Hard-Edge Maleri og Estetikk av Abstrakt Orden

Vil du klatre inn i et hard-edge maleri? Neste gang du er i Las Vegas, gå til Cosmopolitan Hotel og Casino. I gateplan finnes det en Starbuck’s kaffebar. Gå inn og se opp på veggene. Du vil legge merke til lyse flekker av primærfarger malt på ulike flater og innretninger. På en av veggene vil du se signaturen til mannen som malte disse fargeflekkene: den franske kunstneren og fotografen Georges Rousse.

Hvis du går til den andre enden av rommet, vil du se et merke på gulvet som inviterer betraktere til å stå på det. Fra akkurat det ene stedet, og bare derfra, blir Rousses visjon oppfylt. De malte flatene er en del av en illusjon, en tredimensjonal realisering av et geometrisk abstrakt maleri som opptar arkitektonisk rom.

John McLaughlin - Uten tittel, 1951, olje på Masonite, 60,3 × 70,5 cm, Med tillatelse fra Van Doren Waxter

Hva er hard-edge maleri?

Uttrykket hard-edge maleri ble lansert på slutten av 1950-tallet av Jules Langsner, en kunstskribent for avisen Los Angeles Times. Begrepet refererte til en gammel tendens som begynte å dukke opp igjen i ulike abstrakte kunststiler, men som særlig var utbredt i California på den tiden. Tendensen innebar bruk av geometriske former malt i sterke, rene farger som var klart adskilt fra hverandre med harde, tydelige kanter. To av de ledende hard-edge malerne som Langsner sikter til når han lanserte begrepet, var John McLaughlin og Helen Lundeberg.

Denne typen maleri hadde vært utført i århundrer, og hadde vist seg i mange forskjellige kulturer. Selv innenfor vestlig abstrakt kunst hadde denne tendensen med sterke farger, veldefinerte former og harde kanter dukket opp tidligere, for eksempel i verkene til Kazimir Malevich og Piet Mondrian.

Estetikken i hard-edge maleri falt ut av moten på 1940- og 50-tallet, delvis på grunn av den økte populariteten til den følelsesladde, gestuelle kunsten som ble laget av abstrakte ekspresjonister. I den moderne betydningen refererer begrepet hard-edge maleri ikke så mye til en bestemt stil eller bevegelse, men heller til en tendens som moderne kunstnere i mange ulike stiler har brukt, og fortsatt bruker, i sin estetikk.

Helen Lundeberg - Blå planet, 1965, akryl på lerret, 152 x 152 cm, The Marilynn and Carl Thoma Collection. © Feitelson Arts Foundation, med tillatelse fra Louis Stern Fine Arts

Kazimir Malevich - Rødt kvadrat, 1915, olje på lerret, 53 × 53 cm, Russisk museum, St. Petersburg

Skjønnhetens filosofi

For mange er et av de mest forvirrende elementene ved abstrakt kunst at den ikke appellerer til noen objektiv definisjon av skjønnhet. I hvert fall i den vestlige verden ble estetisk skjønnhet i maleri i århundrer definert av naturlige og figurative motiver, som portretter og landskap. Før abstraksjonens fremvekst var det vanlig at et kunstverk som skulle anses som estetisk vakkert, måtte gjengi noe som ble ansett som vakkert i den objektive verden, som en engel, en historisk skikkelse eller en eng.

Da kunstnere begynte å dissekere elementene i hva maleri var, utfordret de begrepet om hva som kunne være vakkert. Kunne lys i seg selv anses som vakkert? Det mente impresjonistene. Kunne farge alene anses som estetisk vakker? Det mente orfistene. Mange kunstnere og kunstretninger har siden utfordret om estetisk skjønnhet i det hele tatt er relevant. Skal kunst ha noe med skjønnhet å gjøre?

Piet Mondrian - Komposisjon II i rødt, blått og gult, 1930, olje på lerret, 46 x 46 cm, The Metropolitan Museum of Art

Skjønnheten i orden

Uansett hvilke filosofiske spill kunstnere, kritikere og akademikere driver med, er det et faktum at skjønnhet betyr noe for betrakterne. Kunstelskere ønsker å være i nærvær av gjenstander som får dem til å føle seg godt. De ønsker at kunsten skal delta i deres søken etter tilfredsstillelse, uansett hva det måtte bety for dem. Selv om alle kunstkritikere i verden skulle mene at et bestemt maleri er av enorm historisk betydning, hvis ingen ønsker å være i nærheten av det, reduseres dets verdi med rette. Den grunnleggende sannheten at mennesker liker å være rundt estetisk tiltalende ting, er noe mange abstrakte kunstretninger har strevd med, og det er noe hard-edge maleri har hjulpet mange betraktere å møte.

Det finnes skjønnhet i orden. Det finnes skjønnhet i fornuft. Det finnes skjønnhet i farge. Det finnes skjønnhet i linje. Det finnes skjønnhet i noe som er uberørt, urørt, rent og fornuftig. Selv om mange betraktere fortsatt har vansker med å se skjønnheten i kubistiske verk eller Wassily Kandinskys abstrakte malerier, er det ubestridelig at det finnes noe tiltrekkende, eller i det minste psykologisk tilfredsstillende, ved malerier som appellerer til vårt ønske om struktur. Den hard-edge geometriske abstraksjonen i Malevichs suprematistiske malerier og Mondrians De Stijl-malerier er vakker fordi den er en estetisk motvekt til kaos.

Jackson Pollock - Blue Poles, eller Nummer 11, 1952, emalje og aluminiumsfarge med glass på lerret, 212 × 489 cm, National Gallery of Australia, Canberra

Et spørsmål om smak

Selvfølgelig betyr ikke dette at andre typer abstrakt kunst ikke er vakre. Skjønnhet er et spørsmål om smak. For eksempel har ulike betraktere ulik evne til å forstå kompleksitet. Det som ser ut som kaos for noen, kan virke idyllisk for andre. Åpenbart er grunnen til at actionmalere som Jackson Pollock og Willem de Kooning var så suksessrike, at mange betraktere fant deres verk tilgjengelige, gjenkjennelige og vakre. Selv om noen betraktere mener at et maleri som Pollocks Blue Poles er rotete, mener langt flere at det er et uttrykk for menneskelige universaler og grunnleggende personlig sannhet.

Grunnen til at hard-edge maleri kom tilbake på moten på 1950-tallet, er kanskje at abstrakt ekspresjonisme var så følelsesladet. Den hadde tross alt oppstått etter de mest voldelige, katastrofale og fryktinngytende tidene i menneskehetens historie, etter andre verdenskrig og fremveksten av atomvåpen. Det er forståelig at betraktere som konfronterte sin egen undergang dag etter dag på nyhetene, til slutt ønsket en tilbakevending til noe som kunne gi indre ro og en følelse av orden.

Hard-edge maleriet fra 1950- og 60-tallet tilbød nettopp dette. Det tilbød en tilbakevending til de formelle, klassiske kvalitetene i geometrisk abstraksjon. I stedet for å se på skrekkene i vår psyke og kaoset i våre grunnleggende følelser, tilbød hard-edge abstraksjon oss tilflukt i et kontemplativt, meditativt rom hvor form, farge, linje og flate var det eneste som betydde noe. Der kunne vi meditere over tingenes grunnleggende byggesteiner og kanskje forvandle oss selv, i det minste midlertidig, til noe annet.

Donald Judd - 15 ubetitlede verk i betong, 1980-1984, Marfa, TX, The Chinati Foundation, Marfa

Minimalisme og mer

Tilbakevendingen til formell, hard-edge estetikk bidro til en stor kreativ utvikling i abstrakt kunst midt på 1900-tallet. Den inspirerte fremveksten av fargefeltmalere, som Kenneth Noland, som brukte flate overflater og store fargeflater for å skape meditative malerier som ga betraktere transcendente opplevelser. Den inspirerte post-malerisk abstraksjon, en bevegelse viet til å skjule kunstnerens hånd og fremheve formale kvaliteter som farge, linje, form og flate. Den bidro også til tankegangen hos kunstnere som Donald Judd og de som er knyttet til minimalismen, som oppnådde høydepunktet av upersonlig uttrykk ved å omfavne estetisk formalitet.

James Turrell - Raethro Pink (Hjørneprojeksjon), 1968, © James Turrel

En større arv

Hard-edge maleri inspirerte også kunstnerne i lys- og rombevegelsen. Alle som noen gang har vært inne i et oppslukende verk av James Turrell, eller møtt et av hans verk som bruker «åpninger», hard-edge hull kuttet i flater som slipper lys gjennom, kan tydelig se sammenhengen mellom dette arbeidet og hard-edge maleri.

Selv installasjonskunstneren James Irwin har blitt knyttet til arven etter hard-edge malerne gjennom sine lysverk. De mest kjente eksemplene er Irwins akrylinstallasjoner, hvor et klart, buet, sirkulært stykke akryl stikker ut fra en vegg og treffes av lys, noe som skaper linjer, geometriske mønstre og et samspill mellom lys og skygge på den omkringliggende flaten. Disse verkene utvider prinsippene for hard-edge maleri til tredimensjonalt rom, slik at de kan beboes av betrakteren.

Robert Irwin - Uten tittel, 1969, akrylmaling på støpt akryl, 137 cm i diameter, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York

Et spørsmål om perspektiv

Om hard-edge maleri er vakrere enn mer følelsesladde malestiler, eller omvendt, er rent et spørsmål om mening. Og meninger endrer seg. Tilbake til Starbucks i Las Vegas: der kan vi se at det er kjernen i budskapet Georges Rousse kanskje prøver å formidle med sitt arbeid. Et hard-edge maleri av en geometrisk form kan gi oss orden og klarhet. Men ikke alle finner lykke i orden og klarhet. Noen av oss liker ting å være tilfeldige. Noen av oss liker kaos. Den virkelige skjønnheten i Rousses hard-edge verk er at med et enkelt steg i hvilken som helst retning mykner og forskyves kantene. De beviser at perspektiv virkelig er alt.

Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio