Żółta sztuka abstrakcyjna na sprzedaż, aby rozjaśnić Twój dom!

Podczas energicznego stosowania koloru żółtego - w Yellow-Red-Blue lub The Yellow Canvas, między innymi - Kandinsky twierdził, że żółty dręczy człowieka, narzuca się na niego jak ograniczenie, wdzierając się z rodzajem nieznośnej brutalności. Rzeczywiście, żółty pozwala na współistnienie niezliczonych znaczeń, interpretacji i emocji, a ta unikalna cecha szczególnie fascynowała pierwszą generację abstrakcyjnych ekspresjonistów. Promienny żółty w Yellow Woman de Kooninga nagle oślepia oko, podkreślając pełną świetlistość dzieła, podobnie jak jasny żółty w Yellow Islands Pollocka. Jednak żółty ochra kalifornijskich wzgórz, przypominająca mu o młodości, była niezbędna w pracy Roberta Motherwella. W Little Spanish Prison, gdzie ręcznie malowane pionowe żółte pasy oznaczają nadzieję, czy w Yellow Chord, gdzie pole żółte kontrastuje jaskrawo z odważnymi czarnymi kształtami, żółty staje się sygnaturą Motherwella, która dominowała w jego płodnym dorobku. Ponieważ żółty nadal inspiruje i prowokuje współczesnych artystów, nasz cotygodniowy wybór powinien pomóc Ci wybrać własny żółty klejnot i dodać go do swojej kolekcji!

Anya Spielman - Quince

Spielman intensywne podejście fizyczne odsłania nieograniczone, ekspresjonistyczne dzieła sztuki, które ujawniają jej impulsywną naturę. Ten mały olej na papierze odsłania świetlistą i zmysłową nasyconą powierzchnię z błyszczącymi i matowymi warstwami żółtego i białego, które są wspaniale ułożone. Beztroskie czarne linie z daleka odnoszą się do pigwy, tworząc podstawową strukturę, która dekonstruuje i produkuje zanurzone słownictwo dzieła. Pigwa bada spokój i strukturę w delikatnej równowadze, która przyciąga i ekscytuje widza. Spielman jest amerykańską malarką abstrakcyjną. Jej prace badają konstelację binarnych sił i form. Mieszka i pracuje w rejonie Los Angeles.

Anya Spielman - Quince, 2015. Olej na papierze. 17,8 x 17,8 cm.

Dana Gordon - Linia do Struktury 8

Linia do Struktury 8 jest częścią wczesnej serii Gordona stworzonej w 1977 roku, w której skrupulatnie bada, jak znaki rozwijają się w linie, kształty i obrazy. Ten akryl na ręcznie robionym indyjskim papierze waha się między liniowością a skupiskiem znaków i kształtów, podczas gdy jego ograniczona paleta z stłumionym żółtym pozwala mu skupić się na cechach linii i znaków. Skupiając się na podstawowych komponentach, zagłębia się w ludzką naturę i jej najbardziej ukryte tajemnice. Gordon jest amerykańskim malarzem abstrakcyjnym i artystą multimedialnym, którego ekscytująca praca od dziesięcioleci bezpośrednio bada potencjał tworzenia znaków i linii do tworzenia znaczących kolorów, kształtów i przestrzeni. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Dana Gordon - Linia do Struktury 8, 1977. Akryl na ręcznie robionym papierze indyjskim. 61 x 76,2 cm.

Janise Yntema - Cytrynowy Żółty

To dzieło jest częścią serii Temperatura Światła, w której Yntema nakłada przezroczystą, pigmentowaną wosk, aby osiągnąć niezwykłą intensywność koloru. Lemon Yellow to jej staranne wysiłki, aby skondensować uczucie postrzegania cytryn jako wspomnień o obserwowanych obiektach, które zamieszkują jej osobistą przestrzeń refleksji. Tam pozwala, aby kolor i światło wchodziły w interakcję i wykorzystywały subiektywność oraz sam temat. Yntema jest amerykańską malarką abstrakcyjną, która pracuje z starożytną techniką wosku encaustycznego, będącego połączeniem wosku pszczelego, żywicy i pigmentów. Obecnie mieszka i pracuje w Brukseli, Belgia.

Janise Yntema - Lemon Yellow, 2015. Wosk pszczeli, żywica i pigment na papierze archiwalnym zamontowanym na archiwalnej tekturze. 41 x 61 cm.

Mel Prest - Udawaj, że to wczoraj

Ten hipnotyzujący akryl na panelu jest częścią serii W Hołdzie Planetarnemu Czasowi, inspirowanej zaćmieniem krwawego księżyca, które zamieniło powierzchnię księżyca w nieprzezroczystą ceglastoczerwoną kulę. Czerpiąc z dyskusji na temat różnicy między tradycyjną a nowoczesną estetyką W Hołdzie Cieniom, zastanawia się, jak stopniowa kosmiczna zmiana wpływa na jej codzienne czynności. Prest spędziła miesiące na budowaniu żółtej warstwy i czekaniu na linię -- kontynuowała, gdy jej proces twórczy zaczął rezonować z sublimalnymi pulsacjami kosmicznymi. Prest jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której złożone, warstwowe obrazy mobilizują kolor, linię i perspektywę, aby aktywować kinetyczne zjawiska percepcyjne. Mieszka i pracuje w San Francisco, CA.

Mel Prest -Udawaj, że to wczoraj, 2015. Akryl na panelu. 35,6 x 27,9 x 5 cm.

Matthew Langley - 4CD

Część bardziej nieformalnej serii Painting A Day, 4CD to wizualne badanie tego, jak skala, pociągnięcie i powierzchnia współdziałają, gdy Langley stosuje swoje charakterystyczne podejście do budowania/rozszerzania i redukowania/minimalizowania malowanej powierzchni. Używa półprzezroczystych warstw żółtej farby, co skutkuje visceralnym i niepokojącym dziełem, które podkreśla złożoność i niejednoznaczną naturę malarstwa. Jego otwarte podejście prowokuje do kontemplacji i zadawania pytań, gdy przekracza fizyczne aspekty tego dzieła. Langley jest amerykańskim artystą abstrakcyjnym. Interesuje go równowaga między kolorem a procesem, tworzeniem znaków a polem, skalą a relacją, planowaniem a improwizacją. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Matthew Langley - 4CD, 2015. Akryl na papierze. 56 x 71 cm.

Stephen Maine - HP13-1113

Część serii Halftone Paintings, HP13-1113, wykonana jest na specjalistycznej powierzchni drukarskiej, która pozostawia matrycę małych kropek w wzorze przypominającym fotograficzny halftone. Używana w druku komercyjnym do przekształcania ciągłego tonu emulsji fotograficznej w pole małych kropek, przekazuje wrażenie fragmentarycznego powiększenia i uproszczonego skupienia. Maine stosuje intensywnie nasycony i chromatycznie intensywny żółty, kontrastujący z naturalizowanym lawendowo-niebiesko-szarym, aby wprowadzić element zaskoczenia i wyjątkowo angażujący wizualnie efekt. Maine jest amerykańskim malarzem abstrakcyjnym, pisarzem, kuratorem i nauczycielem. Jego obrazy angażują i rozwijają współczesne idee dotyczące koloru, kompozycji, powierzchni i procesu. Mieszka i pracuje w Brooklynie, NY.

Stephen Maine - HP13-1113, 2013. Akryl na płótnie. 91 x 76 cm.

Jessica Snow - Space Groove 4

"Space Groove 4" prezentuje umiejętny wybór zabawnych, jasnych żółtych i czerwonych kolorów, które rozpuszczają się, wypełniając powierzchnię metaforycznym światłem, powietrzem, uniesieniem i wolnością. Snow bada, jak kolor wpływa na kompresję i ciężar pociągnięć pędzla, łącząc to, co emocjonalne i racjonalne, porządek i chaos. Jej bezwysiłkowe i intuicyjne pociągnięcia pędzla wydają się spontaniczne, ale staranność jej przygotowań ujawnia się stopniowo. Woli, aby jej prace były otwarte na interpretację, zachęcając do wielu odczytów i zanurzając każdego widza w jego/jej własnym uniwersum semiotycznym. Snow jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której obrazy i rysunki wyróżniają się kolorowymi i zabawnymi geometriami. Mieszka w San Francisco.

Jessica Snow - Space Groove 4, 2019. Olej na lnie. 106,7 x 96,5 cm.

Holly Miller - Bend 2

Część serii Bend, to dzieło ma zygzakowaty, fragmentaryczny kształt z jej charakterystycznym przeszytym brzegiem, który podkreśla jego trójwymiarowy aspekt. Miller niezwykle łączy rzeźbę, malarstwo i rysunek, używając przędzy, która podkreśla fizyczną barierę i przerywa kształty. Uspokajający żółty kolor uchwyca dynamiczną energię, jednocześnie przekazując cichą poetykę, która pozwala widzowi wejść przez linie w malowaną powierzchnię. Miller jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której obrazy dążą do połączenia optyki z dotykiem poprzez język abstrakcji. Mieszka i pracuje w Brooklynie, NY.

Holly Miller - Bend 2, 2013. Akryl, grafit i nić na płótnie. 25,4 x 25,4 cm.

Jill Moser - 1.20 (Ref 09)

Zainspirowana spiralnymi głębiami historii pisma, Moser ujawnia swoje fascynacje wizualnym i indeksowym językiem w chaotycznym żółtym gwaszu, który frantically ląduje na papierze, ujawniając jej najintensywniejsze emocje. Jej energiczne, niepowstrzymane pociągnięcia pędzla, cienkie i graniczące z delikatnymi liniami, prowadzą do lirycznego, gesturalnego wyrazu, który jest kontemplacyjny i refleksyjny. Spontaniczność jej pracy osiągana jest poprzez metodyczny, indeksowy proces, w miarę jak osobiście ewoluuje w każdej ze swoich prac. Moser jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której prace badają skrzyżowanie malarstwa, pisania i animowanego obrazu. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Jill Moser - 1.20 (Ref 09), 2009. Gwasz na papierze. 76,2 x 57,15 cm.

Tommaso Fattovich - Zegarmistrz

Najnowsze dzieło Fattovicha to odważna mieszana technika na płótnie, która odzwierciedla jego śmiałe próby głębokiego zanurzenia się w subliminalne, gdy bawi się kompozycją, stosując surrealistyczną strategię automatyzmu. Żółty zdecydowanie dominuje w Clockwork, konkurując nie tylko z innymi kolorami, ale także z warstwami, liniami i kształtami, które wszystkie przyczyniają się do visceralnego wyrazu Fattovicha. Jego styl Abstract Punk dostarcza surowego i nieskazitelnego dzieła, w którym fragmenty nowoczesnego świata pojawiają się i znikają. Fattovich jest włoskim malarzem abstrakcyjnym, który wykorzystuje surrealistyczną strategię automatyzmu do tworzenia surowych, warstwowych, emocjonalnych dzieł, które przekazują uczucia pustki i rozkładu. Mieszka i pracuje w Delray Beach na Florydzie.

Tommaso Fattovich - Clockwork, 2020. Mieszana technika na płótnie. 152,4 x 121,92 cm.

Odkryj więcej żółtych abstrakcyjnych dzieł sztuki!

Obraz wyróżniony: Mel Prest - Udawaj, że to wczoraj, 2015, widok instalacji.
Przez Jovana Vuković