Sztuka Konkretną: Przewodnik Kolekcjonera po Sztuce Absolutnej Jasności

W leksykonie historii sztuki niewiele terminów jest tak niezrozumianych jak „Sztuka Konkretna”. Dla niewtajemniczonych słowo to kojarzy się z ciężarem, solidnością lub być może z szarym materiałem przemysłowym. W świecie sztuki jednak oznacza coś znacznie bardziej radykalnego: odrzucenie idei, że sztuka musi być „o” czymś innym. Podczas gdy tradycyjna abstrakcja abstrahuje od rzeczywistości (biorąc drzewo i redukując je do linii), Sztuka Konkretna konstruuje nową rzeczywistość. Twierdzi, że linia, kolor czy płaszczyzna są realnymi rzeczami, tak konkretnymi jak krzesło czy kamień. Dziś, gdy poruszamy się w świecie przesyconym cyfrowym szumem i niekończącymi się narracjami, dążenie artysty konkretnego do „absolutnej jasności” i autonomicznej formy wydaje się nie tylko aktualne, ale wręcz niezbędne. Oferuje wizualną przystań, miejsce, gdzie to, co widzisz, jest dokładnie tym, czym jest.

Poza abstrakcją: odrębna natura Sztuki Konkretnej

Obok suprematyzmu, konstruktywizmu, De Stijl, Neo-Sztuki Konkretnej i minimalizmu, Sztuka Konkretna jest jednym z około pół tuzina geometrycznych ruchów abstrakcyjnych, które pojawiły się w XX wieku, mniej więcej między 1913 a 1970 rokiem. Jednak wyróżnia się wyraźnie spośród wszystkich wymienionych. Różnica może nie być od razu widoczna. Wizualnie wszystkie te sześć ruchów tworzyło podobne dzieła. Wynika to z faktu, że wszystkie opierały się na tej samej składni — wizualnym języku zakorzenionym w nieobiektywnych, formalnych elementach, takich jak linie, kształty i kolory.

Daniel Göttin - Untitled 1-12 - 2017

Istotna różnica między nimi była niemal całkowicie semantyczna, co oznacza, że intencja i znaczenie każdego z nich były unikalne. Suprematyzm używał abstrakcji geometrycznej do komunikowania „wyższości czystego uczucia lub percepcji”. Konstruktywizm wykorzystywał ją do tworzenia nowych, użytecznych symboli dla nowoczesnego świata. De Stijl używał elementów geometrycznych do badania wewnętrznej harmonii wszechświata. Sztuka Konkretna była czysto plastyczna: każdy użyty element wizualny był tworzony w sposób mechaniczny i pozbawiony jakiegokolwiek symbolicznego, emocjonalnego, duchowego czy naturalistycznego znaczenia. Neo-Sztuka Konkretna używała tego samego języka wizualnego co Sztuka Konkretna, ale odrzucała jej czystą plastyczność, skupiając się zamiast tego na potencjale fenomenologicznym, który pojawia się, gdy ludzie wchodzą w interakcję ze sztuką. Minimalizm zgadzał się, że elementy plastyczne powinny być samoodniesione, ale doprowadził to przekonanie do ekstremum, nadając komponentom estetycznym autonomiczną moc do tego stopnia, że sublimował artystę, usuwając wszelkie ślady autorstwa, narracji, biografii czy czegokolwiek, co mogłoby zakłócić totalitarną obecność dzieła.

Spośród wszystkich tych ruchów tylko jeden, sztuka konkretna, może twierdzić, że jest czysto abstrakcyjna. Tylko ona aktywnie dążyła do wyeliminowania jakiegokolwiek zewnętrznego znaczenia, uwalniając artystów od konieczności komunikowania czegokolwiek poza tym, co jest wyraźnie widoczne w dziele.

Kierunek ku konkretności

Tendencja do czystej, plastycznej sztuki zakorzeniła się w Europie około połowy XIX wieku. Wtedy to malarze związani z ruchami takimi jak impresjonizm i dywizjonizm zaczęli izolować elementy takie jak światło i kolor jako wartościowe do indywidualnego rozważenia. Jednak temat i znaczenie wciąż były ważne dla ludzi w tamtym czasie, jeśli nie dla samych artystów, to przynajmniej dla ich mecenasów. Dopiero ruchy takie jak kubizm i futuryzm zaczęły zmieniać ten pogląd, torując drogę artystom takim jak Wassily Kandinsky i Kazimir Malevich, którzy na początku XX wieku malowali całkowicie abstrakcyjne dzieła.

Jednak nawet Kandinsky i Malevich tworzyli prace, które odnosiły się do zewnętrznych źródeł znaczenia, takich jak duchowość i symbolizm. Dopiero w 1930 roku pierwszy Europejczyk zdołał werbalizować pragnienie przyjęcia naprawdę bezsensownej, czystej formy abstrakcyjnej sztuki wizualnej. Tym artystą był holenderski malarz i pisarz Theo van Doesburg. Van Doesburg zyskał pierwszą sławę około 1917 roku, kiedy współzałożył De Stijl z Pietem Mondrianem. Jednak szybko się rozstali, ponieważ Mondrian, podobnie jak wielu innych artystów abstrakcyjnych, był silnie pod wpływem utopijnej duchowości. Van Doesburg chciał uciec od wszelkich takich wpływów, a także od wszelkich odniesień naturalistycznych czy figuratywnych. W 1930 roku, wraz ze szwajcarskim artystą Otto Gustafem Carlsundem, francuskim malarzem Jeanem Hélionem, ormiańskim malarzem Léonem Arthurem Tutundjianem oraz francuskim typografem Marcelem Wantzem, współautorem Manifestu Sztuki Konkretnej.

Leon Arthur Tutundjian - La Boule Noire, 1926, © Leon Arthur Tutundjian

Manifest Sztuki Konkretnej

Manifest określił sześć zasad: „1) Sztuka jest uniwersalna. 2) Dzieło sztuki musi być w całości zaprojektowane i ukształtowane przez umysł przed jego wykonaniem. Nie powinno zawierać żadnych formalnych danych pochodzących z natury, zmysłowości czy sentymentalności. Chcemy wykluczyć liryzm, dramat, symbolizm i tym podobne. 3) Obraz musi być w całości zbudowany z czysto plastycznych elementów, mianowicie powierzchni i kolorów. Element malarski nie ma żadnego znaczenia poza „sobą samym”; w konsekwencji obraz nie ma żadnego znaczenia poza „sobą samym”. 4) Konstrukcja obrazu, jak i jego elementów, musi być prosta i wizualnie kontrolowalna. 5) Technika malarska musi być mechaniczna, tj. dokładna, antyimpresjonistyczna. 6) Wysiłek na rzecz absolutnej jasności jest obowiązkowy.”

Van Doesburg zmarł rok po opublikowaniu Manifestu Sztuki Konkretnej, więc nie miał okazji bronić go przed armią krytyków, którzy atakowali go w kolejnych dekadach. Zarzuty tych krytyków koncentrowały się głównie na tym, co postrzegali jako zimną bezduszność i sterylność Sztuki Konkretnej. Jednak, oczywiście, taki był cel ruchu od samego początku. Trudno sobie wyobrazić, że gdyby van Doesburg żył dłużej, zająłby się dyskusją z krytykami. Prawdopodobnie uznałby słowo „bezduszny” za komplement, a słowa „zimny” i „sterylny” za najwyższe pochwały.

Manifest Sztuki Konkretnej, maj 1930, via wikiart.org

Aby zrozumieć, dlaczego Sztuka Konkretna tak silnie przemówiła do wielu artystów, trzeba zrozumieć, że van Doesburg był częścią pokolenia, które stało się znużone po dekadach przemocy. Masowe śmierci i zniszczenia towarzyszące nowoczesnej wojnie wstrząsnęły nimi. Wielu intelektualistów doszło do wniosku, że przemoc nie powstała z próżni. Wręcz przeciwnie, widzieli ją jako nieunikniony rezultat konfliktów politycznych, religijnych i ideologicznych. Sztuka Konkretna była apelem do artystów, by odłączyli się od rzeczywistości, która doprowadziła świat na skraj zagłady.

Rynek jasności: kolekcjonowanie Sztuki Konkretnej dziś

W połowie lat 2020. rynek sztuki doświadczył cichej, ale zdecydowanej zmiany. Po dekadzie zdominowanej przez hiper-narracyjne i politycznie nacechowane prace figuratywne, kolekcjonerzy i projektanci wnętrz coraz częściej zwracają się ku Abstrakcji Geometrycznej i Minimalizmu. Ten trend nie jest tylko estetyczny; jest psychologiczny. W okresie zdefiniowanym przez globalną niestabilność i cyfrowy szum, świat sztuki obserwuje „ucieczkę do struktury”, zbiorowe pragnienie wizualnej przystani.

Sztuka Konkretna stoi na szczycie tego ruchu. Ponieważ odmawia odniesienia do chaotycznego świata zewnętrznego, odrzucając politykę, tragedię i reprezentację na rzecz czystej formy, oferuje ponadczasową stabilność, która chroni ją przed kaprysami sztuki podążającej za trendami. Jest to z definicji sztuka pewności.

Ulla Pedersen - Cut Up Papers 1.5 (po lewej) i Cut Up Paper 1.27 (po prawej), 2016

Walidacja „Blue Chip”

Rynek oryginalnych mistrzów tego ruchu odnotowuje stały, solidny wzrost, potwierdzając jego status jako „bezpiecznej” klasy aktywów. Choć Josef Albers często pojawia się na czołówkach raportów rynkowych dzięki niezawodnej liczbie aukcji (jego rynek grafik podobno potroił się od 2015 roku), nie jest wyjątkiem. Rekordowe wyniki Maxa Billa i Theo van Doesburga (którego Contra-Composition VII osiągnęła rekordową cenę 4,1 miliona dolarów) potwierdzają status blue-chip tego gatunku. Tymczasem niedawny wzrost zainteresowania instytucjonalnego postaciami takimi jak Verena Loewensberg i Richard Paul Lohse sugeruje, że rynek aktywnie reewaluował i podnosił rangę kluczowych europejskich przedstawicieli ruchu.

Ponadto „Neo-Konkretna” gałąź ruchu odnotowała eksplozję wzrostu, a brazylijscy mistrzowie tacy jak Lygia Pape i Hélio Oiticica osiągają rekordowe wyniki sprzedaży, które potwierdzają globalny, międzykulturowy apel ruchu.

Współczesna szansa

Dla bystrego kolekcjonera ta historyczna walidacja stanowi sygnał rynkowy. Gdy „przodkowie” ruchu umacniają się w statusie blue-chip, naturalnie rozszerza się zakres rynku, by znaleźć jego żyjących spadkobierców. Kolekcjonowanie współczesnej Sztuki Konkretnej to nie tylko dostępny punkt wejścia; to strategiczna inwestycja w kontynuację prestiżowego dziedzictwa.

Nabywając dzieła żyjących twórców, takich jak ci prezentowani na IdeelArt, kolekcjonerzy angażują się w aktualny rozdział trwającego od wieku dialogu historycznego. W przeciwieństwie do ekspresyjnych stylów, które mogą wydawać się nierozerwalnie związane z konkretnym momentem w czasie, matematyczna czystość Sztuki Konkretnej pozwala jej działać jako stały „kotwicz wizualny” w kolekcji, wiecznie ulubiony przez tych, którzy szukają zarówno intelektualnej rygorystyczności, jak i estetycznego spokoju.

Tilman - Artitecture (2015) - Fondation Datris

Dziedzictwo Sztuki Konkretnej we współczesnej praktyce

Surowe zasady określone w manifeście Van Doesburga z 1930 roku, wymagające mechanicznej precyzji i usunięcia sentymentalności, mogą dziś wydawać się sztywne. Jednak duch ruchu kwitnie we współczesnej praktyce. Artyści nadal promują „konkretną” rzeczywistość swoich materiałów, używając struktury, geometrii i koloru nie do symbolizowania emocji, lecz do tworzenia autonomicznych obiektów, które bezpośrednio oddziałują na percepcję widza.

Na IdeelArt kilku artystów niesie tę pochodnię, rozwijając tradycję na XXI wiek:

Tilman: Bezpośredni spadkobierca tradycji Konkretnej, Tilman wyraźnie wskazuje ruch jako główne źródło inspiracji. Jego „zbudowane środowiska” i ułożone obiekty nie reprezentują świata; są nowymi obiektami wchodzącymi w jego przestrzeń. Interpretując znalezione elementy wizualne jako „wykonane konkretne obiekty” poprzez proces redukcji, spełnia wymóg manifestu dotyczący dzieł konstruowanych, a nie impresjonistycznych.

Arvid Boecker: Założyciele Abstraction-Création słynnie wzywali do sztuki „zaprojektowanej przez umysł” i wykonanej z mechaniczną precyzją, pozbawionej romantycznego ego artysty. Niemiecki malarz Arvid Boecker ucieleśnia to „naukowe” podejście do tworzenia. Używając rakli do sitodruku zamiast tradycyjnych pędzli, usuwa ekspresyjny gest ręki, traktując płótno jako miejsce rygorystycznej konstrukcji. Nakłada warstwa po warstwie farby olejnej w systematycznym procesie dodawania i odejmowania, tworząc dzieła, w których kolor nie jest emocją, lecz fizyczną wagą i głębią. Jego praktyka spełnia marzenie ruchu o sztuce tak obiektywnej i namacalnej jak maszyna czy budynek.

Daniel Göttin: Prace Göttina przenoszą „plastikowy” element Sztuki Konkretnej w przestrzeń trójwymiarową. Pracując z materiałami przemysłowymi, takimi jak taśma, drewno i metal, tworzy interwencje site-specific, które odpowiadają na architekturę pomieszczenia. Jego sztuka nie jest oknem do iluzji, lecz fizyczną zmianą rzeczywistości, podkreślając konkretną grę światła, cienia i materiału.

Pierre Muckensturm - XXIV 33 212 (Dyptyk, 2024)

Ulla Pedersen: Duńska artystka opisuje swoją praktykę jako „konkretną eksplorację koloru, materialności, formy i równowagi”. Jej prace spełniają kryteria ruchu dotyczące wizualnej kontrolowalności, często stosując proces „redukcji”, łącząc elementy pozytywne i negatywne w nowe konfiguracje. Poprzez zestawienie „formy i nie-formy” utrzymuje fascynację ruchu matematyczną precyzją i autonomią kształtu.

Brent Hallard: Prace Hallarda na aluminium i papierze ucieleśniają „absolutną jasność”, której poszukiwał Van Doesburg. Jego monochromatyczne i półmonochromatyczne obrazy form geometrycznych odrzucają narrację na rzecz precyzji i dokładności. Skupienie na minimalistycznej ikonografii tworzy bezpośrednie, niepośredniczone doświadczenie wizualne, odnoszące się wyłącznie do siebie samego.

Arvid Boecker, od lewej do prawej: #1744 (2025), #1691 (2024) i #1740 (2025)  

Pierre Muckensturm: Choć pierwotnie był malarzem figuratywnym, Muckensturm przeszedł do abstrakcji, by uchwycić poczucie „spokoju i stałości”. Jego wielkoformatowe obrazy olejne i grafiki izolują elementy gesturalne, ale zamiast używać ich do ekspresyjnego opowiadania historii, traktuje je jako komponenty strukturalne. Metodycznie bada transformację płótna, tworząc dzieła, w których „harmonia z czasem” tworzy poczucie obiektywnej, ponadczasowej rzeczywistości podobnej do ideału Konkretnego.

Podsumowanie: element ludzki

Współczesna publiczność nie może nie odnajdywać znaczenia w Sztuce Konkretnej. Intencja artysty często ma dla nas niewielkie znaczenie, ponieważ widzimy dzieło w kontekście historii sztuki i naszych osobistych historii. To właśnie zrozumieli brazylijscy artyści tacy jak Lygia Pape, Hélio Oiticica i Lygia Clark, którzy stworzyli ruch Neo-Konkretnej. Wiedzieli, że nawet jeśli kolor, kształt czy linia odnoszą się tylko do siebie, nabierają nowego znaczenia, gdy doświadczamy ich osobiście. Pomimo najlepszych starań artystów konkretnej, by osiągnąć obiektywną czystość, absolutna jasność w sztuce abstrakcyjnej jest ulotna, ponieważ ludzki umysł zawsze chętnie stoi obok, gotowy zamącić wodę własną wyobraźnią.

Autor: Phillip Barcio (2017) - Redakcja: Francis Berthomier (2025).
Zdjęcie główne: ©Brent Hallard - Bondi Bathers Butterfly (2022).

Kup dzieła Sztuki Konkretnej na IdeelArt