Geometria i sztuka awangardowa Davida Bomberga

Entuzjazm jest istotną substancją w sztuce. Ekscytujące dzieło to coś, czego pragnie każdy widz, kolekcjoner, galerzysta i kurator. Choć niektóre rzadkie dzieła sztuki mają w sobie naturalną ekscytację, entuzjazm najczęściej pochodzi od artystów. Coś w nich – ich pasja, ciekawość – po prostu przejawia się w pracy. David Bomberg mógł być najbardziej entuzjastycznym artystą, jaki wyszedł z Wielkiej Brytanii w pierwszej ćwiartce XX wieku. Jego eksperymenty z formą i kompozycją były tak awangardowe, że doprowadziły do jego wydalenia z prestiżowej londyńskiej Slade School of Art. Jednak mimo tej nagany, zamiast się zniechęcić, Bomberg rozkwitł, udowadniając, że jest wybuchowo twórczy, mistrzem rysunku i zachwyconym poszukiwaczem nowych idei. Odważne, modernistyczne obrazy, które tworzył w latach poprzedzających I wojnę światową, oferują wyjątkowy wgląd w nieokiełznany entuzjazm i energię tamtej optymistycznej epoki.

Kim był David Bomberg?

Wielu wielkich artystów dotyka tragiczna ironia. Aby odnieść sukces na rynku sztuki, trzeba tworzyć interesujące, zbywalne dzieła, a by tworzyć interesujące, zbywalne dzieła, trzeba być twórczym, otwartym i indywidualistycznym; ale nie za bardzo twórczym, otwartym i indywidualistycznym. Artyści zbyt wyprzedzający intelektualny nurt często są wyśmiewani. Jak mówi przysłowie: „pionierzy giną, osadnicy się bogacą.” Sprzedażności sprzyja też, gdy artysta jest kojarzony z większym ruchem, który sprzedawcy i nabywcy sztuki mogą zrozumieć i umieścić w kontekście. Ironia polega na tym, że prawdziwie twórczy, otwarci indywidualiści często nie znoszą utożsamiania się z ruchami o określonych celach czy surowych ideałach estetycznych. Manifesty uważają za ograniczające. Wolą mieć otwarte możliwości. Tak więc wielu genialnych twórców zostaje pominiętych w podręcznikach historii i umiera w biedzie, tylko dlatego, że wiernie pozostali sobą, pozostając eksperymentalnymi do końca, by karmić własną ciekawość i entuzjazm.

Bomberg był jednym z takich artystów. Gdy bada się Worticizm, pierwszą rzeczą, którą można zauważyć, jest to, że założycielem ruchu był Wyndham Lewis, jedno z najważniejszych nazwisk w angielskiej sztuce i literaturze XX wieku. Ale potem zobaczysz, że najsłynniejszy, ikoniczny obraz ruchu, The Mud Bath, namalował David Bomberg. Bomberg nigdy nie dołączył do Worticystów. Eksperymentował z niektórymi tymi samymi estetycznymi koncepcjami i stworzył obrazy, które wydają się należeć do tego samego wizualnego kręgu, ale zainteresowania Bomberga były znacznie szersze niż ograniczone sprawy Worticystów. Wyndham Lewis cieszył się jednak dożywotnią sławą, niemal wyłącznie dzięki impetowi, jaki zyskał jako założyciel Worticizmu. Bomberg, nie-Worticysta malujący najlepszy obraz Worticizmu, zmarł w zapomnieniu, bez grosza przy duszy.

Istotna Czysta Forma

To, co łączyło dzieła Bomberga z Worticizmem, miało swoje źródło w formalizmie. Estetyka Worticizmu czerpała z dwóch innych istniejących stylów modernistycznych. Łączyła kubizm – abstrakcyjne geometryczne kształty – z ostrymi liniami i jaskrawymi kolorami włoskiego futuryzmu. Koncepcją ruchu było wyrażenie ruchu i nowoczesności. Zainteresowania Bomberga również początkowo wiązały się z miastem i maszynami, ale jego użycie obrazów w stylu worticystycznym było przypadkowe. Nie skupiał się tak bardzo na osiągnięciu konkretnego wyglądu, jak na uzyskaniu właściwego uczucia. Jak sam mówił, jego pragnieniem było „przetłumaczenie życia wielkiego miasta, jego ruchu, jego maszyn na sztukę, która nie będzie fotograficzna, lecz wyrazista.”

Stworzony przez niego język wizualny opierał się na redukcji formy. Uważał, że najlepszym sposobem wyrażenia natury swoich tematów jest uproszczenie ich do najbardziej podstawowych stanów. W ten sposób miał nadzieję odsłonić coś istotnego o ich istocie. Obraz Bomberga Wizja Ezechiela, namalowany w 1912 roku, osiągnął równowagę, której szukał – abstrakcyjną redukcję formy, figuratywną żywotność i wyrazistą emocję. Połączył swoje zainteresowanie wysoce uproszczonymi obrazami z legendami żydowskiego dziedzictwa rodzinnego, tworząc zarówno mityczną, jak i modernistyczną wizję estetyczną, unikalną dla siebie.

Bardziej Intensywny Wyraz

Niezadowolony z tego, że osiągnął granice redukcji form, Bomberg kontynuował eksperymenty. Jeden z jego wczesnych nauczycieli, artysta o imieniu Walter Sickert, przekazał mu znaczenie malowania „grubych materialnych faktów” swojego tematu. To podejście pomogło Bombergowi rozwinąć imponujące umiejętności rysunku realistycznego. Jednak powstrzymywało go przed zainteresowaniem subiektywnością. Zamiast po prostu starać się pokazać precyzyjne cechy swoich tematów, uważał, że równie ważne jest wyrażenie swojej osobistej reakcji.

W serii kompozycji figuralnych, które wystawił w 1914 roku, Bomberg celowo wyeliminował wszystkie „grube materialne fakty.” W oświadczeniu artysty towarzyszącym tej wystawie napisał: „Odwołuję się do Zmysłu Formy... Całkowicie porzucam naturalizm i tradycję. Szukam bardziej intensywnego wyrazu... tam, gdzie używam naturalistycznej formy, pozbawiłem ją wszelkich zbędnych elementów. Patrzę na naturę, podczas gdy żyję w stalowym mieście. Tam, gdzie pojawia się dekoracja, jest ona przypadkowa. Moim celem jest budowa Czystej Formy. Odrzucam wszystko w malarstwie, co nie jest Czystą Formą.”

Rewolucja ku Masie

Rozwijając swoje skupienie na czystej formie, Bomberg zagłębił się w abstrakcję. W obrazie zatytułowanym Procesja redukuje rząd postaci ludzkich do tak podstawowych form, że obraz niemal staje się całkowitą geometryczną abstrakcją. Kształty nabierają wyrazistych cech, które przywodzą na myśl różne skojarzenia, od wieżowców po trumny.

Bomberg nadal się rozwijał, kierując się ku serii obrazów przypominających witraże, które zostały rozbite, a następnie złożone na nowo. In the Hold i Ju-Jitsu przedstawiają płaszczyzny obrazu podzielone na siatkę w kształcie diamentu. Zamiast tworzyć kompozycję z redukowanych form, Bomberg używa siatki i samej powierzchni jako formy. Powstałe obrazy przypominają op-art swoją zdolnością do oszukiwania oka i wciągania widza w iluzoryczną przestrzeń. W przeciwieństwie do jego wcześniejszych prac, ich poczucie masy wynika z wyrazu uczucia osiągniętego całkowicie za pomocą formalnych, nieprzedstawiających środków.

Duch w Masie

Na wybuch I wojny światowej Bomberg został powołany do wojska. Jego doświadczenia w piechocie, obserwowanie, jak jego koledzy, zwolennicy i członkowie rodziny są rozrywani przez zmechanizowaną broń, zniszczyły jego fascynację wiekiem maszyn. Po wojnie wznowił malowanie, ale przyjął znacznie bardziej organiczną, malarską technikę. Nowy kierunek sprawił, że został całkowicie zignorowany i zapomniany przez ówczesny świat sztuki.

Bomberg przez resztę kariery borykał się z trudnościami finansowymi, ale dużo podróżował i nigdy nie przestał malować. Kontynuował eksperymenty z dotykowymi właściwościami farby, skupiając się na potężnym emocjonalnym potencjale faktury i pociągnięć pędzla. Niezależnie od tego, czy malował abstrakcje, pejzaże czy prace figuratywne, pozostał oddany dążeniu do tego, co nazywał „duchem w masie.” Wiedział, że poprzez zmiany grubości i pociągnięć farby oraz otwarte badanie najbardziej istotnej formy tematu można przekazać najprawdziwszy wyraz tematu. Wbrew odrzuceniu i komercyjnej porażce, jego niestrudzony entuzjazm do malowania dał mu rzadki dar łączenia się z istotną jakością rzeczy i przekazywania jej tym z nas, którzy inaczej mogliby jej nie dostrzec.

Obraz główny: David Bomberg - Procesja, 1912-1914, olej na papierze naklejonym na panel, 28,9 x 68,8 cm, Muzeum Sztuki i Archeologii Ashmolean, © Majątek Davida Bomberga
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio