Dlaczego Wizja Gauguina po Kazaniu była ważna dla sztuki abstrakcyjnej

Paul Gauguin namalował Wizję po kazaniu w 1888 roku. Był to obraz o tematyce religijnej, który jako punkt wyjścia obrał opowieść z Biblii chrześcijańskiej. Historia pochodzi z Księgi Rodzaju, rozdział 32, wersety od 22 do 31. Dotyczy postaci o imieniu Jakub, który później został przemianowany na Izraela i uważany jest za historycznego przodka Izraelitów. Werset brzmi następująco: „Tego samego wieczoru wstał, wziął swoje dwie żony, dwie służące i jedenaścioro dzieci, i przeprawił się przez brodę rzeki Jabbok. Przeprawił ich przez strumień, a także wszystko, co miał. I Jakub został sam; i mężczyzna walczył z nim aż do świtu.” Ogólna poetycka lub filozoficzna interpretacja tej sceny mówi, że dotyczy ona człowieka walczącego ze swoimi demonami, można by powiedzieć. Mężczyzna, Jakub, zmaga się z tym, co najwyraźniej jest aniołem, przedstawicielem boskości. Rzeka Jabbok (znana również jako Jordan) oddziela Jakuba od Kanaanu, czyli Ziemi Obiecanej. Tak więc Jakub w istocie próbuje w staromodny sposób pogodzić lepsze i gorsze elementy swojej ludzkiej natury, aby móc po prostu prowadzić przyzwoite życie. To fascynujący temat, który Gauguin wybrał do tego obrazu, ponieważ sam obraz zyskał podobną interpretację wśród historyków sztuki. Uznaje się go za punkt zwrotny w drodze postimpresjonizmu ku abstrakcji. To odpowiedni temat dla obrazu, który odgrywa kluczową rolę w procesie artystów walczących ze swoimi demonami, próbujących pogodzić się z tym, czym sztuka powinna być, aby móc po prostu tworzyć przyzwoite dzieła.

Eliminowanie złudzeń

Gauguin należał do niewielkiej grupy malarzy z końca XIX wieku, którzy wierzyli, że zanim obraz stanie się złudzeniowym wizerunkiem, jest przede wszystkim po prostu kolorami nałożonymi na powierzchnię. Proces przekształcania farby i powierzchni w coś realistycznego, jak obraz czegoś rozpoznawalnego, następował później, po fakcie. W umysłach tych nowatorskich artystów ten późniejszy krok przestał być tak ważny, a nawet zaczął wydawać się zbędny. Zaczęli doceniać takie elementy jak kolor i powierzchnia same w sobie, niezależnie od tego, jakie formy, kształty i złudzeniowe przestrzenie miały tworzyć. Ogólnie rzecz biorąc, to nastawienie zaczęło się wraz z impresjonizmem, stylem skupiającym się na jakości światła w obrazie. Jednak okres znany dziś jako postimpresjonizm to czas, gdy takie idee naprawdę zaczęły się rozwijać.

Lista ruchów postimpresjonistycznych, które redukowały malarstwo do jego formalnych elementów, prowadząc ostatecznie do czystej abstrakcji, jest długa. Obejmuje symbolizm, syntetyzm, klosonizm, fowizm, kubizm i wiele innych -izmów. Każdy z tych ruchów pojawił się w dość szybkim tempie w ostatnich dekadach XIX wieku. Każdy realizował określony cel, izolując jeden lub więcej elementów klasycznej sztuki i podważając je, aby odkryć coś nowego o potencjale malarstwa. Wśród elementów, które ci artyści próbowali wyeliminować, były perspektywa, gradacja kolorów, realistyczne kolory, zrozumiała tematyka oraz przekonanie, że kształty i formy muszą przedstawiać elementy rzeczywistego świata. Jednym z kluczowych aspektów Wizji po kazaniu, który czyni ją tak ikoniczną dla tego ogólnego dążenia do abstrakcji, jest to, że podejmuje niemal wszystkie te elementy naraz.

Perspektywa i gradacja

Perspektywa i gradacja kolorów to dwa z najważniejszych, definiujących elementów klasycznych stylów malarskich. Razem mogą nadać obrazowi silne poczucie realizmu, ponieważ tworzą złudzeniową przestrzeń w obrazie. Perspektywa nadaje obrazowi poczucie głębi i sprawia, że formy fizyczne w złudzeniowej przestrzeni wydają się sensowne dla oka, tak jak w rzeczywistości. Bez realistycznej perspektywy, bez względu na fotograficzną perfekcję obrazu, złudzenie zostaje przerwane. Tymczasem stopniowa gradacja kolorów nadaje tonom obiektów w obrazie ich realistyczne cechy. Kolor skóry to nie jeden kolor, lecz setki, a może tysiące kolorów stopniowo ze sobą zlewających się. Bez gradacji kolory stają się nierealistyczne, a obraz zaczyna wyglądać dziwnie lub nawet absurdalnie.

Wizja po kazaniu niemal całkowicie eliminuje zarówno perspektywę, jak i gradację kolorów, choć nie całkowicie. Gauguin sprytnie wykorzystał religijną tematykę, aby zmylić odbiorcę co do tego, czy obraz ma być realistyczny, czy nie. Przedstawia grupę, która wydaje się składać z zakonnic i jednego księdza stojących w linii, niektóre stoją, inne klęczą. Perspektywa jest tu użyta dość tradycyjnie. Reszta obrazu przypomina raczej sen. Najwyraźniej odbyło się kazanie, a te zakonnice wychodzą z kościoła po nim. Kazanie musiało dotyczyć historii Jakuba walczącego ze swoimi demonami, ponieważ to właśnie ten obraz rozgrywa się przed oczami zakonnic w mistycznej, niemal surrealistycznej przestrzeni w górnej części obrazu. W tej części ramy nie ma próby zastosowania perspektywy, głębi, a niemal całkowicie wyeliminowano gradację koloru. Obraz jest spłaszczony, można tak powiedzieć.

Paul Gauguin - Wizja po kazaniu, 1888, olej na płótnie, 72,20 x 91,00 cm

Nienaturalne kolory i formy

Kolory w Wizji po kazaniu nie są całkowicie ekstrawaganckie, jak stało się to później w dziełach malarzy fowistycznych. Jednak w tym obrazie Gauguin wykonał ogromny krok w kierunku tego ostatecznego celu, podejmując odważny ruch i malując ogromny fragment obrazu tym, co nazwał „czystym czerwienią cynobrową”. Cynober to czerwony pigment, który kiedyś był powszechnie używany w malarstwie. Pochodził z minerału zwanego cynobarem, który zawierał tyle rtęci, że już w czasach rzymskich wiadomo było, że wydobywanie tego minerału to wyrok śmierci. Z tego powodu pigment jest dziś trudny do zdobycia. Jest trujący. Nadaje jednak temu dziełu szczególnie złowrogi ton. Czerwony kolor można odczytać jako symboliczny, sugerujący gniew, śmierć i niebezpieczeństwo. Definiuje obraz jako coś nierealnego, coś sennego.

Jeśli chodzi o formy, jest jasne, że w większości Gauguin zamierzał, aby były one nieco realistyczne. Obraz wyraźnie pokazuje postacie ludzkie, krowę, drzewo i mężczyznę walczącego z aniołem. Jednak są momenty na obrazie, które sugerują, że Gauguin nie tyle interesował się wiernym odwzorowaniem rzeczywistości za pomocą form, ile fascynowały go same właściwości form. Najbardziej widoczne jest to w nakryciach głowy noszonych przez zakonnice. Zaczynając od nakrycia na pierwszym planie, w prawym dolnym rogu obrazu, kształt został zredukowany do swojej geometrycznej istoty. W całym obrazie Gauguin powtarza tę tendencję wielokrotnie. Gdyby twarze zostały usunięte z obrazu, pozostałe pola kolorów straciłyby wiele ze swojej narracyjnej siły, a obraz mógłby łatwo przejść w kompozycję abstrakcyjną.

Szczere intencje

Jedno z pytań, które często pojawia się w rozmowach o malarzach postimpresjonistycznych, brzmi: czy naprawdę wiedzieli, co chcą osiągnąć? Oczywiście w przypadku takich malarzy jak Gauguin odpowiedź brzmi tak. On i jego współcześni, tacy jak Paul Sérusier, Maurice Denis i Émile Bernard, byli zapalonymi filozofami, pisarzami i eksperymentatorami. Byli całkowicie zdeterminowani, by rozbić definicję malarstwa i znaczenie sztuki. Starali się odkryć, co, jeśli cokolwiek, w sztuce może być kontemplacyjne, transcendentne, a nawet duchowe, poza jej narracyjną tematyką.

W rzeczywistości, jeśli chodzi o eksperymentalne intencje tych artystów, osobiście uważam, że inny obraz, namalowany rok przed Wizją po kazaniu, posunął się znacznie dalej w odkrywaniu potencjałów ukrytych w abstrakcji. Tym obrazem jest Talizman, namalowany przez Paula Sérusiera w ostatni dzień 1887 roku. Według legendy Gauguin zachęcał Sérusiera do namalowania tego dzieła. Tak czy inaczej, jest ono naprawdę przełomowe. Gdyby tylko usunąć dwie zielone linie biegnące przez środek obrazu, byłby całkowicie abstrakcyjny. Przypominałby niemal idealnie dzieła Hansa Hofmanna stworzone pokolenie później. To istota syntetyzmu, stylu, z którym Gauguin się utożsamiał, ponieważ łączy on zewnętrzną istotę naturalnych form bez ich dokładnego kopiowania, z poczuciem, jak artysta czuje się wobec form na obrazie, oraz czystą estetyczną troską o kolor, linię i formę. Niemniej jednak Wizja po kazaniu jest oczywiście również ważna, ponieważ ukazuje wiele tych samych idei, czyniąc ją wyraźnym punktem zwrotnym na drodze ku czystej abstrakcji.

Zdjęcie główne: Paul Gauguin - Wizja po kazaniu (szczegół), 1888, olej na płótnie, 72,20 x 91,00 cm

Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio