være av enorm historisk betydning, hvis ingen seere ønsker å være rundt det, så reduseres verdien med rette. Den grunnleggende sannheten om at mennesker liker å være rundt estetisk tiltalende ting er noe mange abstrakte kunstbevegelser har kjempet med, og det er noe hard-edged maleri har hjulpet mange seere med å konfrontere.

Det er skjønnhet i orden. Det er skjønnhet i rasjonalitet. Det er skjønnhet i farge. Det er skjønnhet i linje. Det er skjønnhet i noe som er urørt, uspolert, rent og fornuftig. Mens mange seere selv i dag har problemer med å se skjønnheten i kubistiske verk, eller de abstrakte maleriene til Wassily Kandinsky, er det uomtvistelig at det er noe tiltalende, eller i det minste psykologisk tilfredsstillende, med malerier som appellerer til vårt ønske om struktur. Den harde, geometriske abstraksjonen i Malevichs Suprematist malerier og Mondrians De Stijl malerier er vakker fordi det er et estetisk motgift mot kaos.

Jackson Pollock - Blue Poles, eller Nummer 11, 1952, emalje og aluminiumsfarge med glass på lerret, 83,5 tommer × 192,5 tommer, Nasjonalgalleriet i Australia, Canberra

Et spørsmål om smak

Selvfølgelig er ikke dette ment å si at andre typer abstrakt kunst ikke er vakre. Skjønnhet er et spørsmål om smak. For eksempel har forskjellige seere en ulik evne til å avdekke kompleksiteter. Det som ser ut som kaos for ett sett med øyne, ser idyllisk ut for et annet. Åpenbart er grunnen til at aksjonsmalere som Jackson Pollock og Willem de Kooning var så suksessfulle, fordi så mange seere fant arbeidet deres tilgjengelig, relaterbart og vakkert. Selv om noen seere absolutt anser et maleri som Pollocks Blue Poles for å være et rot, anser langt flere seere det som et uttrykk for menneskelige universaliteter og primær personlig sannhet.

Årsaken til at hard-edge maleri kom tilbake i stil på 1950-tallet er kanskje fordi Abstrakt ekspresjonisme var så emosjonell. Det hadde tross alt oppstått etter de mest voldelige, katastrofale og fryktelige tidene i menneskehetens historie, etter andre verdenskrig og fremveksten av atomkrig. Det gir mening at seere som dag ut og dag inn konfronterte sin egen utryddelse på nyhetene, til slutt ville ønske en tilbakevending til noe mer gunstig for en følelse av indre ro, og en viss følelse av orden.

Hard-edge maleriet fra 1950- og 60-tallet tilbød nettopp det. Det tilbød en tilbakevending til de formelle, klassiske kvalitetene av geometrisk abstraksjon. I stedet for å se på skrekken i våre psyker og kaoset som er iboende i våre primale følelser, tilbød hard-edge abstraksjon oss tilflukt i et kontemplativt, meditativt rom hvor form, farge, linje og overflate var alt som betydde noe. Der kunne vi meditere over de grunnleggende byggesteinene i ting og kanskje forvandle oss selv, i det minste midlertidig, til noe annet.

Donald Judd - 15 unntitled verk i betong, 1980-1984, Marfa, TX, The Chinati Foundation, Marfa

Minimalisme og mer

Returen til formelle, harde estetiske uttrykk bidro til å inspirere en massiv kreativ utvikling innen abstrakt kunst på midten av 1900-tallet. Det inspirerte fremveksten av Color Field-malerne, som Kenneth Noland, som brukte flate overflater og store fargeflater for å skape meditative malerier gjennom hvilke seerne kunne oppleve transcendente sanser. Det inspirerte Post-Painterly abstraksjon, en bevegelse viet til å skjule kunstnerens hånd og fremheve formalistiske kvaliteter som farge, linje, form og overflate. Det hjalp også til å inspirere tankene til kunstnere som Donald Judd og de som er assosiert med Minimalisme, som oppnådde høyden av følelsesløs uttrykk ved å omfavne estetisk formalisme.

James Turrell - Raethro Pink (Hjørneprojeksjon), 1968, © James Turrel

En større arv

Hard-edge maleri inspirerte også kunstnerne i lys- og rombevegelsen. Enhver som noen gang har vært inne i et immersivt verk av James Turrell, eller møtt et av hans verk som bruker "åpninger", hard-edge hull kuttet i overflater som lar lys komme gjennom, kan tydelig se forbindelsen mellom dette verket og hard-edge maleri.

Selv installasjonskunstneren James Irwin har blitt knyttet til arven etter hard-edge malerne gjennom sine lysverk. De mest kjente eksemplene er Irwins akrylinstallasjoner, der et klart, buet, sirkulært stykke akryl strekker seg utover fra en vegg og deretter treffes av lys, noe som skaper linjer, geometriske mønstre og et samspill av lys og skygge på den omkringliggende overflaten. Disse verkene utvider prinsippene for hard-edge maling inn i tredimensjonalt rom, noe som gjør at de kan bli beboet av betrakteren.

Robert Irwin - Uten tittel, 1969, Akrylmaling på støpt akryl, 137 cm i diameter, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York  

Et spørsmål om perspektiv

Enten hard-edge maleri er vakrere enn mer emosjonelle malestiler, eller omvendt, er utelukkende et spørsmål om mening. Og meninger endres. Når vi vender tilbake til den Starbucks i Las Vegas, kan vi se at det er den virkelige essensen av budskapet Georges Rousse kanskje prøver å formidle med sitt arbeid. Et hard-edge maleri av en geometrisk form kan gi oss orden og klarhet. Men ikke alle finner lykke i orden og klarhet. Noen av oss liker at ting er tilfeldige. Noen av oss nyter kaoset. Den sanne skjønnheten i Rousses hard-edge verk er at med et enkelt skritt i hvilken som helst retning mykner og skifter kantene. De beviser at perspektiv virkelig er alt.

Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio