Czym jest malarstwo konceptualne?

Każde dzieło sztuki było kiedyś tylko pomysłem w czyjejś głowie. To zabawna myśl, biorąc pod uwagę, jak ulotne mogą być pomysły i jak trudno jest nawet najlepsze z nich przełożyć na rzeczywistość. Malarstwo konceptualne, jako dziedzina praktyki artystycznej, próbuje zmierzyć się z przepaścią między pomysłami a rzeczywistością materialną. Rozważa możliwość, że na każdy obraz, który ostatecznie zawisł na ścianie, przypada niezliczona ilość innych, które nigdy nie trafiły na płótno, oraz niezliczone alternatywne sposoby namalowania tego jednego, który się tam znalazł. Idzie nawet dalej, twierdząc, że obraz może wcale nie mieć znaczenia; że jedyną rzeczą, która naprawdę się liczy, jest pomysł.

Po prostu pomyśl o tym

Czasem najlepszym sposobem na wykonanie czegoś jest nie myślenie o tym. Po prostu zrób to, jak mówi slogan. Kiedy jednak zatrzymujemy się i zastanawiamy nad naturą tego, co robimy, może nas to sparaliżować, gdy zaczynamy się zastanawiać, czy to, co robimy, jest warte wysiłku lub czy ma jakąkolwiek wartość. Gdy pierwsi malarze abstrakcyjni rozpoczęli swoją misję tworzenia czysto abstrakcyjnych dzieł, dużo myśleli i mieli wiele pomysłów. Jednocześnie niektórzy artyści zadawali pytania o wartość tych lub jakichkolwiek innych pomysłów.

W 1917 roku Marcel Duchamp stworzył dzieło sztuki zatytułowane „Fontanna”. Był to pisuar odwrócony do góry nogami i podpisany „R. Mutt”. Duchamp wziął zwykły przedmiot i przekształcił go, w tym przypadku odwracając do góry nogami i wyjmując z użytkowego otoczenia, czyniąc jego pierwotne przeznaczenie nieistotnym i otwierając nowe możliwości znaczenia. „Fontanna” została odrzucona przez wystawę, na którą została zgłoszona, ale stała się punktem odniesienia dla tego, co ostatecznie nazwano sztuką konceptualną, tendencją do stawiania wartości pomysłów artysty ponad wartość procesów czy obiektów artysty.

Sarah Hinckley - 2009, 38 x 25 cm, © Sarah Hinckley

Obraz to nic

Wiele z pierwszych malarstw konceptualnych wcale nie było obrazami. W 1953 roku artysta Robert Rauschenberg wpadł na pomysł wymazania obrazu. Zamierzał sprawić, by sam obiekt zniknął, pozostawiając tylko pomysł, a tym samym wynosząc go na nowy poziom czci. Wierzył, że aby w pełni zrealizować swój pomysł, ktoś inny musi cenić ten obiekt. Musiał wymazać dzieło innego malarza, w przeciwnym razie byłoby to jak negowanie czegoś, co nigdy nie istniało.

Rauschenberg zwrócił się do swojego przyjaciela Willema de Kooninga z prośbą o podarowanie ukochanego obrazu do jego koncepcji. Choć de Kooning początkowo się opierał, ostatecznie przekazał Rauschenbergowi rysunek, którego nie chciał widzieć znikającego i który trudno było wymazać. Rauschenberg zużył ponad tuzin gumek do ścierania przez ponad miesiąc, w końcu zdołał wymazać cały obraz. Efekt, nazwany „Wymazanym rysunkiem de Kooninga”, stanowczo potwierdził przekonanie, że najważniejszy jest pomysł dzieła sztuki i że samo dzieło wcale nie musi istnieć.

Robert Rauschenberg - Wymazany rysunek de Kooninga, 1953, ślady mediów rysunkowych na papierze, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, Muzeum Sztuki Współczesnej w San Francisco (SFMOMA), San Francisco, © Fundacja Roberta Rauschenberga

Tworzenie niewidzialnego

Pojęcie nadrzędnej roli pomysłu szybko rozprzestrzeniło się na świecie zachodnim. Artyści zaczęli eksperymentować z każdą możliwą formą manifestacji pomysłu, wierząc, że jeśli pomysł ma się zmaterializować, może to uczynić na wiele sposobów. Sztuka o obrazie drzewa mogła przybrać formę fotografii drzewa, obrazu drzewa, rysunku drzewa, abstrakcyjnego obrazu drzewa, słów „obraz drzewa” napisanych na powierzchni, wykonawcy wskazującego na prawdziwe drzewo, tańca interpretacyjnego naśladującego drzewo, a nawet artysty siedzącego na podłodze z zamkniętymi oczami, myślącego o obrazie drzewa.

W 1958 roku artysta Yves Klein zorganizował w Paryżu wystawę obrazów często nazywaną „Pustką”. Pełny tytuł wystawy brzmiał „Specjalizacja wrażliwości w stanie surowym materiału w ustabilizowaną wrażliwość obrazową, Pustka”. Według legendy, ponad 3000 odwiedzających przyszło zobaczyć wystawę. Po wejściu do galerii widzowie stawali w białym pomieszczeniu pozbawionym obrazów, zawierającym jedynie pustą szafkę. Klein powiedział o wystawie: „Moje obrazy są teraz niewidzialne i chciałbym pokazać je w jasny i pozytywny sposób.”

Fieroza Doorsen - Bez tytułu (Id. 1281), 2017, olej na papierze, 27 x 19 cm.

SolLeWitt

W 1968 roku abstrakcyjny malarz Sol LeWitt dodał kolejny wymiar do dziedziny malarstwa konceptualnego. Teoretyzował, że nie tylko nie ma znaczenia, czy pomysł kiedykolwiek zmaterializuje się jako fizyczny obraz, ale także nie ma znaczenia, jak zostanie namalowany ani kto go namaluje. Liczy się tylko oryginalny wyrażony przez artystę pomysł obrazu. Jako demonstrację tej koncepcji LeWitt zaczął projektować murale ścienne, które mogły być, i zazwyczaj były, wykonywane przez osoby inne niż on sam.

Pomysł Lewitta polegał na tym, że każda ręka narysuje każdą linię inaczej, więc choć wszyscy pracowaliby według tych samych planów, każdy artysta narysuje mural inaczej niż pozostali. Gotowe dzieła różniłyby się od oryginalnego projektu i od siebie nawzajem, ale ponieważ liczy się tylko oryginalny projekt, różnice są nieistotne, podobnie jak środki produkcji. Dziedzictwo pomysłu Lewitta jest takie, że jego konceptualne malowidła ścienne są nadal powielane po jego śmierci.

John Monteith - Nocne niebo, 2010, grafit na papierze ręcznie robionym, 61 x 45 cm, © John Monteith

Przyszłość pomysłów

Współczesne malarstwo konceptualne nadal poszerza nasze zrozumienie pomysłów, które stanowią podstawę dzieła sztuki. Prace współczesnej amerykańskiej malarki abstrakcyjnej Debry Ramsay opierają się na ideach fundamentalnych dla naszych czasów. Jej proces polega na śledzeniu zmieniających się kolorów natury, takich jak kolory sezonowej roślinności, a następnie analizowaniu tych zmian kolorów w programie komputerowym. Uzyskane dane służą do stworzenia palety nawiązującej do zmieniających się naturalnych barw. Następnie używa tej palety do stworzenia abstrakcyjnej reprezentacji obiektów w przestrzeni zmieniających się w czasie.

Prace Ramsay przywodzą na myśl dwie fundamentalne idee dominujące w naszej kulturze. Pierwsza to idea danych i przekonanie, że każdy aspekt naszego życia jest monitorowany, cyfryzowany, obliczany i analizowany w monumentalnym dążeniu do zrozumienia. Druga to idea, że natura się zmienia i że być może teraz możemy jedynie obserwować te zmiany i w jakiś sposób odnajdywać w nich estetyczne piękno. Pomysły Ramsay są pięknie przedstawione w formie obrazów abstrakcyjnych, ale to właśnie same idee sprawiają, że jej prace są tak istotne dla naszej kultury dzisiaj.

Debra Ramsay - Rok koloru, dostosowany do długości dnia, 2014, akryl na folii poliestrowej, 101 x 152 cm.

H7

Kanadyjski malarz abstrakcyjny John Monteith pracuje w różnych technikach, poszukując najskuteczniejszej materialnej formy swoich artystycznych koncepcji. Jednym z obszarów, które często eksploruje, jest tekst. Monteith wyciąga fragmenty tekstów z różnych źródeł, na które natrafia podczas pracy, takich jak codzienne wiadomości, książka czy rozmowa. Następnie prezentuje tekst poza kontekstem w galerii, co zaprasza do nowych konceptualnych interpretacji idei zawartych w słowach.

Czerpiąc z wielu źródeł medialnych teksty do swoich prac, rysunki Monteitha oparte na tekście wnoszą współczesny punkt widzenia do dzieł pierwszej generacji artystów konceptualnych, takich jak Robert Barry, który również często pracuje z tekstem. Prace Barry’ego polegają na prezentowaniu fragmentów tekstu na papierze, płótnie, ścianach, podłogach lub innych powierzchniach odpowiednich dla idei. Jego słowa często są jego własne, ale czasem pochodzą z innych tekstów i są przedstawiane w sposób zapraszający do nowych skojarzeń i znaczeń. Często te konceptualne dzieła przekazują znacznie więcej informacji niż tradycyjny obraz, wymagając udziału wyobraźni widza.

Materia i znaczenie

W 1965 roku w przełomowym dziele sztuki konceptualnej zatytułowanym Jedno i trzy krzesła artysta konceptualny Joseph Kosuth zaprezentował rzeczywiste krzesło, fotografię krzesła oraz pisemny opis tego, czym jest krzesło. Jak wiele innych dzieł konceptualnych, postawiło to na pierwszy plan pytanie o różnicę między pomysłami, przedmiotami i abstrakcjami.

Obecnie akceptujemy, że malarstwo konceptualne nie musi być obrazem ani nie musi w ogóle istnieć w formie materialnej. Ale jeśli istnieje, czy to ważne? Czy ma znaczenie, że jest tutaj, w świecie materialnym? Czy naprawdę nie ma różnicy między przedmiotem a pomysłem? Czy naprawdę cenimy pomysł bardziej? Gdybyśmy byli głodni, czy wolelibyśmy mieć przepis, obraz jedzenia czy prawdziwe jedzenie? W praktyce malarstwo konceptualne zadaje i odpowiada na jedno z najważniejszych pytań ludzkości: czy to, co robimy, ma znaczenie?

Zdjęcie wyróżnione: Robert Barry - Bez tytułu (Coś, co nigdy nie może być czymś konkretnym), 1969, maszyna do pisania na papierze, 10 x 15 cm, © Robert Barry

Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych