Robert Delaunay i jego podejście do koloru

Co to znaczy, gdy mówi się, że obraz jest „realistyczny”? Rzeczywistość to temat kontrowersyjny. Jest w końcu czysto subiektywna. To, co ktoś uważa za realne, opiera się na kombinacji tego, co postrzega, co rozumie i co może sobie wyobrazić. W 1912 roku malarz Robert Delaunay opublikował esej w niemieckim czasopiśmie Der Sturm zatytułowany „Notatki o konstrukcji rzeczywistości w czystym malarstwie.” Esej był próbą podsumowania ostatnich 60 lat badań artystycznych, od początku impresjonizmu, w temacie najlepszego sposobu przedstawiania rzeczywistości w sztuce. Delaunay opisał prace swoich poprzedników jako naukowe i analityczne, rozkładające malarstwo na jego składniki, aby dotrzeć do istoty malowanej rzeczywistości. Napisał, że artyści powinni dążyć jedynie do tworzenia tego, co piękne, a rzeczywistość jest jedyną naprawdę piękną rzeczą. Ale rzeczywistość, według Delaunaya, nie oznaczała naśladowania. Raczej zasugerował, że najbardziej podstawowym i pięknym elementem rzeczywistości jest kolor, ponieważ natura, poprzez światło, przekazuje piękno świata przez kolor do naszych oczu, a „to nasze oczy przekazują wrażenia postrzegane w naturze naszej duszy.”

Kolor to rzeczywistość

Jedną z rzeczy, które Robert Delaunay lubił o sobie mówić, jest to, że przed nim malarze używali koloru tylko do kolorowania. Wierzył, że był pierwszym malarzem, który użył koloru jako tematu samego w sobie. Oddał hołd impresjonistom, ponieważ to oni dostrzegli znaczenie światła. Ale wciąż używali tylko cech światła, aby kopiować obrazy obiektywnie widzialnego świata. Ale przynajmniej uznali, że obraz składa się z wielu różnych części, a to percepcja tych części tworzy poczucie tego, czym jest rzeczywistość. Percepcja zachodzi nie na płótnie, ale w mózgu.

Punktualizm był pierwszym i najgłębszym stylem malarskim, który naprawdę badał fakt, że percepcja zachodzi w mózgu. Znany również jako Dzielnictwo, wykorzystywał małe bloki koloru umieszczone obok siebie na płótnie, aby przekazać wrażenie mieszanej barwy, zamiast najpierw mieszać kolory razem. Mózg następnie łączył kolory, aby uzupełnić obraz. To uświadomienie, że oczy i mózg mogą uzupełnić w przeciwnym razie niekompletny obraz, stało się zasadą założycielską końca XIX wieku i początku XX wieku awangardy. Zainspirowało to malarstwo futurystyczne, kubizm, orfizm oraz niezliczone inne style i ruchy od tego czasu.

Kolor jako temat

Robert Delaunay był zafascynowany myśleniem dywizjonistycznym. Zainspirowało go to do myślenia o relacji, jaką kolory mają względem siebie, gdy są umieszczone obok siebie na płótnie, niezależnie od tego, do jakiego obrazu są używane. Powiększył bloki kolorów ponad to, co zrobili punktualiści, tworząc znacznie bardziej wyraźne i zniekształcone efekty wizualne. Użył tej techniki, aby stworzyć serię portretów swojego przyjaciela i kolegi po fachu, abstrakcyjnego malarza Jean Metzingera.

W obrazach Metzinger'a Delaunaya widzimy bloki koloru tworzące głębię i poczucie ruchu, oprócz samego tworzenia obrazu. Dzięki swoim obrazom Divisionist, Delaunay uświadomił sobie, że kolor może przekazywać formę, głębię, światło, a nawet emocje. Niezależnie od figuratywnych elementów obrazu, kolor mógł sam w sobie przekazywać każdą prawdę lub rzeczywistość, którą malarz chciał wyrazić.

Robert Delaunay Rythme n°1, décoration pour le Salon des Tuileries, 1938, oil on canvas, 529 x 592 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Kolor i płaszczyzna

Podczas gdy Delaunay dokonywał własnych odkryć dotyczących malowanej rzeczywistości, kubiści, na czele z Pablo Picasso, również eksperymentowali w podobnej dziedzinie. Próbowali przekazać rzeczywistość czterowymiarową i upływ czasu. Ich metodą było podzielenie świata na płaszczyzny przestrzenne, a następnie wykorzystanie tych płaszczyzn do wyrażenia wielu jednoczesnych punktów widzenia na jeden temat.

Delaunay nie interesował się perspektywą. Wierzył, że tylko za pomocą koloru można wyrazić ruch lub jakiekolwiek inne zjawiska. Niemniej jednak Delaunay był zaintrygowany kubistyczną ideą płaszczyzn przestrzennych. Zauważył, że gdy światło pada na obiekty, różne odcienie, które się pojawiają, są determinowane przez geometrię ich płaszczyzn przestrzennych. Ponieważ płaszczyzny i geometria mają tak bezpośredni wpływ na kolor, pożyczył estetyczny język złamanej płaszczyzny od kubistów i zastosował go w swoich obrazach, tworząc nową abstrakcyjną estetykę, która była częściowo dywizjonistyczna, a częściowo kubistyczna. Najsłynniej użył tego stylu w serii obrazów przedstawiających to, co uważał za ostateczny symbol nowoczesnej epoki: Wieżę Eiffla.

Robert Delaunay - Eiffel Tower, 1911 (dated 1910 by the artist). Oil on canvas. 79 1/2 x 54 1/2 inches (202 x 138.4 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Founding Collection, By gift. 37.463

Kolor i kontrast

Jednym z kolejnych odkryć, które Delaunay uczynił, było związane z kontrastem. Zdał sobie sprawę, że kolory mogą się wzajemnie uzupełniać w sposób, który może wywoływać emocjonalne reakcje w umyśle widza. Zaczął eliminować temat, głębię, światło i wszystkie inne czynniki, koncentrując się wyłącznie na kontrastach kolorystycznych dla ich własnej wartości. Dowiedział się, że różne kontrastujące kolory wywołują różne efekty emocjonalne. Niektóre kolory kontrastowały w sposób, który wydawał się beztroski lub radosny. Inne kontrastowały w sposób, który wydawał się ciężki lub melancholijny.

Odkrył również, że niektóre kolory, umieszczone obok siebie, rzeczywiście tworzyły poczucie ruchu. Widzowie postrzegali je jako drgające, wibrujące, a nawet zmieniające odcienie im dłużej na nie patrzyli. Delaunay nazwał to odczucie Symultanicznością. W swoim obrazie z 1914 roku Hołd dla Bleriota wykorzystał teorię Symultaniczności, aby przekazać to, co uważał za istotny stan nowoczesności, ruch, reprezentowany niemal wyłącznie przez kolor i czysto abstrahowaną formę.

Robert Delaunay - Homage to Bleriot, 1914, Oil on canvas, 6 ft 4 1/2 x 4 ft 2 1/2 in. Kunstmuseum Basel, Basel, Switzerland

Dziedzictwo Roberta Delaunaya

Historia była ważna dla Delaunaya, a według tych, którzy go znali, był on całkiem świadomy swojego miejsca w niej. Szczególnie lubił wskazywać, kto lub co było pierwsze. Napisał, że „Pierwsze obrazy były po prostu linią otaczającą cień człowieka rzucany przez słońce na powierzchnię ziemi.” Chwalił malarza Seurata, założyciela Punktualizmu, za to, że jako pierwszy pokazał znaczenie kolorów komplementarnych. Ale potem skrytykował Seurata za jego niepełne osiągnięcie, stwierdzając, że Punktualizm był „tylko techniką.” Delaunay twierdził, że to on sam jako pierwszy użył teorii kolorów komplementarnych, aby osiągnąć czystą ekspresję piękna.

Rzeczywiście, po przeczytaniu pism Delaunaya na temat koloru widać, że jest on odpowiedzialny za wiele oryginalnych myśli na temat formalnych cech malarstwa. On i jego żona Sonia są uznawani za wynalazców Orfizmu, jednego z najbardziej wpływowych stylów abstrakcyjnych, które pojawiły się przed I wojną światową. Ale nie umniejszając nic Delaunayowi, tak duża uwaga poświęcona kolorowi rodzi pytanie: Czy kolor może być naprawdę najczystszym wyrazem rzeczywistości w naturze? Czy może być jedynym sposobem na przeniesienie piękna do naszych dusz? Musi być to przygnębiające dla osoby niewidomej lub daltonisty, aby usłyszeć takie wieści. Być może myślenie Delaunaya na temat koloru nie było końcem tej historii. Może to, co najważniejsze w jego pracy, to że zadawał pytania, które wielu miłośników sztuki abstrakcyjnej wciąż zadaje dzisiaj: Czym jest rzeczywistość? Czym jest piękno? Jaki jest najlepszy sposób, aby je komunikować, aby połączyły się z ludzką duszą?

Obraz wyróżniony: Robert Delaunay - Portret Jean Metzinger, 1906, Olej na płótnie, 55 x 43 cm. Kolekcja prywatna
Autor: Phillip Barcio