Spojrzenie na sztukę Jeana Le Moala

Jean Le Moal dorastał jako malarz w Paryżu pod koniec lat 30. XX wieku, właśnie wtedy, gdy Europa znajdowała się zarówno na kulturalnym szczycie, jak i pogrążała się w chaosie. Cała jego kariera wyrażała echa tej dwoistości. Jego sztuka jest zarówno świadectwem struktury, jak i akceptacją nieładu. Nawet jego najwcześniejsze obrazy określiły Le Moala jako mistrza kolorystyki i wybitnego rysownika. Choć jego wczesne prace były żywe i pełne energii, nie były zbyt oryginalne. Większość pomysłów czerpał, kopiując współczesnych mistrzów w Luwrze, więc jego niedojrzały styl był zasadniczo mieszanką fowistycznej kolorystyki, kubistycznej struktury i surrealistycznej tematyki. Le Moal był jednak entuzjastyczny i odważny, zdeterminowany, by pewnego dnia odnaleźć swój unikalny głos. Wierzył, że ten głos przyjdzie do niego przez ścieżki modernizmu i abstrakcji. Jego zapał do nowości i eksperymentów przyciągnął go do francuskiej awangardy właśnie wtedy, gdy naziści zdobywali Europę i potępiali to, co nazywali „sztuką zdegenerowaną”. Le Moal był jednym z wielu francuskich artystów, którzy sprzeciwili się tej cenzurze. Podczas niemieckiej okupacji Francji został nawet współzałożycielem grupy o nazwie Salon de Mai (Salon Majowy). Oprócz Le Moala, ten wpływowy kolektyw tworzyli krytyk sztuki Gaston Diehl oraz artyści tacy jak Henri-Georges Adam, Robert Couturier, Jacques Despierre, Francis Gruber, Alfred Manessier i Gustave Singier, między innymi. Salon de Mai powstał w kawiarni, a z jej stolików grupa organizowała przez kilka lat serię wystaw, które stanowiły bezpośrednie wyzwanie dla okupantów. Salon de Mai stał się latarnią światła w ciemnych czasach i pomógł zapewnić, że francuska sztuka przetrwa wojnę. Może to przesada mówić, że Le Moal i jego towarzysze wynieśli wiarę w sztukę do rangi religii. Jednak po wojnie Le Moal rzeczywiście poświęcił się idei, że sztuka zamieszkuje wyraźnie duchową sferę. W próbie stworzenia transcendentnego wizualnego głosu całkowicie oddał się abstrakcji i w końcu udało mu się uchwycić tajemniczą moc koloru i światła.

Wpływy architektoniczne

Le Moal urodził się w 1909 roku w Authon-de-Perche. Jego ojciec był inżynierem budownictwa, który zachęcał Le Moala, by jako młody człowiek zajął się inżynierią i architekturą. Le Moal uczył się rzeźby, specjalizując się w płaskorzeźbach. W wieku 17 lat zapisał się do szkoły Beaux-Arts w Lyonie na kierunek architektura. Dopiero po dwóch latach namalował swoje pierwsze płótna. Te pierwsze obrazy były pracami figuratywnymi inspirowanymi naturą. Nawet w połowie lat 30., gdy Le Moal zaczął eksplorować style modernistyczne, takie jak surrealizm i kubizm, jego obrazy wykazywały wpływy architektoniczne. Prace takie jak „Siedząca postać” (1936) i „Flora” (1938) ukazują silne przywiązanie do struktury i tradycyjnej harmonii obliczeniowej. Jego umiejętność operowania przestrzenią w sztuce doprowadziła do jednego z jego pierwszych przełomów, gdy w 1939 roku wybrano go do namalowania fresków na suficie pawilonu francuskiego na Międzynarodowej Wystawie w Nowym Jorku.

Jean Le Moal - Barques 1947. Olej na płótnie. 81 x 117 cm. Kolekcja prywatna, Szwajcaria. © Wszelkie prawa zastrzeżone / ADAGP, Paryż, 2018.

Piet Mondrian i Theo van Doesburg. Dopiero w latach 50. Le Moal w końcu znalazł własną metodę, całkowicie uwalniając się od struktury i przyjmując bardziej liryczny styl. Obrazy takie jak „Wiosna” (1957) i „Flora” (1960) są znakomitymi przykładami tachizmu i nawet sugerują postępy Le Moala w sferze duchowej. Tworząc te obrazy, mówił, że uwolnił się od potrzeby zamykania form. Paradoksalnie, w 1956 roku, w tym samym czasie, gdy malował te przełomowe dzieła, powrócił do zainteresowania architekturą, rozpoczynając nową karierę w tworzeniu witraży do kościołów.

Jean Le Moal - Paysage, la ferme, 1943. Olej na płótnie. 24 x 35 cm. Muzeum Sztuk Pięknych w Quimper. © ADAGP Paryż 2018

Sztuka jako modlitwa

Trudno powiedzieć, co było pierwsze dla Le Moala — witraże czy obrazy przypominające witraże. Tak czy inaczej, jego obrazy witrażowe ucieleśniają efekt świetlistych promieni koloru przenikających przez rozbite formy unoszące się w przestrzeni. Jednym z najbardziej ikonicznych przykładów jego obrazów witrażowych jest „Les Arbes” (1954). Tytuł oznacza drzewa i rzeczywiście obraz ten sugeruje widok gałęzi drzewa, które utraciło liście. Olśniewające, kolorowe światło wypełnia przestrzenie między liniami, tworząc morze żywych, świetlistych, pomarańczowych i żółtych form. Podobnie jak Agnes Martin, Le Moal musiał dostrzegać w trójkach wrodzoną świętość i starał się ją uchwycić za pomocą linii i koloru w obrazach takich jak „Les Arbes”.

Jean Le Moal - L'Ocean, 1958-1959. Olej na płótnie. 1,62 x 1,14 m. Zbiór Narodowego Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Muzeum Sztuk Pięknych w Quimper. © ADAGP Paryż 2018

W przeciwieństwie do Martin, która nie była otwarcie religijna, Le Moal był bardzo otwarty w kwestii swoich przekonań. Był chrześcijaninem, a jego witraże instalowano w kościołach chrześcijańskich. Miał też nadzieję, że nie będą one przemawiać wyłącznie do osób wierzących. Wyrażał pragnienie tworzenia przestrzeni, gdzie ludzie mogą się modlić, ale także gdzie ci, którzy się nie modlą, mogą znaleźć ciszę i spokój. To, jak praktyka tworzenia witraży wpłynęła na Le Moala jako artystę, było niezwykłe. Ramy jego okien są ściśle ustrukturyzowane zgodnie z architekturą kościołów, w których są umieszczone. Jednak kompozycje wewnątrz tych struktur są liryczne, gesturalne i wysoce abstrakcyjne. Jednocześnie obrazy takie jak „Letnie światło” (1984-1986) pokazują, jak jego dojrzały styl stał się tak swobodny i abstrakcyjny w latach 70. i 80., że jego obrazy zaczęły przypominać koszulki farbowane metodą batiku, z wirującymi, psychodelicznymi polami koloru przenikającymi się i łączącymi z iluzorycznymi, transcendentnymi przestrzeniami. Pod koniec życia Le Moal powrócił do punktu wyjścia jako artysta, który potrafił doskonale i jednocześnie wyrazić subtelną równowagę między strukturą a wolnością oraz uchwycić ulotną architekturę światła.

Zdjęcie główne: Jean Le Moal - Ryba, 1952. Litografia. Kompozycja: 29,9 x 50 cm; arkusz: 38 x 57 cm. Guilde de la Gravure. Fundusz Larry Aldrich. Kolekcja MoMA.
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor Phillip Barcio