Mark Rothko: Mistrz Koloru w Poszukiwaniu Ludzkiego Dramatu

Kluczowa postać ekspresjonizmu abstrakcyjnego i malarstwa pola barw, Mark Rothko (1903 – 1970) był jednym z najbardziej wpływowych malarzy XX wieku, którego dzieła głęboko przemawiały i nadal przemawiają do ludzkiego losu. Znany jako mistrz koloru, obrazy Rothki były czymś więcej niż tylko badaniem czystych elementów malarskich. Pomimo licznych interpretacji opartych na formalnych cechach jego twórczości, artysta podjął podróż, by oczarować widza, zbadać emocje i wywołać przeżycie na płótnie poprzez bogate pigmenty, pola barw i relacje, jakie tworzą odcienie, wywołując głęboko ludzkie połączenie z dziełem, które często wymyka się rozumowi i utrudnia wyjaśnienie.

Przeważnie samouk i w pewnym sensie outsider, Mark Rothko był człowiekiem i artystą o złożonym umyśle, sprzeciwiającym się etykietom, zwłaszcza przeciwstawiając się określeniu „kolorysta”, oraz malarzem w ciągłym poszukiwaniu ukazania niepewności ludzkiego dramatu. W trakcie swojej kariery malarz nigdy nie przyjął mentalności grupowej, tworząc unikalny dorobek, który podążał własną ścieżką, inspirowany tragedią ludzkiego losu. Od jego wczesnych prac figuratywnych i rewolucyjnych multiformów po ikoniczną Kaplicę Rothki i serię Czarnych i Szarych, twórczość Rothki często interpretuje się przez pryzmat ewolucyjnej logiki, ukazującej trajektorię odzwierciedlającą jego życie.

Śledząc dorobek artysty, trwająca przełomowa wystawa Mark Rothko w Fondation Louis Vuitton w Paryżu chronologicznie na nowo bada rolę koloru, pokazując, że jego eliminacja była złudzeniem. Przeniknięte odcieniami śliwki i burgundu, ciemne płótna malarza rozbijają to złudzenie, co potwierdza także seria prac z końca lat 60. „Nie interesuje mnie kolor. To światło mnie pociąga,” zauważył kiedyś Rothko, splatając wspólną nić między wszystkimi swoimi obrazami i ujawniając prawdziwą funkcję barw.

Od Rotkowicza do Rothki

Synonim malarstwa pola barw i jeden z pionierów sztuki abstrakcyjnej, Mark Rothko urodził się 25 września 1903 roku w rodzinie liberalnych Żydów jako Marcus Jakowlewicz Rotkowicz, przyjmując światowej sławy zanglicyzowane nazwisko znacznie później. W młodym wieku artysta został zmuszony do ucieczki z rodzinnego Dźwińska (dzisiejszy Dyneburg, Łotwa) i w 1913 roku wyemigrował z rodziną z Imperium Rosyjskiego do Stanów Zjednoczonych. Choć uczęszczał do szkoły opartej na religii w swoim kraju, a następnie ukończył Lincoln High School w Portland w stanie Oregon, Rothko nigdy nie był szczególnie religijny, a wiara nie miała dużego wpływu na jego twórczość.

Na początku lat 20. XX wieku malarz zapisał się na Yale na stypendium, które zakończyło się po pierwszym roku, co skłoniło go do przerwania nauki i przeprowadzki do Nowego Jorku w 1923 roku, gdzie dołączył do Art Students League i zaczął uczęszczać na zajęcia prowadzone przez kubistę Maxa Webera. Wówczas Nowy Jork był jednym z bezpiecznych schronień dla europejskich artystów i kwitnącym ośrodkiem twórczym, łączącym niemieckich ekspresjonistów, francuskich modernistów i surrealistów, których twórczość wywarła duży wpływ na młodego Rothkę, szczególnie pod wrażeniem był Paula Klee i Georges’a Rouaulta.

W latach 30. malarz poznał innych artystów, takich jak Adolph Gottlieb, Barnett Newman i John Graham, co przybliżyło go do malarza Miltona Avery’ego, który odegrał kluczową rolę w decyzji Rothki o podjęciu kariery artystycznej. Choć początkowo pod wpływem Avery’ego, Rothko powoli zaczął dystansować się od stylu innych, co stało się widoczne podczas jego pierwszej solowej wystawy na Wschodnim Wybrzeżu w Contemporary Arts Gallery w Nowym Jorku w 1933 roku. Zaledwie dwa lata później malarz założył grupę The Ten, niezależne zrzeszenie artystów, w skład którego wchodzili Ben-Zion, Ilya Bolotowsky, Adolph Gottlieb, Louis Harris, Yankel Kufeld, Louis Schanker, Joseph Solman i Nahum Tschacbasov, przemieniając się z Marcusa Rotkowicza w Marka Rothkę.

Mark Rothko - Czarny na bordowym, 1958. Olej na płótnie. 266,7 x 365,7 cm. Tate, Londyn. Przekazane przez artystę za pośrednictwem American Foundation of Arts, 1969. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paryż, 2023

Bez względu na epokę czy elementy stylistyczne, Mark Rothko zdaje się stopniowo uwalniać zainteresowanie ukazywaniem tragedii ludzkiego istnienia uosobionej przez kolor. Jego pierwsza solowa wystawa w Nowym Jorku zawierała głównie portrety i sceny miejskie, zwiastując malarską logikę opartą na polach i odcieniach barw. Okres przejściowy artysty (1940-1950) nadal opierał się na figuracji, ale w tym czasie Rothko zaczął wprowadzać odniesienia mitologiczne i elementy surrealistyczne, pod wpływem zarówno innych artystów, jak i pionierów nowoczesnej psychologii, Sigmunda Freuda i Carla Junga. Obrazy Rothki, takie jak Przepowiednia Orła (1942), były częścią zamiaru stworzenia „współczesnego mitu”, funkcjonującego jako prekursor ekspresjonizmu abstrakcyjnego.

Oczyszczony z wszelkich elementów figuratywnych i odniesień, Rothko zaczął malować swoje słynne Multiformy w 1946 roku. Kompozycja tych abstrakcyjnych dzieł została całkowicie zredukowana do nałożonych na siebie prostokątnych pól koloru, badając emocjonalne, psychologiczne i wizualne doznania, jakie może wywołać przenikanie się różnych odcieni i tonów. „Obraz nie jest obrazem doświadczenia. To doświadczenie,” podsumował Rothko, wyjaśniając znaczenie skali i porzucenia ramy jako równie ważnych jak odcienie, tony i żywość koloru w jego misji stworzenia wielozmysłowego przeżycia, a nie tylko obrazu.

Mark Rothko - Nr 14, 1960. Olej na płótnie. 290,83 cm x 268,29 cm. Muzeum Sztuki Współczesnej w San Francisco - zakup z funduszu Helen Crocker Russell. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paryż, 2023

Wciągające, intymne przeżycie

Zamiar Rothki, by zanurzyć widza w swoich dziełach, został zrealizowany w kilku zamówieniach i projektach, w tym słynnych freskach Seagram (1956-1958), stworzonych w harmonii z architekturą. Choć zaprojektowane dla budynku Seagram autorstwa Miesa van der Rohe, dziewięć płócien znalazło swoje miejsce w Tate, tworząc spektakularny Pokój Rothki. W freskach Seagram paleta Rothki przyciemniła się; brązowe, burgundowe, bordowe i czerwone pola barw przenikały się nawzajem, a jego kompozycja przesunęła się ku poziomym i pionowym płaszczyznom sugerującym formy architektoniczne, drzwi i okna przenikające tło. Pierwsze zetknięcie Rothki z architekturą to zamówienie dla Philips Collection w Waszyngtonie, następnie freski Harvardu, a kulminacją była Kaplica Rothki w Houston w Teksasie. Przed samobójstwem w 1970 roku Mark Rothko pracował nad serią Czarnych i Szarych, co według niektórych współczesnych interpretacji sugeruje związek z minimalizmem.

W czasie krytycznej przerwy w praktyce malarskiej Rothko poświęcił się pisaniu książki, by wyjaśnić swoją wizję malarstwa. Opublikowana pośmiertnie w 2004 roku, „Rzeczywistość artysty” oferuje cenny wgląd w umysł i duszę jednego z najważniejszych artystów XX wieku, którego obrazy nadal zachwycają swoją tajemniczością. Choć lektura Rothki daje klucz do odkrycia sekretów jego obrazów, nigdy nie zastąpi intymnego, emocjonalnego i niewytłumaczalnego odruchu, gdy stajemy przed jednym z nich, jeśli odważymy się podążyć za zaproszeniem Rothki: „Dla nas sztuka jest przygodą w nieznany świat, który mogą odkrywać tylko ci, którzy są gotowi podjąć ryzyko.”

Francis Berthomier

Zdjęcie główne: Rothko w Fondation Louis Vuitton, © Ideelart