Sprawy Wolności - Powrót do Sztuki Konkretnej

Wraz z Suprematyzmem, Konstruktywizmem, De Stijl, Neo-Krewną Sztuką i Minimalizmem, Sztuka Betonu jest jednym z pół tuzina geometrycznych ruchów sztuki abstrakcyjnej, które pojawiły się w XX wieku, mniej więcej między 1913 a 1970 rokiem. Ale jest wyraźnie różna od wszystkich innych na tej liście. Różnica może nie być łatwo dostrzegalna. Wizualnie wszystkie sześć tych ruchów produkowało podobne dzieła. To dlatego, że wszystkie opierały się na tej samej składni — wizualnym języku zakorzenionym w nieobiektywnych, formalnych elementach, takich jak linie, kształty i kolory. Kluczowa różnica między nimi była niemal całkowicie semantyczna, co oznacza, że intencja i znaczenie leżące u podstaw każdego z nich były unikalne. Suprematyzm używał abstrakcji geometrycznej, aby komunikować „supremację czystego uczucia lub percepcji”. Konstruktywizm używał jej do konstruowania nowych użytecznych symboli dla nowoczesnego świata. De Stijl używał elementów geometrycznych, aby badać wewnętrzną harmonię wszechświata. Sztuka Betonu była czysto plastyczna — każdy element wizualny, który wykorzystywała, był tworzony w sposób mechaniczny i pozbawiony jakiegokolwiek symbolicznego, emocjonalnego, duchowego lub naturalistycznego znaczenia. Neo-Krewną Sztuka używała tego samego języka wizualnego co Sztuka Betonu, ale odrzuciła jej czystą plastyczność, koncentrując się zamiast tego na fenomenologicznym potencjale, który powstaje, gdy ludzie wchodzą w interakcję ze sztuką. Minimalizm zgadzał się, że elementy plastyczne powinny być samoreferencyjne, ale doprowadził tę wiarę do ekstremum, nadając komponentom estetycznym autonomiczną moc do tego stopnia, że sublimował artystę, usuwając wszelkie dowody autorstwa, narracji, biografii lub czegokolwiek innego, co mogłoby zakłócić totalitarną obecność dzieła. Spośród wszystkich tych ruchów, tylko jeden — sztuka betonu — może twierdzić, że jest czysto abstrakcyjna. Tylko ona aktywnie dążyła do wyeliminowania wszelkiego zewnętrznego znaczenia, uwalniając artystów od konieczności komunikowania czegokolwiek poza tym, co było wyraźnie widoczne w dziele.

Kierując się ku konkretyzacji

Tendencja w kierunku czystej, plastycznej sztuki zakorzeniła się w Europie około połowy XIX wieku. Wtedy to malarze związani z ruchami takimi jak impresjonizm i dywizjonizm zaczęli izolować elementy takie jak światło i kolor jako rzeczy zasługujące na indywidualne rozważenie. Jednak temat i znaczenie wciąż były ważne dla ludzi w tamtym czasie, jeśli nie dla samych artystów, to przynajmniej dla ich mecenasów. Potrzebne były ruchy takie jak kubizm i futuryzm, aby zacząć zmieniać ten pogląd, torując drogę dla artystów takich jak Wassily Kandinsky i Kazimir Malevich, aby malować całkowicie abstrakcyjne dzieła na początku XX wieku.

Ale nawet Kandinsky i Malevicz tworzyli dzieła, które odnosiły się do zewnętrznych źródeł znaczenia, takich jak duchowość i symbolizm. Dopiero w 1930 roku pierwszy Europejczyk skutecznie wyraził pragnienie przyjęcia naprawdę bezsensownej, czystej formy abstrakcyjnej sztuki wizualnej. Tym artystą był holenderski malarz i pisarz Theo van Doesburg. Van Doesburg zyskał pierwszą popularność około 1917 roku, kiedy współzałożył De Stijl z Pietem Mondrianem. Jednak on i Mondrian wkrótce się rozstali, ponieważ Mondrian, podobnie jak wielu innych artystów abstrakcyjnych, był silnie wpływany przez utopijną duchowość. Van Doesburg chciał uciec od wszelkich takich wpływów, wraz ze wszystkimi naturalistycznymi lub figuralnymi odniesieniami. Dlatego w 1930 roku, wraz ze szwajcarskim artystą Otto Gustafem Carlsundem, francuskim malarzem Jeanem Hélionem, armeńskim malarzem Léonem Arthurem Tutundjianem i francuskim typografem Marcelem Wantzem, współautorstwa Manifestu Sztuki Konkretnej.

Leon Arthur Tutundjian - La Boule Noire, 1926, © Leon Arthur Tutundjian

Manifest Betonu

Manifest zawierał sześć zasad: „1) Sztuka jest uniwersalna. 2) Dzieło sztuki musi być całkowicie wymyślone i ukształtowane przez umysł przed jego wykonaniem. Nie może otrzymać niczego z formalnych danych natury, zmysłowości czy sentymentalizmu. Chcemy wykluczyć liryzm, dramat, symbolizm i tym podobne. 3) Obraz musi być całkowicie zbudowany z czysto plastycznych elementów, mianowicie powierzchni i kolorów. Element malarski nie ma żadnego znaczenia poza „samym sobą”; w konsekwencji obraz nie ma żadnego znaczenia poza „samym sobą”. 4) Budowa obrazu, jak również jego elementów, musi być prosta i wizualnie kontrolowalna. 5) Technika malarska musi być mechaniczna, tzn. dokładna, antyimpresjonistyczna. 6) Dążenie do absolutnej klarowności jest obowiązkowe.”

Van Doesburg zmarł rok po opublikowaniu Manifestu Sztuki Betonowej, więc nie był na tyle długo, aby bronić go przed armią krytyków, którzy zaatakowali go w kolejnych dekadach. Skargi tych krytyków koncentrowały się głównie na tym, co postrzegali jako zimną bezduszną i jałową Sztukę Betonową. Ale, oczywiście, to było zamierzeniem ruchu od samego początku. W rzeczywistości trudno sobie wyobrazić, że gdyby van Doesburg żył dłużej, zadałby sobie trud, aby dyskutować ze swoimi krytykami. Prawdopodobnie zinterpretowałby słowo bezduszny jako komplement, a słowa zimny i jałowy jako wysoką pochwałę.

Art Concret Manifesto, May 1930, via wikiart.org

Jasność jest nieuchwytna

Aby zrozumieć, dlaczego sztuka konkretna tak mocno przyciągała wielu artystów, należy zrozumieć, że van Doesburg był częścią pokolenia, które stało się zblazowane po dekadach przemocy. Masowa śmierć i zniszczenie, które towarzyszyły nowoczesnym wojnom, wstrząsnęły nimi. Wiele intelektualistów doszło do wniosku, że przemoc nie powstała w próżni. Przeciwnie, postrzegali ją jako nieuchronny rezultat konfliktów politycznych, religijnych i ideologicznych. Sztuka konkretna była apelem do artystów, aby odłączyli się od rzeczywistości, która doprowadziła świat na skraj zagłady.

Nawet dzisiaj wielu artystów, takich jak Daniel Göttin i Tilman, przyjmuje zasady Sztuki Konkretniej, dążąc do absolutnej klarowności. Ale pozostaje to złożonym celem. Wsp współczesna publiczność nie może się powstrzymać od odnajdywania znaczenia w Sztuce Konkretniej. Intencje artysty mają dla nas małe znaczenie, ponieważ postrzegamy dzieło w kontekście historii sztuki oraz naszych osobistych historii. To właśnie zrozumieli brazylijscy artyści, tacy jak Lygia Pape, Hélio Oiticica i Lygia Clark, którzy założyli Ruch Neo-Konkretny. Wiedzieli, że nawet jeśli kolor, kształt lub linia odnosi się tylko do samego siebie, nabiera nowego znaczenia, gdy doświadczamy go osobiście. Pomimo najlepszych starań Artystów Konkretnych, absolutna klarowność w sztuce abstrakcyjnej jest nieuchwytna, ponieważ ludzki umysł zawsze stoi szczęśliwie obok, gotowy, by zamącić wodę.

Obraz wyróżniony: Tilman -Bez tytułu (257.11), 2011, 25.6 x 19.7 in.

Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio