Za praktyką transcendencji Joany Snyder

Joan Snyder osiągnęła coś, co niewielu artystów udaje się osiągnąć: stała się ikoną. Zazwyczaj, aby być uznawanym za ikonicznego, artysta musi skupić się na jednym stylu, jednej technice lub jednej charakterystycznej metodzie. Jackson Pollock jest ikoną dzięki swoim obrazom z plamami; Georgia O’Keeffe jest ikoną dzięki swoim obrazom kwiatów; Mark Rothko jest ikoną dzięki swoim obrazom z pola koloru; Yves Klein jest ikoną dzięki swojemu charakterystycznemu użyciu „IKB Blue”. Lista mogłaby się ciągnąć w nieskończoność. Jednak to, co czyni Snyder idealną ikoną naszych czasów, to fakt, że nie jest znana z jednej konkretnej rzeczy. Zrobiła wszystko, aby nie tworzyć żadnego konkretnego rodzaju dzieła ani nie stosować żadnej konkretnej metody czy techniki. Od momentu, gdy po raz pierwszy zyskała uznanie za swoją pracę pod koniec lat 60., nieustannie rozwijała swoją praktykę. Każdy obraz, który tworzy, ma swoją własną logikę, definiowaną przez przeszłość tylko w takim stopniu, w jakim jest przez nią informowana. Snyder posiada wrodzoną, sympatyczną intuicję, która w niektórych kręgach może uchodzić za mądrość lub oświecenie, ale w rzeczywistości jest bardziej podobna do pokory. Przyjmuje to, co było, akceptuje jego wpływ na to, co jest, i nie udaje, że wie, co będzie. Ta postawa sprawia, że pozostaje ostrożnie optymistyczna pomimo cierpienia, które przeszła, i sprawia, że jej obrazy są nieskończono świeże. Widzowie nigdy nie będą w stanie przewidzieć, co Snyder zrobi następnie w swoim studiu, ponieważ ona sama tak naprawdę nie wie. Mimo że planuje, szkicuje i gorączkowo zapisuje pomysły, mówi, że jej obrazy są właściwie bardziej jak jazz – „po prostu się zdarzają”. Snyder przekracza wszelkie próby oznaczenia jej pracy, odmawiając jej ograniczenia. Pozostaje otwarta, szczera i wolna. W przeciwieństwie do większości innych ikonicznych artystów, którzy zostają uwięzieni przez jakąś przyjętą prawdę narzuconą im przez historię lub rynek, Snyder jest ikonicznym przykładem artysty, który wie, że musi być wierna tylko sobie.

Pierwszy Maksymalista

Jeśli jest jedno słowo, z którym Snyder mogłaby się zaryzykować, to byłby to termin „Maximalist”. Urodziła się w 1940 roku, a w 1966 roku uzyskała tytuł magistra sztuk pięknych na Uniwersytecie Rutgers, kilka mil od miejsca, w którym dorastała w Highland Park w New Jersey. Świat sztuki w tamtym czasie flirtował z niewielką liczbą charakterystycznych ruchów: Pop Art, Op Art, druga fala Ekspresjonizmu Abstrakcyjnego, Sztuka Konceptualna, Sztuka Performansu. Ale bez wątpienia najbardziej dominującym wschodzącym trendem był Minimalizm. Artyści tacy jak Donald Judd, Sol Le Witt i Frank Stella oszałamiali oczy i umysły miłośników sztuki swoimi uproszczonymi, bezsentymentalnymi kompozycjami. Dla wielu widzów, kuratorów i dealerów ich prace wydawały się idealnym antidotum na dwie dekady emocjonalnie naładowanych dzieł artystów dążących do wyrażenia każdego z ich najgłębszych, podświadomych uczuć.

Joan Snyder - Czy możemy przekształcić naszą złość w poezję, 1985. Litografia kolorowa na papierze Rives BFK. 30 1/4 × 44 1/4 cala; 76,8 × 112,4 cm. Edycja Printersproof/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, Nowy Jork. © Joan Snyder

Snyder dostrzegła tych minimalistów i doceniła strukturę oraz pewność ich pracy. Ale również zdała sobie sprawę, że ich prace nie miały nic wspólnego z nią osobiście. Zresztą, nie sądziła, że jakiekolwiek inne ruchy miałyby coś wspólnego z nią. Postrzegała wszystkie te ruchy artystyczne jako wyewoluowane z patriarchalnego rynku sztuki oraz zniekształconego, niekompletnego, męskiego spojrzenia na historię sztuki. Nie wiedziała dokładnie, jaki rodzaj obrazów chciała tworzyć, ale wiedziała, że cokolwiek namaluje, będzie to zgodne z nią samą. Pierwsze obrazy, które stworzyła po szkole, były malarskimi eksploracjami języka siatki. Następnie powstała seria tzw. obrazów „Stroke”, które mapowały wizualny język pociągnięć pędzla. Oba były próbami zbudowania osobistej składni, za pomocą której mogłaby komunikować złożone, warstwowe narracje osobiste. Tymczasem jedyną rzeczą, na której koncentrowała się ponad wszystko inne, było wkładanie coraz więcej do pracy, aż powiedziała to, co chciała, aby powiedziała. Mówi: „Moim całym pomysłem było mieć więcej, a nie mniej w obrazie.” Jej podejście nazwano „maksymalizmem.”

Joan Snyder - Jesienna Pieśń, 2002. Olej i mieszane media na płótnie. 50 × 96 cali; 127 × 243,8 cm. Galerie Alexandre, Nowy Jork. © Joan Snyder

Dziedzictwo Walki

Snyder czasami porównywała swoje prace do symfonii. Bez wątpienia mieszanka impasto, detrytusu, kropli i kulistych form w obrazach takich jak „Amor Matris” (2015) czy „Symfonia VII” (2014) może być odczytywana jak wizualna muzyka czekająca na tłumaczenie przez zbolały instrument naszych duchów. Jednak te obrazy mają również coś wspólnego z epicką literaturą. Narracje rozwijają się, napędzane intensywną ciemnością i światłem kolorów oraz tonów. Surowe, pierwotne formy ogłaszają, że mają charakter i dumę; ich walka, aby stać się czymś więcej, stanowi ogromne wyzwanie dla naszych oczu i umysłów. Słowa, które Snyder wprowadza do obrazów takich jak „Pudrowe Perły” (2017) — czasami pisząc je, a czasami rysując je w medium — kierują naszymi myślami i nastrojem. W końcu jednak, piosenki, które słyszymy, lub historie, które czytamy w tych obrazach, mają więcej wspólnego z naszą własną wewnętrzną narracją niż z tym, co skłoniło Snyder do nałożenia pędzla na powierzchnię.

Joan Snyder - Proszkowe Perły, 2017. Mieszana technika. Olej, akryl, tkanina, kredka kolorowa, pastel, koraliki i brokat na płótnie. 137,0 × 91,5 cm. 53,9 × 36,0 in. Franklin Parrasch Gallery. © Joan Snyder

Bez względu na to, jak wybierzemy spojrzeć na obrazy tworzone przez Snydera, jedną niezaprzeczalną rzeczą, którą wszystkie mają wspólną, jest ich dziedzictwo walki. Snyder zmagała się z samą sobą, aby je stworzyć — fakt ten potwierdzają ich ogromna złożoność wizualna i głębokość materiałowa. A jednak nie są one dowodem na rodzaj walki, którego wolelibyśmy unikać. Zamiast tego są dowodem niemal radosnej walki. Lśnią dumą młodzieńczą, którą nosimy ze sobą w każdym wieku, gdy pokonujemy nasz naturalny ludzki lęk. To tak, jakby w swojej wędrującej narracji próbowały zaoferować nam trudne do wyjaśnienia, ale niezaprzeczalne rozwiązania problemów, które zawsze wiedzieliśmy, że mamy, ale dzięki Snyder i jej wysiłkom, aby być wierną sobie, teraz wiemy, że mamy je wspólne.

Obraz wyróżniony: Joan Snyder - Mały pejzaż morski, 2011. Olej i akryl na lnie. 18 × 24 cale; 45,7 × 61 cm. Galerie Alexandre, Nowy Jork. © Joan Snyder
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio