Jak ostatni Monet zainspirował amerykańskich ekspresjonistów abstrakcyjnych

Wśród najbardziej pamiętnych i znanych dzieł stworzonych przez Claude'a Moneta, wielkiego współzałożyciela francuskiego impresjonizmu, znajdują się jego Nenufary. Jednak wielu fanów impresjonizmu może nie zdawać sobie sprawy z połączenia, które istnieje między Monetem a amerykańskimi ekspresjonistami abstrakcyjnymi. Pod koniec swojego życia Monet stworzył serię dużych obrazów w stylu swoich słynnych obrazów Nenufarów, które były szczególnie abstrakcyjne. Te gesturalne, energetyczne, malarskie dzieła posiadają całą energię, emocje i, cóż, "akcję", tak zwanych "obrazów akcji", które ekspresjoniści abstrakcyjni zaczęli tworzyć dopiero dekady później. Te późne obrazy Moneta mają również cechę "wszechobecności", która później została przypisana dziełom ekspresjonistów abstrakcyjnych. Jednak dopiero w latach 50. XX wieku wpływowi gracze w świecie sztuki naprawdę zwrócili uwagę na podobieństwa między ostatnimi obrazami Moneta a dziełami ekspresjonistów abstrakcyjnych. To połączenie jest ponownie zauważane dzisiaj z okazji setnej rocznicy serii Nenufarów, ponieważ Musée de l'Orangerie w Paryżu bada to połączenie w szczegółach poprzez wystawę Nenufary: Amerykańska Abstrakcja i Ostatni Monet. Ta wyjątkowa wystawa prezentuje oszałamiający wybór późnych dzieł Moneta wystawionych obok prac takich wpływowych amerykańskich malarzy ekspresjonistów abstrakcyjnych jak Jackson Pollock, Helen Frankenthaler, Mark Rothko, Joan Mitchell, Mark Tobey, John Paul Riopelle, Sam Francis, Ellsworth Kelly i wielu innych. Ta jedyna w swoim rodzaju wystawa oferuje wgląd w europejskie korzenie najbardziej ikonicznego amerykańskiego ruchu artystycznego i oferuje świeże, globalne i bardziej zrównoważone spojrzenie na to, jak naprawdę rozwijają się trendy estetyczne w sztuce.

Pokolenie osobno

Claude Monet zaczął wykazywać oznaki cierpienia na zaćmę około 1914 roku, dwanaście lat przed swoją śmiercią. Efekty tej choroby wpłynęły bezpośrednio na jego malarstwo, przede wszystkim zmieniając jego zdolność postrzegania używanych kolorów. W tym czasie rozpoczął serię obrazów opartych na płaczących wierzbach. Długie, gesturalne linie i impastowe pociągnięcia pędzla, które wypełniają te prace, są nawiedzone przez żywe, czerwonawe odcienie, które Monet wybrał do tych dzieł. (Kiedy później przeszedł operację usunięcia zaćmy, Monet faktycznie przemalował niektóre z tych obrazów, nadając im bardziej niebieskawe odcienie.) W tym czasie Monet doświadczył także dwóch osobistych tragedii – śmierci swojej drugiej żony i najstarszego syna. Jego obrazy z tego okresu mają smutną, mistyczną jakość. Byłoby przesadą powiedzieć, że malował swoje emocje, ale wrażenia, jakie miał na temat fizycznego świata, które uchwycił na swoich płótnach, mogły być z pewnością wpływane przez emocje, które czuł w sobie. Jednak smutek i malowanie w melancholijny sposób to nie to samo, co robili Abstrakcyjni Ekspresjoniści. Choć oni również byli smutni, niespokojni i przestraszeni, gdy malowali, starali się połączyć z podświadomą głębią tych uczuć poprzez technikę automatyzmu.

"Lilie wodne: Amerykańska abstrakcja i ostatni Monet, widok instalacji w Musée de l'Orangerie w Paryżu. © Musée de l'Orangerie. Zdjęcie Sophie Crépy-Boegly"

Niemniej jednak obie metody przyniosły niezwykle podobne rezultaty estetyczne. Jednak minęło prawie 20 lat po śmierci Moneta, zanim jego ostatnie odkrycia estetyczne ujawniły się w pracach nowego pokolenia artystów. Trudno powiedzieć, czy abstrakcyjni ekspresjoniści byli świadomi późnej twórczości Moneta. To, co jednak wiemy, to że jeden z dużych, późnych obrazów Lilii wodnych był wystawiony w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku w 1955 roku. W tym samym roku Clement Greenberg napisał swój przełomowy esej zatytułowany American-type Painting, w którym wskazał na związki, jakie dostrzegał między późną twórczością Moneta a pracami malarzy takich jak Jackson Pollock, Clyfford Still i Barnett Newman. Wydarzenia te skłoniły krytyka sztuki Louisa Finkelsteina w 1956 roku do umiejscowienia związku między Monetem a abstrakcyjnymi ekspresjonistami, wprowadzając nowy termin: Abstrakcyjny Impresjonizm. Użył tego terminu, aby odnieść się do grupy malarzy luźno związanych z abstrakcyjnym ekspresjonizmem, ale którzy żyli i pracowali na marginesie ruchu, takich jak Joan Mitchell, Jean-Paul Riopelle, Sam Francis i Philip Guston. Uważał, że ich prace były bardziej bezpośrednio inspirowane Monetem i miały mniejsze zadłużenie wobec metod i filozofii założycieli Nowojorskiej Szkoły.

"Lilie wodne: Amerykańska abstrakcja i ostatni Monet, widok instalacji w Musée de l'Orangerie w Paryżu. © Musée de l'Orangerie. Zdjęcie Sophie Crépy-Boegly"

Bez dramatów

Jednym z największych mitów amerykańskiego świata sztuki jest to, że ekspresjonizm abstrakcyjny był „pierwszym czysto amerykańskim ruchem artystycznym”. Współczesne badania wykazały, że to przypuszczenie jest co najmniej wątpliwe. Grant Wood namalował swoje regionalistyczne arcydzieło American Gothic w 1930 roku, ponad dekadę przed powstaniem pierwszych obrazów ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Amerykański regionalizm był amerykańskim ruchem artystycznym; a było kilka innych, które powstały przed nim. Oprócz tego faktu, jasne jest również, że Robert Motherwell, który nauczył automatyzmu ekspresjonistów abstrakcyjnych, nauczył się go od austriackiego malarza, który wówczas mieszkał w Meksyku, którego Motherwell poznał przez znajomość chilijskiego malarza. Tak naprawdę jedyną wyraźnie amerykańską cechą ekspresjonizmu abstrakcyjnego jest to, że jest to tygiel.

"Lilie wodne: Amerykańska abstrakcja i ostatni Monet, widok instalacji w Musée de l'Orangerie w Paryżu. © Musée de l'Orangerie. Zdjęcie Sophie Crépy-Boegly"

Ale ta wystawa nie jest próbą prostowania faktów. Jest raczej prostą próbą powrotu do pięknego momentu w czasie, kiedy stało się jasne, że te same wspaniałe rezultaty estetyczne zostały w jakiś sposób osiągnięte przez malarzy, którzy dzieliła pokolenie. Fakt, że ci malarze użyli zupełnie różnych metod, aby osiągnąć tę samą pozycję, ilustruje, że historia sztuki nie jest linią, lecz raczej dialogiem, który istnieje poza czasem. Każda tendencja wizualna i koncepcyjna w niej to tylko bełkotliwa rozmowa, którą można wznowić w każdej chwili i na nowo wyobrazić sobie przez głos każdej nowej epoki. Lilie wodne: Amerykańska Abstrakcja i Ostatni Monet jest wystawiana w Musée de l'Orangerie w Paryżu do 20 sierpnia 2018.

Obraz wyróżniający: Lilia wodna: Amerykańska abstrakcja i ostatni Monet, widok instalacji w Musée de l'Orangerie w Paryżu. © Musée de l'Orangerie. Zdjęcie Sophie Crépy-Boegly

Wszystkie zdjęcia dzięki uprzejmości Musée de l'Orangerie

Autor: Phillip Barcio