Żółta sztuka abstrakcyjna na sprzedaż, aby rozjaśnić Twój dom!

Podczas energicznego nakładania żółtego – w takich dziełach jak Yellow-Red-Blue czy The Yellow Canvas – Kandinsky twierdził, że żółty dręczy człowieka, narzuca się mu niczym przymus, wdziera się z nie do zniesienia brutalnością. Rzeczywiście, żółty pozwala na współistnienie niezliczonych znaczeń, interpretacji i emocji, a ta wyjątkowa cecha szczególnie fascynowała pierwszą generację abstrakcyjnych ekspresjonistów. Promienny żółty w Yellow Woman de Kooninga nagle oślepia oko, podkreślając pełnię blasku dzieła, podobnie jak jasny żółty w Yellow Islands Pollocka. Jednak żółty ochra kalifornijskich wzgórz, przypominająca mu młodość, była niezbędna w twórczości Roberta Motherwella. Od Little Spanish Prison, gdzie swobodne pionowe żółte pasy oznaczają nadzieję, po Yellow Chord, gdzie pole żółci kontrastuje z odważnymi czarnymi kształtami, żółty staje się charakterystycznym kolorem Motherwella, dominującym w jego płodnym dorobku. Gdy żółty nadal inspiruje i prowokuje współczesnych artystów, nasz cotygodniowy wybór pomoże Ci wybrać własny żółty klejnot i dodać go do Twojej kolekcji!

Anya Spielman - Quince

Spielman’s intensywne, fizyczne podejście odsłania niepohamowane, ekspresjonistyczne dzieło, które ujawnia jej impulsywną naturę. Ten mały obraz olejny na papierze ukazuje świetlistą i zmysłową, nasyconą powierzchnię z błyszczącymi i matowymi warstwami żółci i bieli, pięknie nałożonymi warstwami. Beztroskie czarne linie z daleka nawiązują do pigwowców, tworząc ukrytą strukturę, która dekonstruuje i tworzy zanurzone słownictwo dzieła. Quince bada bezruch i strukturę w delikatnej równowadze, która przyciąga i ekscytuje widza. Spielman jest amerykańską malarką abstrakcyjną. Jej twórczość bada konstelację sił i form binarnych. Mieszka i pracuje w rejonie Los Angeles.

Anya Spielman - Quince, 2015. Olej na papierze. 17,8 x 17,8 cm.

Dana Gordon - Line to Structure 8

Line to Structure 8 jest częścią wczesnej serii Gordona stworzonej w 1977 roku, w której skrupulatnie bada, jak znaki przekształcają się w linie, kształty i obrazy. Ten akryl na ręcznie robionym indyjskim papierze waha się między liniowością a skupiskiem znaków i kształtów, a jego ograniczona paleta z powściągliwym żółtym pozwala mu skupić się na cechach linii i znaków. Skupiając się na podstawowych elementach, zagłębia się w ludzką naturę i jej najskrytsze tajemnice. Gordon jest amerykańskim malarzem abstrakcyjnym i artystą multimedialnym, którego żywiołowa twórczość od dziesięcioleci bezpośrednio bada potencjał znakowania i linii do tworzenia znaczeniowo nasyconego koloru, kształtu i przestrzeni. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Dana Gordon - Line to Structure 8, 1977. Akryl na ręcznie robionym indyjskim papierze. 61 x 76,2 cm.

Janise Yntema - Lemon Yellow

To dzieło jest częścią serii The Temperature of Light, gdzie Yntema nakłada przezroczysty, pigmentowany wosk, aby osiągnąć niezwykłą żywość koloru. Lemon Yellow to jej skrupulatny wysiłek, by skondensować uczucie postrzegania cytryn jako wspomnień obserwowanych przedmiotów, które zamieszkują jej osobistą przestrzeń refleksji. Tam pozwala kolorowi i światłu oddziaływać i wykorzystywać subiektywność oraz sam temat. Yntema jest amerykańską malarką abstrakcyjną, która pracuje starożytną techniką encaustic, łączącą wosk pszczeli, żywicę i pigmenty. Obecnie mieszka i pracuje w Brukseli, Belgia.

Janise Yntema - Lemon Yellow, 2015. Wosk pszczeli, żywica i pigment na papierze archiwalnym zamontowanym na desce archiwalnej z passe-partout. 41 x 61 cm.

Mel Prest - Pretend It's Yesterday

Ten hipnotyzujący akryl na panelu jest częścią serii In Praise of Planetary Time, inspirowanej zaćmieniem krwawego księżyca, które przemieniło powierzchnię księżyca w nieprzezroczystą ceglastoczerwoną kulę. Odwołując się do dyskusji o różnicy między tradycyjną a nowoczesną estetyką In Praise of Shadows, rozważa, jak stopniowa kosmiczna zmiana wpływa na jej zwyczajne czynności. Prest spędziła miesiące na budowaniu żółtej warstwy i oczekiwaniu na pracę linii – kontynuowała, gdy jej proces twórczy zaczął rezonować z wzniosłymi kosmicznymi pulsacjami. Prest jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której złożone, warstwowe obrazy wykorzystują kolor, linię i perspektywę, by aktywować kinetyczne zjawiska percepcyjne. Mieszka i pracuje w San Francisco, Kalifornia.

Mel Prest - Pretend It's Yesterday, 2015. Akryl na panelu. 35,6 x 27,9 x 5 cm.

Matthew Langley - 4CD

Część bardziej nieformalnej serii Painting A Day, 4CD to wizualne badanie, jak skala, pociągnięcie i powierzchnia współdziałają, gdy Langley stosuje swoje charakterystyczne podejście polegające na budowaniu/rozszerzaniu i redukowaniu/minimalizowaniu malowanej powierzchni. Używa półprzezroczystych warstw żółtej farby, co daje visceralne i niepokojące dzieło podkreślające złożoność i niejednoznaczny charakter malarstwa. Jego otwarte podejście prowokuje do refleksji i pytań, gdy przekracza fizyczne aspekty tego dzieła. Langley jest amerykańskim artystą abstrakcyjnym. Interesuje się równowagą koloru i procesu, znakowania i pola, skali i relacji, planowania i improwizacji. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Matthew Langley - 4CD, 2015. Akryl na papierze. 56 x 71 cm.

Stephen Maine - HP13-1113

Część serii Halftone Paintings, HP13-1113 wykonano na specjalnej powierzchni drukarskiej, która pozostawia matrycę drobnych kropek w wzorze przypominającym półton fotograficzny. Używany w druku komercyjnym do tłumaczenia ciągłego tonu emulsji fotograficznej na pole małych kropek, daje wrażenie fragmentarycznego powiększenia i uproszczonego skupienia. Maine stosuje wysoce nasycony i chromatycznie intensywny żółty, kontrastujący z naturalizowanym lawendowo-niebiesko-szarym, by wprowadzić element zaskoczenia i wyjątkowo angażujący wizualnie efekt. Maine jest amerykańskim malarzem abstrakcyjnym, pisarzem, kuratorem i nauczycielem. Jego obrazy angażują i rozwijają współczesne idee dotyczące koloru, kompozycji, powierzchni i procesu. Mieszka i pracuje w Brooklynie, NY.

Stephen Maine - HP13-1113, 2013. Akryl na płótnie. 91 x 76 cm.

Jessica Snow - Space Groove 4

Space Groove 4 prezentuje zręczny dobór zabawnych, jasnych żółci i czerwieni, które rozpuszczają się, wypełniając powierzchnię metaforycznym światłem, powietrzem, uniesieniem i wolnością. Snow bada, jak kolor wpływa na kompresję i ciężar pociągnięć pędzla, łącząc afektywne i racjonalne, porządek i chaos. Jej swobodne i intuicyjne pociągnięcia pędzla wydają się spontaniczne, ale stopniowo ujawnia się staranność jej przygotowań. Woli, by jej prace były otwarte na interpretacje, zachęcając do wielorakich odczytań i zanurzając każdego widza w jego własnym semiotycznym wszechświecie. Snow jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której obrazy i rysunki wyróżniają się kolorową i zabawną geometrią. Mieszka w San Francisco.

Jessica Snow - Space Groove 4, 2019. Olej na lnie. 106,7 x 96,5 cm.

Holly Miller - Bend 2

Część serii Bend, to dzieło to zygzakowaty, fragmentaryczny kształt z jej charakterystycznym przeszytym brzegiem, który podkreśla jego trójwymiarowy aspekt. Miller niezwykle łączy rzeźbę, malarstwo i rysunek, używając przeszywanych linii, które podkreślają fizyczną barierę i przerywają kształty. Kojący żółty uchwyca dynamiczną energię, jednocześnie przekazując cichą poetykę, która pozwala widzowi wejść przez linie w malowaną powierzchnię. Miller jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której obrazy dążą do połączenia optycznego z dotykowym za pomocą języka abstrakcji. Mieszka i pracuje w Brooklynie, NY.

Holly Miller - Bend 2, 2013. Akryl, grafit i nić na płótnie. 25,4 x 25,4 cm.

Jill Moser - 1.20 (Ref 09)

Zainspirowana spiralnymi głębiami historii pisma, fascynacja Moser językiem wizualnym i indeksacyjnym ujawnia się w nieregularnym żółtym gwaszu, który gorączkowo spływa na papier, odsłaniając jej najsilniejsze emocje. Jej energiczne, niepohamowane pociągnięcia pędzla, cienkie i graniczące z delikatnymi liniami, tworzą liryczny, gestowy wyraz, który jest kontemplacyjny i refleksyjny. Spontaniczność jej pracy osiągana jest poprzez metodyczny, indeksacyjny proces, gdy osobiście rozwija się przez każde ze swoich dzieł. Moser jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której twórczość bada przecięcie malarstwa, pisma i animowanego obrazu. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Jill Moser - 1.20 (Ref 09), 2009. Gwasz na papierze. 76,2 x 57,15 cm.

Tommaso Fattovich - Clockwork

Najnowsze dzieło Fattovicha to śmiałe mixed media na płótnie, które odzwierciedla jego odważne próby zanurzenia się w podświadomość, gdy bawi się kompozycją, stosując surrealistyczną strategię automatyzmu. Żółty gwałtownie dominuje w Clockwork, konkurując nie tylko z innymi kolorami, ale także warstwami, liniami i kształtami, które wszystkie dodają do visceralnego wyrazu Fattovicha. Jego styl Abstract Punk dostarcza surowe i czyste dzieło, w którym fragmenty nowoczesnego świata pojawiają się i znikają. Fattovich jest włoskim malarzem abstrakcyjnym, który stosuje surrealistyczną strategię automatyzmu, tworząc surowe, warstwowe, emocjonalne prace przekazujące uczucia opuszczenia i rozkładu. Mieszka i pracuje w Delray Beach na Florydzie.

Tommaso Fattovich - Clockwork, 2020. Mixed media na płótnie. 152,4 x 121,92 cm.

Odkryj więcej żółtych dzieł abstrakcyjnych!

Zdjęcie wyróżnione: Mel Prest - Pretend It's Yesterday, 2015, widok instalacji.
Fot. Jovana Vuković