Robert Delaunay i jego podejście do koloru

Co oznacza stwierdzenie, że obraz jest „realistyczny”? Rzeczywistość to temat sporny. W końcu jest całkowicie subiektywna. To, co ktoś uważa za prawdziwe, opiera się na połączeniu tego, co postrzega, co rozumie i co potrafi wyobrazić. W 1912 roku malarz Robert Delaunay opublikował w niemieckim czasopiśmie Der Sturm esej zatytułowany „Notatki o konstrukcji rzeczywistości w czystym malarstwie.” Esej ten był próbą podsumowania sześćdziesięciu lat badań artystycznych, począwszy od impresjonizmu, na temat tego, jak najlepiej przedstawić rzeczywistość w sztuce. Delaunay opisał dzieła swoich poprzedników jako naukowe i analityczne, rozkładające malarstwo na składniki, by dojść do istoty malowanej rzeczywistości. Pisał, że artyści powinni dążyć jedynie do tworzenia tego, co piękne, a rzeczywistość jest jedyną prawdziwie piękną rzeczą. Jednak według Delaunaya rzeczywistość nie oznaczała naśladownictwa. Wręcz przeciwnie, uważał, że najprostszy i najpiękniejszy element rzeczywistości to kolor, ponieważ natura, za pośrednictwem światła, przekazuje piękno świata oczom poprzez kolor, a „to nasze oczy przekazują do naszej duszy doznania odbierane w naturze.”

Kolor to Rzeczywistość

Jedną z rzeczy, które Robert Delaunay lubił o sobie mówić, było to, że przed nim malarze używali koloru jedynie do kolorowania. Wierzył, że był pierwszym malarzem, który uczynił kolor samym tematem. Uznawał zasługi impresjonistów, ponieważ to oni dostrzegli znaczenie światła. Jednak oni nadal używali właściwości światła jedynie do kopiowania obrazów obiektywnie widzialnego świata. Przynajmniej jednak zauważyli, że obraz składa się z wielu różnych części i to percepcja tych części tworzy poczucie, czym jest rzeczywistość. Percepcja zachodzi nie na płótnie, lecz w mózgu.

Pointylizm był pierwszym i najgłębszym stylem malarskim, który naprawdę badał fakt, że percepcja zachodzi w mózgu. Znany również jako dywizjonizm, wykorzystywał małe plamy koloru umieszczone obok siebie na płótnie, by przekazać wrażenie koloru mieszanego, zamiast mieszać kolory wcześniej. Mózg łączył wtedy kolory, by dopełnić obraz. To uświadomienie, że oczy i mózg mogą dopełnić inaczej niepełny obraz, stało się zasadą założycielską awangardy końca XIX i początku XX wieku. Zainspirowało malarstwo futurystyczne, kubizm, orfizm oraz niezliczone inne style i ruchy od tamtej pory.

Kolor jako Temat

Robert Delaunay był zafascynowany myśleniem dywizjonistycznym. Zainspirowało go to do rozważania relacji między kolorami umieszczonymi obok siebie na płótnie, niezależnie od tego, jaki obraz miały tworzyć. Powiększył plamy koloru bardziej niż pointyliści, tworząc znacznie wyraźniejsze i bardziej abstrakcyjne efekty wizualne. Użył tej techniki do stworzenia serii portretów swojego przyjaciela i kolegi abstrakcyjnego malarza Jeana Metzingera.

W obrazach Delaunaya przedstawiających Metzingera widzimy plamy koloru tworzące głębię i poczucie ruchu, oprócz samego tworzenia obrazu. Poprzez swoje dywizjonistyczne obrazy Delaunay zrozumiał, że kolor może przekazywać formę, głębię, światło, a nawet emocje. Niezależnie od elementów figuratywnych obrazu, kolor sam w sobie może przekazać każdą prawdę lub rzeczywistość, którą malarz pragnie wyrazić.

Robert Delaunay Rythme n°1, dekoracja na Salon des Tuileries, 1938, olej na płótnie, 529 x 592 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Kolor i Płaszczyzna

Podczas gdy Delaunay dokonywał własnych odkryć dotyczących malowanej rzeczywistości, kubiści pod przewodnictwem Pabla Picassa również eksperymentowali w podobnym obszarze. Próbowali przekazać rzeczywistość czterowymiarową i upływ czasu. Ich metodą było dzielenie świata na przestrzenne płaszczyzny, a następnie używanie tych płaszczyzn do wyrażenia wielu jednoczesnych punktów widzenia na jeden temat.

Delaunay nie interesował się perspektywą. Wierzył, że samym kolorem można wyrazić ruch lub inne zjawiska. Jednak mimo to był zaintrygowany kubistycznym pomysłem płaszczyzn przestrzennych. Zauważył, że gdy światło pada na przedmioty, różne odcienie, które się pojawiają, zależą od geometrii ich płaszczyzn przestrzennych. Ponieważ płaszczyzny i geometria mają tak bezpośredni wpływ na kolor, zapożyczył estetykę złamanej płaszczyzny od kubistów i zastosował ją w swoich obrazach, tworząc nowe abstrakcyjne podejście estetyczne, będące częściowo dywizjonistyczne, a częściowo kubistyczne. Najsłynniej użył tego stylu w serii obrazów przedstawiających to, co uważał za ostateczny symbol epoki nowoczesnej: Wieżę Eiffla.

Robert Delaunay - Wieża Eiffla, 1911 (datowany przez artystę na 1910). Olej na płótnie. 79 1/2 x 54 1/2 cala (202 x 138,4 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, Nowy Jork, Kolekcja Założycielska Solomon R. Guggenheim, dar. 37.463

Kolor i Kontrast

Jedno z kolejnych odkryć Delaunaya dotyczyło kontrastu. Zdał sobie sprawę, że kolory mogą się wzajemnie uzupełniać w sposób wywołujący emocjonalne reakcje w umyśle widza. Zaczął eliminować temat, głębię, światło i inne czynniki, skupiając się wyłącznie na kontraście kolorów jako wartości samej w sobie. Dowiedział się, że różne kontrastujące kolory wywołują różne efekty emocjonalne. Niektóre kontrasty były lekkie i radosne, inne zaś ciężkie i melancholijne.

Odkrył także, że niektóre kolory, umieszczone obok siebie, wywołują wrażenie ruchu. Widzowie odbierali je jako drgające, wibrujące, a nawet zmieniające odcień im dłużej się na nie patrzyli. Delaunay nazwał to zjawisko simultaneizmem. W swoim obrazie z 1914 roku Hołd dla Bleriota zastosował teorię simultaneizmu, by przekazać to, co uważał za istotę nowoczesności – ruch, przedstawiony niemal wyłącznie za pomocą koloru i czysto abstrakcyjnej formy.

Robert Delaunay - Hołd dla Bleriota, 1914, olej na płótnie, 6 stóp 4 1/2 cala x 4 stopy 2 1/2 cala. Kunstmuseum Basel, Bazylea, Szwajcaria

Dziedzictwo Roberta Delaunaya

Historia była dla Delaunaya ważna i według tych, którzy go znali, był świadomy swojego miejsca w niej. Szczególnie lubił wskazywać, kto lub co było pierwsze. Pisał, że „Pierwsze obrazy to po prostu linia otaczająca cień człowieka rzucany przez słońce na powierzchnię ziemi.” Chwalił malarza Seurata, twórcę pointylizmu, za pierwsze ukazanie znaczenia kolorów dopełniających się. Jednak potem krytykował Seurata za niepełne dokonanie, twierdząc, że pointylizm to „tylko technika.” Delaunay twierdził, że to on sam jako pierwszy użył teorii kolorów dopełniających się, by dojść do czystego wyrazu piękna.

Rzeczywiście, po przeczytaniu pism Delaunaya o kolorze widać wyraźnie, że jest on odpowiedzialny za wiele oryginalnych przemyśleń na temat formalnych cech malarstwa. On i jego żona Sonia są uznawani za twórców orfizmu, jednego z najbardziej wpływowych stylów abstrakcyjnych, które pojawiły się przed I wojną światową. Jednak bez umniejszania zasług Delaunaya, tak duże skupienie na kolorze rodzi pytanie: czy kolor naprawdę jest najczystszym wyrazem rzeczywistości w naturze? Czy jest jedynym sposobem przekazywania piękna do naszej duszy? Dla osoby niewidomej lub daltonisty może to być przygnębiająca wiadomość. Być może myślenie Delaunaya o kolorze nie było końcem historii. Może najważniejsze w jego pracy jest to, że zadawał pytania, które wielu miłośników sztuki abstrakcyjnej zadaje do dziś: Czym jest rzeczywistość? Czym jest piękno? Jaki jest najlepszy sposób, by je przekazać, aby połączyć się z ludzką duszą?

Zdjęcie wyróżnione: Robert Delaunay - Portret Jeana Metzingera, 1906, olej na płótnie, 55 x 43 cm. Kolekcja prywatna
Autor: Phillip Barcio