Przestrzenne Reliefy Hélio Oiticica

Wystawa wczesnych prac Hélio Oiticiki w Galerie Lelong & Co. w Nowym Jorku jest warta odwiedzenia, ponieważ daje wgląd w czysty estetyzm plastyczny, który stanowił podstawę dorobku tego fascynującego artysty. W miarę rozwoju kariery Oiticica inspirował się coraz mniej formalizmem, a coraz bardziej zmysłowością i interakcjami społecznymi z publicznością. Artysta zyskał światową sławę dzięki takim pracom jak „Penetrables” — strukturom, do których widzowie wchodzą; „parangolés” — dziełom sztuki do noszenia, które widzowie mogli zakładać podczas tańca; oraz environnementom, takim jak wielkoformatowa „Tropicália” — wyspa z piasku i kamieni we wnętrzu galerii, na której zbudowano wiele „Penetrables”, przypominających fawele znane każdemu, kto odwiedził slumsy Rio de Janeiro. Wszystkie te późniejsze prace opierają się na założeniu, że doświadczenia publiczności związane ze sztuką są bardziej pamiętne i istotniejsze, jeśli mają charakter partycypacyjny. Język wizualny, który kształtuje te partycypacyjne dzieła, jest jednak zakorzeniony w czymś czysto plastycznym. Wyłonił się z lat wczesnych badań prowadzonych przez Oiticicę w dążeniu do odkrycia istoty wybranego przez niego medium. Badania te stanowią fundament wystawy „Hélio Oiticica: Spatial Relief and Drawings, 1955–59” w Galerie Lelong. Ekspozycja prezentuje trzy odrębne grupy prac. Pierwszą stanowią przykłady z serii „Grupo Frente”, czyli „Grupa Front”, będące kompozycjami z gwaszu na kartonie, które wyrosły z pozostałości ruchu sztuki konkretnej, jak gdyby badały, jakie mogłyby być fundamentalne struktury wizualne geometrycznej sztuki abstrakcyjnej. Następnie pokazano kilka przykładów z serii „Metaesquemas”, czyli „Meta-schematy”. W tych obrazach wykonanych gwaszem na kartonie Oiticica sprowadza swój język wizualny do najprostszych, najbardziej autoreferencyjnych elementów — kolorowych prostokątów ułożonych w niekonwencjonalne siatki. Na koniec wystawa oferuje widzom pracę z serii „Relevo Espacial”, czyli „Relief przestrzenny”. Seria ta wyznaczyła przełomowy moment, gdy formy i kolory rozwinięte przez Oiticicę w obrazach wyszły w trójwymiarową przestrzeń, stając się obiektami współistniejącymi z widzami w strefie równoprawnego uczestnictwa.

Narodziny nie-obiektu

Hélio Oiticica urodził się w Rio de Janeiro w Brazylii w 1937 roku. W czasie jego dorastania w awangardzie Ameryki Południowej szerzył się żarliwy optymizm. W Argentynie w 1945 roku artyści wierzący, że utopijne, uniwersalistyczne idee geometrycznej sztuki abstrakcyjnej mogą pomóc przekształcić skorumpowany system polityczny ich kraju, założyli ruch Arte Concreto Invención. Tymczasem w Brazylii artyści powracający po edukacji w Europie przywieźli ze sobą wiele podobnych idealistycznych przekonań. Mocno wierzyli, że mogą wykorzystać formalne filozofie geometrycznej sztuki abstrakcyjnej, aby w jakiś sposób przekształcić tradycyjne społeczeństwo brazylijskie, prowadząc do powstania bardziej egalitarnej, postępowej kultury. Ich optymistyczny zapał znalazł najpełniejszy wyraz w stworzeniu Brasílii, nowej, nowoczesnej stolicy Brazylii — futurystycznej metropolii lśniącej, białej modernistycznej architektury, zaprojektowanej jako całość przez brazylijskiego architekta Oscara Niemeyera.

Hélio Oiticica: Spatial Relief and Drawings, 1955–59 w Galerie Lelong, 2018. Zdjęcie dzięki uprzejmości Galerie Lelong

Brasília została oficjalnie założona w 1960 roku, lecz młodzi artyści tacy jak Oiticica natychmiast dostrzegli ponurą rzeczywistość jej porażki. Choć drogie i piękne budynki zachwycały swoim widokiem, ubodzy ludzie i ich dzieci wciąż żebrali na ulicach. Ruch sztuki konkretnej, który zainspirował tę utopijną wizję zakorzenienia się w Brazylii, okazał się niczym więcej niż najnowszym kulturowym przywilejem elit. Rozczarowanie tą epoką skłoniło Oiticicę, wraz z Lygíą Clark i Lygíą Pape, do założenia ruchu neo-konkretyzmu. Ich nowy ruch miał na celu poprawę życia zwykłych obywateli Brazylii. Zainspirowały go idee wyrażone w eseju Ferreiry Gullara zatytułowanym „Teoria nie-obiektu”. Esej głosił, że materialne obiekty, takie jak dzieła sztuki, nie mają same w sobie wartości dla ludzi poszukujących sensu. Są wartościowe tylko o tyle, o ile można zrozumieć ich status jako nie-obiektów — materialnych obiektów, które pozwalają „zaistnieć doświadczeniom zmysłowym i mentalnym...”.

Hélio Oiticica: Spatial Relief and Drawings, 1955–59 w Galerie Lelong, 2018. Zdjęcie dzięki uprzejmości Galerie Lelong

Powściągliwa nadzieja

Koncentrując się na tworzeniu „nie-obiektów” zamiast tradycyjnych dzieł sztuki, Oiticica i inni artyści neo-konkretyzmu mieli nadzieję wzbudzić nową, choć powściągliwą wiarę w to, że sztuka może splatać się z potrzebami i wartościami zwykłych ludzi. Oiticica dokładał starań, by wystawiać swoje prace poza przestrzeniami muzealnymi. Za życia miał tylko jedną wystawę w tradycyjnym muzeum. Pozostałe odbywały się w bardziej swobodnych i mniej onieśmielających dla widzów przestrzeniach galerii. Zachęcał ludzi do dotykania jego prac. Widzowie tańczyli i śmiali się, zakładając jego „parangolés”. Gromadzili się w jego „Penetrables”, jedząc, pijąc, a nawet uprawiając seks. Jednak nawet ten optymistyczny okres wkrótce dobiegł dla Oiticiki końca. Przeniósł się do Nowego Jorku i ponownie przekształcił swoją twórczość, tworząc prywatne environnementy we własnym mieszkaniu, gdzie małe grupy ludzi zapraszano na intymne doświadczenia, podczas których zażywali kokainę i oglądali przygotowane przez Oiticicę projekcje wideo.

Hélio Oiticica: Spatial Relief and Drawings, 1955–59 w Galerie Lelong, 2018. Zdjęcie dzięki uprzejmości Galerie Lelong

Kiedy Oiticica opuścił Nowy Jork i wrócił do Brazylii, był rozczarowany skrajnymi granicami, do których doprowadził swoją koncepcję. Przestał zażywać narkotyki i ponownie zwrócił się ku formalizmowi, czego przykładem są późne projekty, takie jak „Magic Square nº 3” (1979). Jednak, jak pokazuje również ta konkretna praca, Oiticica wciąż był zdeterminowany, by tworzyć dzieła, z którymi ludzie mogliby wchodzić w interakcję i w których mogliby uczestniczyć. Kuszące jest wyobrażanie sobie, jak wspaniałe dzieła mógłby jeszcze stworzyć Oiticica, gdyby nie zmarł w 1980 roku, w wieku 42 lat, na udar spowodowany nadciśnieniem. Inną wielką tragedią związaną z jego dziedzictwem jest to, że w 2009 roku wiele prac i osobistych pamiątek pozostawionych przez Oiticicę zniszczono w pożarze domu jego brata. Tym cenniejsza jest więc każda okazja, by zobaczyć autentyczne przykłady jego twórczości, gdy są prezentowane. Dają one wgląd w błyskotliwy umysł, który naprawdę rozumiał znaczenie przenikania się sztuki i codziennego życia. „Hélio Oiticica: Spatial Relief and Drawings, 1955–59” w Galerie Lelong & Co. w Nowym Jorku można oglądać do 26 stycznia 2019 roku.

Zdjęcie główne: Hélio Oiticica: Spatial Relief and Drawings, 1955–59 w Galerie Lelong, 2018. Zdjęcie dzięki uprzejmości Galerie Lelong
Autor: Phillip Barcio