Kształtujące Formy Victora Vasarely'ego w Centre Pompidou w Paryżu

Po raz pierwszy od ponad 50 lat w francuskim muzeum można zobaczyć dużą retrospektywę Victora Vasarely'ego. Centre Pompidou otworzyło wystawę Vasarely: Sharing Forms w lutym tego roku, gromadząc ponad 300 obiektów, w tym dzieł sztuki i ephemera, dokumentujących pełną estetyczną ewolucję jednego z gigantów modernizmu XX wieku. Wystawa stanowczo ustanawia Vasarely'ego nie tylko jako wielkiego artystę, ale także jako wielkiego idealistę, który wierzył, że nie ma granicy między sztuką a codziennym życiem. Urodził się w 1907 roku w Pécs, w Austro-Węgrzech, Vasarely zapisał się do szkoły Műhely (warsztat), lokalnej wersji Bauhausu w Budapeszcie, w 1918 roku. Szkoła była prowadzona przez artystę i projektanta graficznego Sándora Bortnyika. Po dwóch latach nauki u Bortnyika, Vasarely przeniósł się do Paryża i rozpoczął karierę jako projektant graficzny. Jego ambicją było zastosowanie wizualnych lekcji modernizmu w świecie komunikacji masowej. Jednym z jego najsłynniejszych wczesnych dzieł, „Zebra” (1937), ucieleśnia liminalną przestrzeń, w której pozornie oddzielne dyscypliny sztuki i designu łączą się w jedną. Czarnobiała, liniowa kompozycja przedstawia dwa zebry splątane ze sobą, być może w walce, być może w miłości. Obraz zręcznie ogłasza Vasarely'ego mistrzem perspektywy, demonstrując jego zdolność do przekształcania płaskiej powierzchni w kinetyczne, trójwymiarowe pole. Jednak do dziś krytycy zmagają się z pytaniem, czy to i inne jego wczesne prace powinny być klasyfikowane jako sztuka czy design. W rzeczywistości ostatni raz dużą wystawę jego prac zorganizowano we Francji w 1963 roku, kiedy artysta miał zaledwie 57 lat, w Musée des Arts Décoratifs - nie w muzeum sztuki pięknej, ale w muzeum sztuk dekoracyjnych i designu. Zaledwie dwa lata później jednak Vasarely został włączony do The Responsive Eye, przełomowej wystawy Muzeum Sztuki Nowoczesnej, która ustanowiła wiodących artystów ruchu Op Art. Vasarely: Sharing Forms łączy wszystkie aspekty jego pracy w uniwersalny sposób. Zamiast narzucać definicje, ta wystawa szanuje złożoności i niuanse jego wizji, oferując bardzo potrzebne poszerzenie historii Vasarely'ego.

Wieczny Reformator

Kiedy Vasarely po raz pierwszy rozpoczął swoją karierę jako grafik, uznał reklamę za najbardziej wszechobecną formę kultury wizualnej, więc postanowił ją przekształcić, dostosowując do wizualnych języków kubizmu, De Stijl, suprematyzmu i innych wczesnych pozycji modernistycznych. Po II wojnie światowej jednak zmienił swoje podejście i postanowił, że zamiast używać sztuki do reformowania designu, będzie szukał wskazówek w rzeczywistym świecie, jak przekształcić sztukę. Zauważył wszystko w swoim wizualnym krajobrazie, od struktur architektonicznych, przez wzory cienia i światła padające na naturalne formy, po powierzchnie kryształów. Zdał sobie sprawę, że istnieje estetyczna przestrzeń, w której zasady abstrakcji geometrycznej współistnieją z zasadami naturalnego i zbudowanego świata. Dzieła takie jak „Kiruna” (1952) pokazują, jak rozłożył świat wizualny na jego najbardziej podstawowe elementy, takie jak okręgi i kwadraty, oraz na najprostsza możliwą paletę kolorów.

Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Widok instalacji w Centre Pompidou, Paryż, 2019. Zdjęcie dzięki uprzejmości IdeelArt.

Nawet gdy zaczął rozwijać swój naprawdę unikalny język wizualny, Vasarely pozostał zawsze reformistą. Dostrzegł, że jego geometryczne kompozycje nie są jeszcze kompletne. Potrzebowały jednego dodatkowego aspektu – pojawienia się ruchu. Ale zamiast tworzyć rzeczywistą sztukę kinetyczną, taką jak mobile Alexandra Caldera, Vasarely interesował się tym, jak mózg postrzega ruch. Obserwował, jak fale na powierzchni wody, czy w cieple słońca, tworzą iluzję, że przestrzeń jest zniekształcona, a solidne obiekty są płynne. Zastosował to myślenie w swoich kompozycjach, wprowadzając wzory fal do swoich geometrycznych kompozycji, a powierzchnie dzieł wydawały się zniekształcone. W obrazach takich jak „Re.Na II A” (1968) powierzchnia wydaje się wypukła. W innych obrazach powierzchnia wydaje się zapadać. Najbardziej zdumiewające jest to, że gdy tylko oko dostrzega to, co widzi w tych wzorach fal, obraz wydaje się przesuwać, dając zarówno iluzję przestrzeni trójwymiarowej, jak i wrażenie ruchu.

Victor Vasarely - Zante, 1949. Widok instalacji w Centre Pompidou, Paryż, 2019. Zdjęcie dzięki uprzejmości IdeelArt.

Uniwersalny Język Wizualny

Jednym z najbardziej idealistycznych aspektów dziedzictwa Vasarely'ego było jego stworzenie „jednostki plastycznej”: podstawowego narzędzia wizualnego, które można dostosować do tworzenia nieskończonych kompozycji wizualnych. Jednostka plastyczna Vasarely'ego składa się z jednego kształtu geometrycznego w jednym kolorze, który zawiera w sobie drugi, inny kształt geometryczny w innym kolorze – na przykład niebieski kwadrat otaczający czerwone koło, lub odwrotnie. W współczesnych terminach jednostka plastyczna jest jak piksel. Vasarely łączył jednostki plastyczne w różne kombinacje geometryczne, a następnie używał linii i koloru, aby wprowadzić fale do kompozycji. Ten prosty język wizualny był naprawdę demokratyczny, ponieważ mógł być łatwo kopiowany przez każdego. Uniwersalność stylu zainspirowała nawet Vasarely'ego do ponownego zastanowienia się, jak wykorzystać to, co stworzył, aby pozytywnie wpłynąć na codzienne życie obywateli.

Victor Vasarely - Forma 1009 dekor 5110, około 1973. Edycja 23/50. Forma 1008 dekor 5105, około 1973. Edycja 75. Forma 1008 dekor 5104, około 1973. Edycja 17/75. Forma 1009 dekor 5108, około 1973. Edycja 22/50. Forma 1007 dekor 5101, około 1973. Edycja 27/100. Forma 1008 dekor 5106, około 1973. Edycja 61/75. Forma 1010 dekor 5112, około 1973. Edycja 31/100. Forma 1007 dekor 5100, około 1973. Edycja 6/100. Widok instalacji w Centre Pompidou, Paryż, 2019. Zdjęcie dzięki uprzejmości IdeelArt.

Jak pokazuje wystawa Vasarely: Sharing Forms, Vasarely wymyślił liczne strategie, aby wprowadzić swoją sztukę do przestrzeni publicznej. Stworzył mnóstwo murali, plakatów, a nawet projektów przemysłowych, takich jak zestaw kawowy i deserowy składający się z 21 elementów, który zaprojektował dla Rosenthal. Tworzył logotypy dla firm, takich jak Renault i Muzeum Kina, między innymi. Poświęcił się tworzeniu wszelkiego rodzaju sztuki w przestrzeniach publicznych. Wyobrażał sobie to, co nazywał „polichromowym miastem szczęścia”, gdzie jego żywe, kolorowe, geometryczne dzieła publiczne ożywiłyby „ponure i szare przedmieścia”. W trakcie tej wystawy widzimy, jak plastyczność jest wspólna dla wszystkich form kultury wizualnej. Vasarely pokazał, jak jest ona niezbędną częścią sztuki pięknej, oczywiście. Ale widział również plastyczność jako niezbędną dla samych kamieni używanych do budowy miasta, oraz w kolorach i odcieniach światła padającego na naturę. Sztuczne podziały między dziedzinami sztuki, designu, mody, kina, architektury, a nawet reklamy znikają, gdy patrzymy na całą kulturę wizualną w ten sposób. To jest lekcja, którą Vasarely nauczył: że sztuka jest wszędzie. Vasarely: Sharing Forms jest wystawiana w Centre Pompidou do 6 maja 2019.

Obraz wyróżniający: Victor Vasarely - Alom, 1968. Widok instalacji w Centre Pompidou, Paryż, 2019. Zdjęcie dzięki uprzejmości IdeelArt.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio