Dlaczego Wizja Gauguina po Kazaniu była ważna dla sztuki abstrakcyjnej

Paul Gauguin namalował Wizję po kazaniu w 1888 roku. Był to obraz religijny, który jako punkt wyjścia przyjął historię z Biblii chrześcijańskiej. Opowieść pochodzi z Księgi Rodzaju, rozdział 32, wersety 22-31. Dotyczy postaci o imieniu Jakub, który później zostanie nazwany Izraelem i który uważany jest za historycznego przodka Izraelitów. Werset brzmi: „Tej samej nocy wstał i wziął swoje dwie żony, swoje dwie służebnice i swoje jedenaścioro dzieci, i przeszedł przez brodę Jabbok. Wziął je i posłał przez strumień, a także wszystko, co miał. A Jakub został sam; i mężczyzna walczył z nim aż do świtu.” Ogólna poetycka lub filozoficzna interpretacja tej sceny dotyczy mężczyzny, który zmaga się ze swoimi demonami, że tak powiem. Mężczyzna, Jakub, zmaga się z tym, co jest ewidentnie aniołem, przedstawicielem boskości. Rzeka Jabbok (znana również jako rzeka Jordan) oddziela Jakuba od Kanaanu, czyli Ziemi Obiecanej. Tak więc Jakub w istocie stara się zawrzeć pokój w tradycyjny sposób między lepszymi a gorszymi elementami swojej ludzkiej natury, aby mógł po prostu prowadzić przyzwoite życie. To fascynujący temat, który Gauguin wybrał do tego obrazu, ponieważ sam obraz zyskał podobną interpretację wśród historyków sztuki. Uważany jest za punkt zwrotny w postimpresjonistycznym marszu w kierunku abstrakcji. To odpowiedni temat dla obrazu, który odgrywa kluczową rolę w procesie artystów zmagających się ze swoimi demonami, gdy próbują pogodzić się z tym, czym sztuka powinna być, aby mogli po prostu tworzyć przyzwoite dzieła.

Eliminowanie Iluzji

Gauguin był członkiem małej grupy malarzy pod koniec XIX wieku, którzy wierzyli, że zanim obraz stanie się iluzorycznym wizerunkiem, najpierw i przede wszystkim jest po prostu kolorami nałożonymi na powierzchnię. Proces przekształcania farby i powierzchni w coś realistycznego, jak obraz czegoś rozpoznawalnego, następował później, po fakcie. W umysłach tych nowatorskich artystów ten późniejszy krok nie był już tak ważny i zaczynał wydawać się nawet zbędny. Zaczęli doceniać rzeczy takie jak kolor i powierzchnia na ich własnych zasługach, niezależnie od form, kształtów i iluzorycznych przestrzeni, do których były używane. Ogólnie rzecz biorąc, ten sposób myślenia rozpoczął się od impresjonizmu, stylu, który koncentrował się na jakości światła w obrazie. Ale okres znany teraz jako postimpresjonizm to czas, kiedy takie idee naprawdę zaczęły się rozwijać.

Lista ruchów postimpresjonistycznych, które zredukowały malarstwo do jego formalnych elementów, ostatecznie prowadząc do czystej abstrakcji, jest długa. Obejmuje symbolizm, syntetyzm, kloisonnizm, fowizm, kubizm i wiele innych -izmów. Każdy z tych ruchów pojawił się w stosunkowo szybkim tempie w ostatnich dekadach XIX wieku. Każdy z nich przyjął jakiś szczególny program, izolując jeden lub więcej elementów sztuki klasycznej i subwertując je, aby odkryć coś nowego na temat potencjału malarstwa. Wśród elementów, które ci artyści starali się wyeliminować, były perspektywa, gradacja kolorów, realistyczne kolory, zrozumiała tematyka oraz idea, że kształty i formy muszą być reprezentatywne dla elementów rzeczywistego świata. Jednym z kluczowych aspektów Wizji po kazaniu, który czyni ją tak ikoniczną w tym ogólnym dążeniu do abstrakcji, jest to, że porusza prawie wszystkie te elementy jednocześnie.

Perspektywa i gradacja

Perspektywa i gradacja kolorów to dwa z najważniejszych, definiujących elementów klasycznych stylów malarskich. Razem mogą nadać obrazowi potężne poczucie realizmu, ponieważ tworzą iluzoryczną przestrzeń w obrazie. Perspektywa nadaje obrazowi poczucie głębi, a także wrażenie, że fizyczne formy w iluzorycznej przestrzeni mają sens dla oka, tak jak w prawdziwym życiu. Niezależnie od tego, jak fotograficznie doskonały jest obraz, bez poczucia realistycznej perspektywy iluzja zostaje przerwana. Tymczasem stopniowa gradacja kolorów to to, co nadaje tonom obiektów w obrazie ich realistyczne cechy. Odcień skóry to nie tylko jeden kolor, to setki, może tysiące kolorów stopniowo ze sobą zmieszanych. Bez gradacji kolory stają się nierealistyczne, a obraz zaczyna wyglądać niesamowicie lub nawet absurdalnie.

Wizja po kazaniu niemal całkowicie eliminuje zarówno perspektywę, jak i gradację koloru, choć nie całkowicie. Gauguin sprytnie wykorzystał temat religijny, aby zmylić, czy obraz ma być realistyczny, czy nie. Przedstawia grupę, która wydaje się być zakonnicami i jednym księdzem zebranymi w linii, niektóre stoją, a niektóre klęczą. Perspektywa jest używana dość tradycyjnie w tej części obrazu. Ale reszta obrazu wydaje się bardziej jak sen. Wyraźnie odbyło się kazanie, a te zakonnice wychodzą z kościoła po nim. Kazanie musiało dotyczyć historii Jakuba walczącego ze swoimi demonami, ponieważ to jest obraz, który rozgrywa się przed oczami zakonnic w mistycznej, niemal surrealistycznej przestrzeni w górnej części obrazu. W tej części kadru nie ma próby uzyskania perspektywy, nie ma próby głębi i niemal całkowitej eliminacji gradacji koloru. Obraz jest spłaszczony, że tak powiem.

Paul Gauguin - Vision after the Sermon, 1888, Oil on canvas, 72,20 x 91,00 cm

Nienaturalne kolory i formy

Kolory w Wizjach po kazaniu nie są całkowicie szokujące, jakimi stały się później w pracach malarzy fowistycznych. Ale w tym obrazie Gauguin rzeczywiście wykonał ogromny krok w kierunku tego ostatecznego celu, podejmując odważny krok, malując ogromny fragment obrazu tym, co nazywał "czystym wermilionem". Wermilion to czerwony pigment, który kiedyś był powszechnie używany w malarstwie. Pochodził z minerału zwanego cynobrem, który zawierał tak dużo rtęci, że już w czasach rzymskich wiedziano, że wydobycie tego minerału to wyrok śmierci. Z tego powodu pigment ten jest już trudno dostępny. Jest toksyczny. Ale nadaje temu dziełu szczególnie złowrogi ton. Czerwień można postrzegać jako kolor symboliczny, sugerujący złość, śmierć i niebezpieczeństwo. Definiuje obraz jako coś nierealnego, coś sennego.

Jeśli chodzi o formy, jasne jest, że w większości Gauguin zamierzał, aby były one w pewnym sensie realistyczne. Obraz wyraźnie przedstawia ludzkie postacie, krowę, drzewo i mężczyznę zmagającego się z aniołem. Jednak są momenty w obrazie, które sugerują, że Gauguin nie był tak bardzo zainteresowany replikowaniem rzeczywistości swoimi formami, ale raczej fascynowały go same cechy form. Najbardziej widoczne jest to w nakryciach głowy noszonych przez zakonnice. Zaczynając od nakrycia głowy na pierwszym planie, w dolnym prawym rogu obrazu, kształt został zredukowany do swojej geometrycznej istoty. W całym obrazie Gauguin powtarza tę tendencję raz za razem. Gdyby twarze zostały usunięte z obrazu, pozostałe obszary koloru straciłyby wiele ze swojej narracyjnej mocy, a obraz mógłby łatwo przejść w kompozycję abstrakcyjną.

Szczere intencje

Jednym z pytań, które często pojawiają się w rozmowach o malarzach postimpresjonistycznych, jest to, czy naprawdę wiedzieli, co chcą osiągnąć. Oczywiście w przypadku malarzy takich jak Gauguin, odpowiedź brzmi tak. On i jego współcześni, tacy jak Paul Sérusier, Maurice Denis i Émile Bernard, byli zapalonymi filozofami, pisarzami i eksperymentatorami. Byli w pełni zdeterminowani, aby zburzyć definicję malarstwa i znaczenie sztuki. Starali się odkryć, co, jeśli w ogóle, jest w sztuce, co mogłoby być kontemplacyjne, transcendentne, a nawet duchowe, poza jej narracyjnym tematem.

W rzeczywistości, jeśli chodzi o eksperymentalne intencje tych artystów, osobiście uważam, że inny obraz, namalowany rok przed Wizją po kazaniu, poszedł znacznie dalej w odkrywaniu potencjałów ukrytych w abstrakcji. Ten obraz to Talisman, namalowany przez Paula Sérusiera w ostatnim dniu 1887 roku. Zgodnie z legendą, Gauguin zachęcał Sérusiera do namalowania tego dzieła. Niezależnie od tego, jest to naprawdę przełomowe. Gdyby tylko para zielonych linii przebiegających przez środek obrazu została usunięta, byłoby całkowicie abstrakcyjne. Przypominałoby niemal idealnie dzieło Hansa Hofmanna stworzone pokolenie później. To esencja Syntetyzmu, stylu, do którego Gauguin się przypisywał, w tym, że syntetyzuje zewnętrzną esencję naturalnych form bez ich precyzyjnego kopiowania, z poczuciem, jak artysta czuje się wobec form na obrazie oraz czystym estetycznym rozważaniem koloru, linii i formy. Niemniej jednak, Wizja po kazaniu jest oczywiście również ważna, ponieważ demonstruje wiele tych samych idei, czyniąc ją zdecydowanym punktem zwrotnym w marszu ku czystej abstrakcji.

Obraz wyróżniony: Paul Gauguin - Wizja po kazaniu (szczegół), 1888, Olej na płótnie, 72,20 x 91,00 cm

Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio