Kształtujące Formy Victora Vasarely'ego w Centre Pompidou w Paryżu
Po raz pierwszy od ponad 50 lat w muzeum we Francji prezentowana jest obszerna retrospektywa Victora Vasarely’ego. Centre Pompidou otworzyło w lutym wystawę Vasarely: Sharing Forms, gromadząc ponad 300 obiektów, w tym dzieła sztuki i materiały epizodyczne, dokumentujące pełną ewolucję estetyczną jednego z gigantów modernizmu XX wieku. Wystawa jednoznacznie ustanawia Vasarely’ego nie tylko jako wielkiego artystę, ale także jako wielkiego idealistę, który wierzył, że nie ma granicy między sztuką a codziennym życiem. Urodzony w 1907 roku w Pécs, w Austro-Węgrzech, Vasarely zapisał się w 1918 roku do szkoły Műhely (warsztat), lokalnej budapeszteńskiej wersji Bauhausu. Szkoła była prowadzona przez artystę i grafika Sándora Bortnyika. Po dwóch latach nauki u Bortnyika Vasarely przeniósł się do Paryża i rozpoczął karierę grafika. Jego ambicją było zastosowanie wizualnych lekcji modernizmu w świecie masowej komunikacji. Jedno z jego najsłynniejszych wczesnych dzieł, „Zebra” (1937), ucieleśnia graniczną przestrzeń, gdzie pozornie odrębne dziedziny sztuki i wzornictwa łączą się w jedno. Czarnobiała, liniowa kompozycja przedstawia dwie zebry splątane ze sobą, być może walczące, być może zakochane. Obraz zręcznie ukazuje Vasarely’ego jako mistrza perspektywy, demonstrując jego zdolność do przekształcenia płaskiej powierzchni w kinetyczne, trójwymiarowe pole. Jednak do dziś krytycy mają trudności z określeniem, czy to i inne jego wczesne prace powinny być klasyfikowane jako sztuka czy wzornictwo. W rzeczywistości ostatnia duża prezentacja jego twórczości we Francji miała miejsce w 1963 roku, gdy artysta miał zaledwie 57 lat, w Musée des Arts Décoratifs — nie muzeum sztuk pięknych, lecz muzeum sztuki dekoracyjnej i wzornictwa. Zaledwie dwa lata później Vasarely został jednak uwzględniony w wystawie The Responsive Eye w Museum of Modern Art, która ustanowiła czołowych artystów ruchu Op Art. Vasarely: Sharing Forms łączy wszystkie aspekty jego twórczości w sposób uniwersalny. Zamiast narzucać definicje, wystawa szanuje złożoność i niuanse jego wizji, oferując potrzebne rozszerzenie opowieści o Vasarelym.
Wieczny reformator
Gdy Vasarely rozpoczynał karierę grafika, uważał reklamę za najbardziej wszechobecną formę kultury wizualnej, dlatego postanowił ją przekształcić, dostosowując ją do języków wizualnych kubizmu, De Stijl, suprematyzmu i innych wczesnych pozycji modernistycznych. Po II wojnie światowej zmienił jednak swoje podejście i postanowił, że zamiast używać sztuki do reformowania wzornictwa, będzie szukał wskazówek w rzeczywistym świecie, jak przekształcić sztukę. Zwrócił uwagę na wszystko w swoim wizualnym otoczeniu — od struktur architektonicznych, przez wzory cieni i światła padające na formy naturalne, po powierzchnie kryształów. Zdał sobie sprawę, że istnieje przestrzeń estetyczna, w której zasady abstrakcji geometrycznej współistnieją z zasadami świata naturalnego i zbudowanego. Prace takie jak „Kiruna” (1952) pokazują, jak rozłożył świat wizualny na jego najistotniejsze elementy, takie jak koła i kwadraty, oraz na najprostsze możliwe zestawienie kolorów.
Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Widok instalacji w Centre Pompidou, Paryż, 2019. Zdjęcie dzięki uprzejmości IdeelArt.
Nawet gdy zaczął rozwijać swój naprawdę unikalny język wizualny, Vasarely pozostał nieustannym reformatorem. Dostrzegał, że jego geometryczne kompozycje nie są jeszcze kompletne. Potrzebowały jednego dodatkowego elementu — pozoru ruchu. Jednak zamiast tworzyć prawdziwą sztukę kinetyczną, taką jak mobilne konstrukcje Alexandra Caldera, Vasarely interesował się tym, jak mózg postrzega ruch. Obserwował, jak fale na powierzchni wody lub w upale słońca tworzą iluzję, że przestrzeń jest zniekształcona, a stałe obiekty płynne. Zastosował to myślenie w swoich kompozycjach, wprowadzając wzory fal do swoich geometrycznych układów i pozornie zniekształcając powierzchnie dzieł. W obrazach takich jak „Re.Na II A” (1968) powierzchnia zdaje się wypuklać na zewnątrz. W innych obrazach powierzchnia zdaje się zapadać. Co najbardziej zdumiewające, gdy oko zaczyna dostrzegać to, co widzi w tych falistych wzorach, obraz zdaje się przesuwać, dając zarówno iluzję przestrzeni trójwymiarowej, jak i wrażenie ruchu.
Victor Vasarely - Zante, 1949. Widok instalacji w Centre Pompidou, Paryż, 2019. Zdjęcie dzięki uprzejmości IdeelArt.
Uniwersalny język wizualny
Jednym z najbardziej idealistycznych aspektów spuścizny Vasarely’ego było stworzenie „jednostki plastycznej”: podstawowego narzędzia wizualnego, które można dostosować do tworzenia nieskończonych kompozycji wizualnych. Jednostka plastyczna Vasarely’ego składa się z jednego geometrycznego kształtu w jednym kolorze, zawierającego w sobie drugi, inny geometryczny kształt w innym kolorze — na przykład niebieski kwadrat otaczający czerwone koło lub odwrotnie. W współczesnych kategoriach jednostka plastyczna jest jak piksel. Vasarely łączył jednostki plastyczne w różne geometryczne kombinacje, a następnie używał linii i koloru, by wprowadzać fale do kompozycji. Ten prosty język wizualny był naprawdę demokratyczny, ponieważ mógł być łatwo kopiowany przez każdego. Uniwersalność stylu zainspirowała Vasarely’ego do ponownego zastanowienia się, jak wykorzystać to, co stworzył, by pozytywnie wpływać na codzienne życie obywateli.
Victor Vasarely - Forme 1009 décor 5110, ok. 1973. Edycja 23/50. Forme 1008 décor 5105, ok. 1973. Edycja 75. Forme 1008 décor 5104, ok. 1973. Edycja 17/75. Forme 1009 décor 5108, ok. 1973. Edycja 22/50. Forme 1007 décor 5101, ok. 1973. Edycja 27/100. Forme 1008 décor 5106, ok. 1973. Edycja 61/75. Forme 1010 décor 5112, ok. 1973. Edycja 31/100. Forme 1007 décor 5100, ok. 1973. Edycja 6/100. Widok instalacji w Centre Pompidou, Paryż, 2019. Zdjęcie dzięki uprzejmości IdeelArt.
Jak pięknie pokazuje wystawa Vasarely: Sharing Forms, Vasarely opracował liczne strategie, by wprowadzić swoją sztukę do przestrzeni publicznej. Stworzył mnóstwo murali, plakatów, a nawet wzornictwo przemysłowe, takie jak 21-elementowy zestaw do kawy i deserów zaprojektowany dla Rosenthal. Projektował loga dla firm, takich jak Renault i Musee de Cinema, między innymi. Poświęcił się tworzeniu wszelkiego rodzaju sztuki w przestrzeniach publicznych. Wyobrażał sobie to, co nazywał „polichromicznym miastem szczęścia”, gdzie jego żywe, kolorowe, geometryczne dzieła publiczne ożywiłyby „ponure i szare przedmieścia”. Na całej wystawie widzimy, jak plastyczność jest wspólna dla wszystkich form kultury wizualnej. Vasarely pokazał, że jest ona niezbędną częścią sztuk pięknych, oczywiście. Ale widział też plastyczność jako istotną dla samych kamieni używanych do budowy miasta oraz dla kolorów i odcieni światła padającego na naturę. Sztuczne podziały między dziedzinami sztuki, wzornictwa, mody, kina, architektury, a nawet reklamy znikają, gdy widzimy całą kulturę wizualną w ten sposób. To jest lekcja, którą Vasarely przekazał: że sztuka jest wszędzie. Wystawa Vasarely: Sharing Forms jest prezentowana w Centre Pompidou do 6 maja 2019 roku.
Zdjęcie wyróżniające: Victor Vasarely - Alom, 1968. Widok instalacji w Centre Pompidou, Paryż, 2019. Zdjęcie dzięki uprzejmości IdeelArt.
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor Phillip Barcio
