Sztuka Konkretną: Przewodnik Kolekcjonera po Sztuce Absolutnej Jasności

W leksykonie historii sztuki niewiele terminów jest tak niezrozumianych jak „Sztuka Konkreta”. Dla niewtajemniczonych słowo to kojarzy się z ciężarem, solidnością lub być może z szarym materiałem przemysłowym. W świecie sztuki jednak oznacza coś znacznie bardziej radykalnego: odrzucenie idei, że sztuka musi być „o” czymś innym. Podczas gdy tradycyjna abstrakcja abstrahuje od rzeczywistości (bierze drzewo i redukuje je do linii), Sztuka Konkreta tworzy nową rzeczywistość. Twierdzi, że linia, kolor czy płaszczyzna są realnymi rzeczami, tak konkretnymi jak krzesło czy kamień. Dziś, gdy poruszamy się w świecie przesyconym cyfrowym szumem i niekończącymi się narracjami, dążenie artysty konkretnego do „absolutnej jasności” i autonomicznej formy wydaje się nie tylko aktualne, ale wręcz niezbędne. Oferuje wizualną przystań, miejsce, gdzie to, co widzisz, jest dokładnie tym, czym jest.

Poza abstrakcją: odrębna natura Sztuki Konkreta

Obok suprematyzmu, konstruktywizmu, De Stijl, neo-konkretnej sztuki i minimalizmu, Sztuka Konkreta jest jednym z około pół tuzina geometrycznych ruchów abstrakcyjnych, które pojawiły się w XX wieku, mniej więcej między 1913 a 1970 rokiem. Jednak wyróżnia się wyraźnie spośród pozostałych na tej liście. Różnica może nie być łatwo dostrzegalna. Wizualnie wszystkie te sześć ruchów tworzyło podobne dzieła. Wynika to z faktu, że wszystkie opierały się na tym samym składniku — wizualnym języku zakorzenionym w nieprzedmiotowych, formalnych elementach, takich jak linie, kształty i kolory.

Daniel Göttin - Untitled 1-12 - 2017

Istotna różnica między nimi była niemal całkowicie semantyczna, co oznacza, że intencja i znaczenie każdego z nich były unikalne. Suprematyzm używał abstrakcji geometrycznej, by przekazać „wyższość czystego uczucia lub percepcji”. Konstruktywizm wykorzystywał ją do tworzenia nowych, użytecznych symboli dla nowoczesnego świata. De Stijl używał elementów geometrycznych do badania wewnętrznej harmonii wszechświata. Sztuka Konkreta była czysto plastyczna: każdy użyty element wizualny był tworzony w sposób mechaniczny i pozbawiony jakiegokolwiek symbolicznego, emocjonalnego, duchowego czy naturalistycznego znaczenia. Neo-Konkretna sztuka używała tego samego języka wizualnego co Sztuka Konkreta, ale odrzucała jej czystą plastyczność, skupiając się zamiast tego na fenomenologicznym potencjale, który pojawia się, gdy ludzie wchodzą w interakcję ze sztuką. Minimalizm zgadzał się, że elementy plastyczne powinny być samoodniesione, ale posunął to przekonanie do skrajności, nadając komponentom estetycznym autonomiczną moc do tego stopnia, że sublimował artystę, usuwając wszelkie ślady autorstwa, narracji, biografii czy czegokolwiek, co mogłoby zakłócić totalitarną obecność dzieła.

Spośród wszystkich tych ruchów tylko jeden, sztuka konkretna, może twierdzić, że jest czysto abstrakcyjna. Tylko ona aktywnie dążyła do wyeliminowania wszelkiego zewnętrznego znaczenia, uwalniając artystów od konieczności przekazywania czegokolwiek poza tym, co jest wyraźnie widoczne w dziele.

Zmierzając ku konkretyzacji

Tendencja do czystej, plastycznej sztuki zakorzeniła się w Europie około połowy XIX wieku. Wtedy to malarze związani z ruchami takimi jak impresjonizm i dywizjonizm zaczęli izolować elementy takie jak światło i kolor jako wartościowe do indywidualnego rozważenia. Jednak temat i znaczenie wciąż były ważne dla ludzi w tamtym czasie, jeśli nie dla samych artystów, to przynajmniej dla ich mecenasów. Dopiero ruchy takie jak kubizm i futuryzm zaczęły zmieniać ten sposób myślenia, torując drogę artystom takim jak Wassily Kandinsky i Kazimir Malevich, którzy na początku XX wieku malowali całkowicie abstrakcyjne dzieła.

Jednak nawet Kandinsky i Malevich tworzyli dzieła, które odwoływały się do zewnętrznych źródeł znaczenia, takich jak duchowość i symbolika. Dopiero w 1930 roku pierwszy Europejczyk zdołał werbalizować pragnienie przyjęcia naprawdę bezsensownej, czystej formy abstrakcyjnej sztuki wizualnej. Tym artystą był holenderski malarz i pisarz Theo van Doesburg. Van Doesburg zyskał sławę około 1917 roku, kiedy współzałożył De Stijl z Pietem Mondrianem. Jednak szybko się rozstali, ponieważ Mondrian, podobnie jak wielu innych artystów abstrakcyjnych, był silnie pod wpływem utopijnej duchowości. Van Doesburg chciał uciec od wszelkich takich wpływów, a także od wszelkich odniesień naturalistycznych czy figuratywnych. W 1930 roku, wraz ze szwajcarskim artystą Otto Gustafem Carlsundem, francuskim malarzem Jeanem Hélionem, ormiańskim malarzem Léonem Arthurem Tutundjianem oraz francuskim typografem Marcelem Wantzem, współautorem Manifestu Sztuki Konkreta.

Leon Arthur Tutundjian - La Boule Noire, 1926, © Leon Arthur Tutundjian

Manifest Sztuki Konkreta

Manifest określił sześć zasad: „1) Sztuka jest uniwersalna. 2) Dzieło sztuki musi być całkowicie zaprojektowane i ukształtowane przez umysł przed jego wykonaniem. Nie powinno otrzymywać żadnych formalnych danych z natury, zmysłowości ani sentymentalności. Chcemy wykluczyć liryzm, dramat, symbolikę i tym podobne. 3) Obraz musi być całkowicie zbudowany z czysto plastycznych elementów, mianowicie powierzchni i kolorów. Element obrazowy nie ma żadnego znaczenia poza „sobą samym”; w konsekwencji obraz nie ma żadnego znaczenia poza „sobą samym”. 4) Konstrukcja obrazu, jak i jego elementów, musi być prosta i wizualnie kontrolowalna. 5) Technika malarska musi być mechaniczna, tj. dokładna, antyimpresjonistyczna. 6) Wysiłek na rzecz absolutnej jasności jest obowiązkowy.”

Van Doesburg zmarł rok po opublikowaniu Manifestu Sztuki Konkreta, więc nie zdążył długo bronić go przed armią krytyków, którzy atakowali go w kolejnych dziesięcioleciach. Zarzuty tych krytyków koncentrowały się głównie na tym, co postrzegali jako zimną bezduszność i sterylność Sztuki Konkreta. Jednak oczywiście taki był cel ruchu od samego początku. Trudno sobie wyobrazić, że gdyby van Doesburg żył dłużej, kłóciłby się z krytykami. Prawdopodobnie uznałby słowo „bezduszny” za komplement, a słowa „zimny” i „sterylny” za najwyższe pochwały.

Manifest Sztuki Konkreta, maj 1930, za wikiart.org

Aby zrozumieć, dlaczego Sztuka Konkreta tak silnie przemówiła do wielu artystów, trzeba zrozumieć, że van Doesburg był częścią pokolenia, które stało się znużone po dekadach przemocy. Masowe śmierci i zniszczenia towarzyszące nowoczesnej wojnie wstrząsnęły nimi. Wielu intelektualistów doszło do wniosku, że przemoc nie powstała z próżni. Wręcz przeciwnie, widzieli ją jako nieunikniony rezultat konfliktów politycznych, religijnych i ideologicznych. Sztuka Konkreta była apelem do artystów, by odłączyli się od rzeczywistości, która doprowadziła świat na skraj zagłady.

Rynek jasności: kolekcjonowanie Sztuki Konkreta dziś

W połowie lat 20. XXI wieku rynek sztuki doświadczył cichej, lecz zdecydowanej zmiany. Po dekadzie zdominowanej przez hiper-narracyjne i politycznie nacechowane dzieła figuratywne, kolekcjonerzy i projektanci wnętrz coraz częściej zwracają się ku Abstrakcji Geometrycznej i Minimalizmowi. Ten trend nie jest tylko estetyczny; jest psychologiczny. W okresie naznaczonym globalną niestabilnością i cyfrowym szumem świat sztuki obserwuje „ucieczkę do struktury”, zbiorowe pragnienie wizualnej przystani.

Sztuka Konkreta stoi na szczycie tego ruchu. Ponieważ odmawia odniesień do chaotycznego świata zewnętrznego, odrzucając politykę, tragedię i przedstawienie na rzecz czystej formy, oferuje ponadczasową stabilność, która chroni ją przed kaprysami sztuki podążającej za modą. Jest to z definicji sztuka pewności.

Ulla Pedersen - Cut Up Papers 1.5 (po lewej) i Cut Up Paper 1.27 (po prawej), 2016

Potwierdzenie „Blue Chip”

Rynek oryginalnych mistrzów tego ruchu odnotowuje stały, solidny wzrost, potwierdzając jego status jako „bezpiecznej” klasy aktywów. Choć Josef Albers często pojawia się w raportach rynkowych dzięki niezawodnej liczbie aukcji (jego rynek grafik podobno potroił się od 2015 roku), nie jest wyjątkiem. Rekordowe wyniki Maxa Billa i Theo van Doesburga (którego Contra-Composition VII osiągnęło rekordową cenę 4,1 miliona dolarów) potwierdzają status blue-chip tego gatunku. Tymczasem niedawny wzrost zainteresowania instytucjonalnego postaciami takimi jak Verena Loewensberg i Richard Paul Lohse sugeruje, że rynek aktywnie przegląda i podnosi rangę kluczowych europejskich przedstawicieli ruchu.

Ponadto „neo-konkretna” gałąź ruchu odnotowała gwałtowny wzrost, a brazylijscy mistrzowie tacy jak Lygia Pape i Hélio Oiticica osiągają rekordowe wyniki sprzedaży, potwierdzając globalny, międzykulturowy zasięg ruchu.

Współczesna szansa

Dla bystrego kolekcjonera to historyczne potwierdzenie jest sygnałem rynkowym. Gdy „przodkowie” ruchu utrwalają się jako blue-chip, uwaga rynku naturalnie rozszerza się, by odnaleźć jego żyjących spadkobierców. Kolekcjonowanie współczesnej Sztuki Konkreta to nie tylko dostępny punkt wejścia; to strategiczna inwestycja w kontynuację prestiżowego dziedzictwa.

Nabywając dzieła żyjących twórców, takich jak ci prezentowani na IdeelArt, kolekcjonerzy angażują się w aktualny rozdział trwającego od wieku dialogu historycznego. W przeciwieństwie do ekspresyjnych stylów, które mogą wydawać się nierozerwalnie związane z konkretnym momentem w czasie, matematyczna czystość Sztuki Konkreta pozwala jej pełnić rolę stałego „kotwicy wizualnej” w kolekcji, wiecznego ulubieńca dla tych, którzy szukają zarówno intelektualnej rygorystyczności, jak i estetycznego spokoju.

Tilman - Artitecture (2015) - Fondation Datris

Dziedzictwo Sztuki Konkreta we współczesnej praktyce

Surowe zasady określone w manifeście Van Doesburga z 1930 roku, wymagające mechanicznej precyzji i usunięcia sentymentalizmu, mogą dziś wydawać się sztywne. Jednak duch ruchu kwitnie we współczesnej praktyce. Artyści nadal podkreślają „konkretną” rzeczywistość swoich materiałów, używając struktury, geometrii i koloru nie do symbolizowania emocji, lecz do tworzenia autonomicznych obiektów, które bezpośrednio oddziałują na percepcję widza.

Na IdeelArt kilku artystów niesie tę pochodnię, rozwijając tradycję na XXI wiek:

Tilman: Bezpośredni spadkobierca tradycji Sztuki Konkreta, Tilman wyraźnie wskazuje ruch jako główne źródło inspiracji. Jego „zbudowane środowiska” i ułożone obiekty nie reprezentują świata; są nowymi obiektami wchodzącymi w jego przestrzeń. Interpretując znalezione elementy wizualne jako „wykonane konkretne obiekty” poprzez proces redukcji, spełnia wymóg manifestu, by dzieła były konstruowane, a nie impresjonistyczne.

Arvid Boecker: Założyciele Abstraction-Création słynnie wzywali do sztuki „zaprojektowanej przez umysł” i wykonanej z mechaniczną precyzją, pozbawionej romantycznego ego artysty. Niemiecki malarz Arvid Boecker ucieleśnia to „naukowe” podejście do tworzenia. Używając rakli do sitodruku zamiast tradycyjnych pędzli, usuwa ekspresyjny gest ręki, traktując płótno jako miejsce rygorystycznej konstrukcji. Nakłada warstwę po warstwie farby olejnej w systematycznym procesie dodawania i odejmowania, tworząc dzieła, w których kolor nie jest emocją, lecz fizyczną wagą i głębią. Jego praktyka spełnia marzenie ruchu o sztuce tak obiektywnej i namacalnej jak maszyna czy budynek.

Daniel Göttin: Prace Göttina przenoszą „plastikowy” element Sztuki Konkreta w przestrzeń trójwymiarową. Pracując z przemysłowymi materiałami, takimi jak taśma, drewno i metal, tworzy interwencje specyficzne dla miejsca, które odpowiadają architekturze pomieszczenia. Jego sztuka nie jest oknem do iluzji, lecz fizyczną zmianą rzeczywistości, podkreślając konkretną grę światła, cienia i materiału.

Pierre Muckensturm - XXIV 33 212 (Dyptyk, 2024)

Ulla Pedersen: Duńska artystka opisuje swoją twórczość jako „konkretną eksplorację koloru, materialności, formy i równowagi”. Jej prace spełniają kryteria ruchu dotyczące wizualnej kontrolowalności, często stosując proces „redukcji”, łącząc elementy pozytywne i negatywne w nowe konfiguracje. Poprzez zestawienie „formy i nie-formy” podtrzymuje fascynację ruchu matematyczną precyzją i autonomią kształtu.

Brent Hallard: Prace Hallarda na aluminium i papierze ucieleśniają „absolutną jasność”, której poszukiwał Van Doesburg. Jego monochromatyczne i półmonochromatyczne obrazy form geometrycznych odrzucają narrację na rzecz precyzji i dokładności. Skupienie na minimalistycznej ikonografii tworzy bezpośrednie, niepośredniczone doświadczenie wizualne, odnoszące się wyłącznie do siebie samego.

Arvid Boecker, od lewej do prawej: #1744 (2025), #1691 (2024) i #1740 (2025)  

Pierre Muckensturm: Choć początkowo był malarzem figuratywnym, Muckensturm przeszedł do abstrakcji, by uchwycić poczucie „spokoju i stałości”. Jego wielkoformatowe obrazy olejne i grafiki izolują elementy gestu, ale zamiast używać ich do ekspresyjnej opowieści, traktuje je jako komponenty strukturalne. Metodycznie bada przemianę płótna, tworząc dzieła, w których „harmonia z czasem” tworzy poczucie obiektywnej, ponadczasowej rzeczywistości podobnej do ideału Sztuki Konkreta.

Podsumowanie: element ludzki

Współczesna publiczność nie może nie odnaleźć znaczenia w Sztuce Konkreta. Intencja artysty często ma dla nas niewielkie znaczenie, ponieważ widzimy dzieło w kontekście historii sztuki i naszych osobistych historii. To właśnie zrozumieli brazylijscy artyści tacy jak Lygia Pape, Hélio Oiticica i Lygia Clark, którzy założyli ruch Neo-Konkretnej Sztuki. Wiedzieli, że nawet jeśli kolor, kształt czy linia nie odnoszą się do niczego poza sobą, nabierają nowego znaczenia, gdy doświadczamy ich osobiście. Pomimo najlepszych starań artystów konkretnej sztuki, by osiągnąć obiektywną czystość, absolutna jasność w sztuce abstrakcyjnej jest ulotna, ponieważ ludzki umysł zawsze stoi gotowy, by z radością zamącić wodę własną wyobraźnią.

Autor: Phillip Barcio (2017) - Redakcja: Francis Berthomier (2025).
Zdjęcie główne: ©Brent Hallard - Bondi Bathers Butterfly (2022).

Kup dzieła Sztuki Konkreta na IdeelArt