Za praktyką transcendencji Joany Snyder

Joan Snyder dokonała czegoś, co udaje się niewielu artystom: stała się ikoną. Zazwyczaj, aby być uznanym za ikonę, artysta musi skupić się na jednym stylu, jednej technice lub jednej charakterystycznej metodzie. Jackson Pollock jest ikoną dzięki swoim obrazom z rozpryskami farby; Georgia O’Keeffe jest ikoną dzięki swoim obrazom kwiatów; Mark Rothko jest ikoną dzięki swoim obrazom z pola barw; Yves Klein jest ikoną dzięki swojemu charakterystycznemu użyciu „IKB Blue”. Lista mogłaby być długa. To, co czyni Snyder idealną ikoną naszych czasów, to fakt, że nie jest znana z jednej konkretnej rzeczy. Świadomie unikała tworzenia jednego rodzaju dzieł lub stosowania jednej metody czy techniki. Od momentu, gdy po raz pierwszy zyskała uznanie pod koniec lat 60. XX wieku, nieustannie rozwijała swoją twórczość. Każdy jej obraz ma własną logikę, określoną przez przeszłość tylko o tyle, o ile jest przez nią inspirowany. Snyder posiada wrodzoną, sympatyczną intuicję, którą niektórzy mogą uznać za mądrość lub oświecenie, ale w rzeczywistości jest to raczej pokora. Akceptuje to, co było, przyjmuje jego wpływ na to, co jest, i nie udaje, że wie, co będzie. Takie podejście pozwala jej zachować ostrożny optymizm mimo cierpień, które przeszła, i sprawia, że jej obrazy są nieustannie świeże. Widzowie nigdy nie będą mogli przewidzieć, co Snyder zrobi następnego w swoim atelier, ponieważ ona sama tak naprawdę nie wie. Mimo że planuje, szkicuje i gorączkowo notuje pomysły, mówi, że jej obrazy są bardziej jak jazz — „po prostu się zdarzają”. Snyder przekracza wszelkie próby zaszufladkowania jej twórczości, odmawiając jej ograniczania. Pozostaje otwarta, szczera i wolna. W przeciwieństwie do większości innych ikon artystycznych, które zostają uwięzione przez narzucone im przez historię lub rynek prawdy, Snyder jest ikonicznym przykładem artystki, która wie, że musi być wierna tylko sobie.

Pierwsza Maksymalistka

Jeśli jest jedno słowo, którym Snyder mogłaby zostać określona, to byłoby to „Maksymalistka”. Urodzona w 1940 roku, uzyskała tytuł magistra sztuk pięknych w 1966 roku na Uniwersytecie Rutgersa, kilka kilometrów od miejsca, gdzie dorastała w Highland Park w New Jersey. Świat sztuki w tamtym czasie flirtował z kilkoma wyróżniającymi się nurtami: Pop Art, Op Art, druga fala Ekspresjonizmu abstrakcyjnego, sztuka konceptualna, sztuka performansu. Jednak bez wątpienia najważniejszym wschodzącym trendem był minimalizm. Artyści tacy jak Donald Judd, Sol Le Witt i Frank Stella zachwycali oczy i umysły miłośników sztuki swoimi oszczędnymi, pozbawionymi sentymentów kompozycjami. Dla wielu widzów, kuratorów i handlarzy ich prace wydawały się idealnym antidotum na dwie dekady pełne emocjonalnie naładowanych dzieł artystów pragnących wyrazić każde swoje najgłębsze podświadome uczucie.

Joan Snyder - Can we turn our rage into poetry, 1985. Litografia kolorowa na papierze Rives BFK. 76,8 × 112,4 cm. Edycja Printersproof/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, Nowy Jork. © Joan Snyder

Snyder dostrzegała w tych minimalistach strukturę i pewność ich dzieł. Jednak zdawała sobie sprawę, że ich prace nie mają z nią nic wspólnego. Podobnie nie uważała, by którykolwiek z innych nurtów miał z nią coś wspólnego. Postrzegała wszystkie te ruchy artystyczne jako wyewoluowane z patriarchalnego rynku sztuki i wypaczonego, niepełnego, męskiego spojrzenia na historię sztuki. Nie wiedziała dokładnie, jakie obrazy chce tworzyć, ale wiedziała, że cokolwiek namaluje, będzie prawdziwe wobec niej samej. Pierwsze obrazy po studiach były malarskimi eksploracjami języka siatki. Następnie powstała seria tzw. obrazów „Stroke”, które mapowały wizualny język pociągnięć pędzla. Oba te cykle były próbą zbudowania osobistej składni, za pomocą której mogłaby przekazywać złożone, wielowarstwowe narracje osobiste. Tymczasem najważniejszym celem było dla niej włożenie do dzieła jak najwięcej, aby wyrażało to, co chciała przekazać. Mówi: „Moim całym zamysłem było mieć więcej, a nie mniej na obrazie.” Jej podejście nazwano „maksymalizmem”.

Joan Snyder - Autumn Song, 2002. Olej i techniki mieszane na płótnie. 127 × 243,8 cm. Galerie Alexandre, Nowy Jork. © Joan Snyder

Dziedzictwo walki

Snyder czasem porównywała swoje dzieła do symfonii. Bez wątpienia mieszanka warstw impastu, odpadków, kapania i kulistych form w obrazach takich jak „Amor Matris” (2015) czy „Symphony VII” (2014) może być odczytywana jak wizualna muzyka czekająca na tłumaczenie przez udręczony instrument naszych duchów. Jednak te obrazy mają też coś wspólnego z literaturą epicką. Narracje rozwijają się, napędzane przez intensywną ciemność i światło kolorów i tonów. Surowe, pierwotne formy ogłaszają swój charakter i dumę; ich walka o stanie się czymś więcej stanowi poważne wyzwanie dla naszych oczu i umysłów. Słowa, które Snyder wprowadza do obrazów takich jak „Powdered Pearls” (2017) — czasem pisząc je, a czasem drapiąc w medium — kierują naszymi myślami i nastrojem. Ostatecznie jednak pieśni, które słyszymy, lub historie, które czytamy w tych obrazach, mają więcej wspólnego z naszą własną wewnętrzną narracją niż z tym, co skłoniło Snyder do sięgnięcia po pędzel.

Joan Snyder - Powdered Pearls, 2017. Techniki mieszane. Olej, akryl, tkanina, kredka kolorowa, pastel, koraliki i brokat na płótnie. 137,0 × 91,5 cm. Galerie Franklin Parrasch. © Joan Snyder

Bez względu na to, jak spojrzymy na obrazy Snyder, jedną niezaprzeczalną cechą, którą wszystkie mają wspólną, jest ich dziedzictwo walki. Snyder zmagała się z samą sobą, by je stworzyć — co potwierdza ich ogromna wizualna złożoność i materialna głębia. A jednak nie są one dowodem na rodzaj walki, której wolelibyśmy unikać. Są raczej świadectwem niemal radosnej walki. Promieniują młodzieńczą dumą, którą nosimy w sobie w każdym wieku, gdy pokonujemy nasz naturalny ludzki niepokój. Jakby w swoim powolnym opowiadaniu próbowały zaoferować nam trudne do wyjaśnienia, ale niezaprzeczalne rozwiązania problemów, które zawsze wiedzieliśmy, że mamy, a dzięki Snyder i jej wysiłkom, by być wierną sobie, teraz wiemy, że mamy je wspólnie.

Zdjęcie główne: Joan Snyder - Small Seascape, 2011. Olej i akryl na lnie. 45,7 × 61 cm. Galerie Alexandre, Nowy Jork. © Joan Snyder
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio