Geometria i sztuka awangardowa Davida Bomberga

Entuzjazm jest istotną substancją w sztuce. Ekscytująca praca to coś, czego pragnie każdy widz, kolekcjoner, galerzysta i kurator. Chociaż niektóre rzadkie dzieła sztuki mają w sobie wrodzoną ekscytację, entuzjazm najczęściej pochodzi od artystów. Coś w nich – ich pasja, ich ciekawość – po prostu manifestuje się w pracy. David Bomberg mógł być najbardziej entuzjastycznym artystą, który wyszedł z Wielkiej Brytanii w pierwszej ćwierci XX wieku. Jego eksperymenty z formą i kompozycją były tak awangardowe, że spowodowały jego wydalenie z prestiżowej Slade School of Art w Londynie. Ale nawet pomimo tego upomnienia, zamiast się zniechęcać, Bomberg rozkwitł, udowadniając, że jest wybuchowo kreatywny, ekspertem w rysunku i zachwyconym poszukiwaczem nowych pomysłów. Odważne, modernistyczne obrazy, które stworzył w latach poprzedzających I wojnę światową, oferują unikalny wgląd w nieokiełznaną ekscytację i energię tej optymistycznej epoki.

Kto to jest David Bomberg?

Tragiczna ironia dręczy wielu wielkich artystów. Aby odnieść sukces na rynku sztuki, musisz tworzyć interesujące, sprzedawalne dzieła, a aby tworzyć interesujące, sprzedawalne dzieła, musisz być kreatywny, otwarty i indywidualistyczny; ale nie za bardzo kreatywny, otwarty i indywidualistyczny. Artyści, którzy są zbyt daleko przed intelektualnym stadem, często są wyśmiewani. Jak mówi przysłowie: "pionierzy są rzeźwieni, osadnicy się bogacą." Sprzedawalność również wzrasta, gdy artysta jest kojarzony z większym ruchem, który sprzedawcy i nabywcy sztuki mogą zrozumieć i umiejscowić w kontekście. Ironia polega na tym, że prawdziwie kreatywni, otwarci indywidualiści często uważają za nie do zniesienia utożsamianie się z ruchami, które mają określone cele lub rygorystyczne ideały estetyczne. Uważają manifesty za ograniczające. Lubią mieć otwarte opcje. Tak więc wielu genialnych twórców zostaje pominiętych w historii i umiera w biedzie, wszystko dlatego, że wiernie pozostali sobą, pozostając eksperymentalnymi do końca, aby zaspokoić swoją ciekawość i entuzjazm.

Bomberg był jednym z takich artystów. Kiedy badasz Wortykalizm, pierwszą rzeczą, którą możesz zauważyć, jest to, że założycielem ruchu był Wyndham Lewis, jedno z najbardziej znanych nazwisk w angielskiej sztuce i literaturze XX wieku. Ale potem zobaczysz, że najsłynniejszy, ikoniczny obraz ruchu, Wanna błotna, namalował David Bomberg. Bomberg nigdy nie dołączył do Wortykalistów. Eksperymentował z niektórymi z tych samych koncepcji estetycznych i stworzył kilka obrazów, które wydają się być w tym samym wizualnym kręgu, ale zainteresowania Bomberga były znacznie szersze niż ograniczone troski Wortykalistów. Wyndham Lewis jednak cieszył się całe życie sławą, niemal całkowicie dzięki impetowi, jaki zyskał dzięki założeniu Wortykalizmu. Bomberg, nie-Wortykalistyczny malarz najlepszego obrazu Wortykalizmu, zmarł w niebycie, bez grosza. 

Niezbędna czysta forma

To, co łączyło prace Bomberga z wotoryzmem, miało swoje korzenie w formalizmie. Estetyka wotoryzmu czerpała z dwóch innych istniejących stylów modernistycznych. Połączyła kubizm z jego abstrakcyjnymi kształtami geometrycznymi oraz ostre linie i jaskrawe kolory włoskiego futuryzmu. Koncepcja stojąca za tym ruchem miała na celu wyrażenie ruchu i nowoczesności. Zainteresowania Bomberga były również początkowo związane z miastem i maszynami, ale jego użycie obrazów w stylu wotoryzmu było przypadkowe. Nie koncentrował się tak bardzo na osiągnięciu konkretnego wyglądu, jak na uzyskaniu odpowiedniego uczucia. Jak to ujął, jego pragnieniem było „przetłumaczyć życie wielkiego miasta, jego ruch, jego maszyny, na sztukę, która nie będzie fotograficzna, ale ekspresyjna.”

Język wizualny, który stworzył, opierał się na redukcji formy. Uważał, że najlepszym sposobem na wyrażenie natury swoich tematów jest uproszczenie ich do najbardziej podstawowych stanów. W ten sposób miał nadzieję ujawnić coś istotnego o ich istocie. Obraz Bomberga Wizja Ezechiela, namalowany w 1912 roku, osiągnął ten balans, którego szukał: abstrakcyjną redukcję formy, figuratywną witalność i ekspresyjną emocję. Połączył swoje zainteresowanie wysoce uproszczoną obrazowością z legendami swojego żydowskiego dziedzictwa rodzinnego, tworząc zarówno mityczną, jak i modernistyczną wizję estetyczną, która była wyjątkowo jego własna. 

Intensywniejsza Ekspresja

Nie będąc zadowolony z tego, że ograniczył formy do ich granic, Bomberg kontynuował eksperymenty. Jeden z jego wczesnych nauczycieli, artysta o imieniu Walter Sickert, przekazał Bombergowi znaczenie malowania „grubych materialnych faktów” swojego tematu. To podejście pomogło Bombergowi w rozwoju jego imponujących umiejętności rysunkowych. Jednak powstrzymywało go to od zainteresowania subiektywnością. Zamiast po prostu starać się pokazać precyzyjne cechy swoich tematów, uważał, że równie ważne jest wyrażenie swojej osobistej reakcji.

W serii kompozycji figuralnych, które wystawił w 1914 roku, Bomberg celowo wyeliminował wszystkie „grube fakty materialne”. W oświadczeniu artysty towarzyszącym tej wystawie napisał: „Apeluję do Zmysłu Formy… Całkowicie porzucam Naturalizm i Tradycję. Szukam intensywniejszego wyrazu… tam, gdzie używam naturalistycznej Formy, pozbawiłem ją wszelkich nieistotnych elementów. Patrzę na naturę, podczas gdy żyję w stalowym mieście. Gdzie dekoracja się pojawia, jest przypadkowa. Moim celem jest konstrukcja Czystej Formy. Odrzucam wszystko w malarstwie, co nie jest Czystą Formą.” 

Rewolucja w kierunku mas

Rozwijając swoje zainteresowanie czystą formą, Bomberg zagłębił się w abstrakcję. W swoim obrazie zatytułowanym Procesja, redukuje linię ludzkich postaci do tak podstawowych form, że obraz niemal staje się całkowitą abstrakcją geometryczną. Kształty nabierają ekspresyjnych cech, które przywodzą na myśl szereg skojarzeń, od wieżowców po trumny. 

Bomberg nadal ewoluował, divergując w serię obrazów przypominających witraże, które zostały rozbite, a następnie złożone z powrotem. W Uścisku i Ju-Jitsu przedstawiają płaszczyzny obrazu podzielone na diamentową siatkę. Zamiast tworzyć kompozycję z uproszczonych form, Bomberg używa siatki i samej powierzchni jako formy. Powstałe obrazy przypominają Op Art w swojej zdolności do oszukiwania oka i wciągania widza w iluzjonistyczną przestrzeń. W przeciwieństwie do jego wcześniejszych prac, ich poczucie masy pochodzi z wyrażenia uczuć osiągniętego całkowicie za pomocą formalnych, niereprezentacyjnych środków.  

Duch w Mszy

Na początku I wojny światowej Bomberg został powołany do służby. Jego doświadczenia w piechocie, obserwowanie, jak jego koledzy, zwolennicy i członkowie rodziny zostają rozszarpani przez zmechanizowane bronie, zniszczyły jego fascynację epoką maszyn. Gdy wojna się skończyła, wznowił malowanie, ale przyjął znacznie bardziej organiczną, malarską technikę. Jego nowy kierunek spowodował, że został całkowicie zignorowany i zapomniany przez świat sztuki swojego czasu. 

Bomberg borykał się z problemami finansowymi przez resztę swojej kariery, ale podróżował intensywnie i nigdy nie przestał malować. Kontynuował eksperymentowanie z dotykowymi właściwościami farby, koncentrując się na potężnym emocjonalnym potencjale tekstury i pociągnięcia pędzla. Niezależnie od tego, czy malował abstrakcje, pejzaże czy prace figuralne, pozostał oddany dążeniu do tego, co nazywał „duchem w masie.” Wiedział, że poprzez zmiany w grubości i pociągnięciu farby oraz otwartą eksplorację najistotniejszej formy tematu, można przekazać najprawdziwsze wyrażenie danego tematu. Wbrew odrzuceniu i komercyjnej porażce, jego niestrudzony entuzjazm do malowania pozwolił mu na rzadki dar łączenia się z istotną jakością rzeczy i tłumaczenia jej dla tych z nas, którzy w przeciwnym razie mogliby nie być w stanie tego dostrzec.

Obraz wyróżniony: David Bomberg - Procesja, 1912-1914, Olej na papierze nałożonym na panel, 28,9 x 68,8 cm, Muzeum Sztuki i Archeologii Ashmoleana, © Spadek po Davidzie Bombergu
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio