Młodzi artyści abstrakcyjni, na których warto zwrócić uwagę

Jako wprowadzenie do tych profili dziesięciu wschodzących artystów abstrakcyjnych, którzy naszym zdaniem zasługują na Twoją uwagę, mój redaktor poprosił mnie, abym nieco skomentował stan współczesnej sztuki abstrakcyjnej. To pozornie proste żądanie przez kilka dni nie dawało mi spokoju. Piszę o sztuce współczesnej od dziewięciu lat, a szczególnie koncentruję się na sztuce abstrakcyjnej od ponad półtora roku. Jednak gdy poproszono mnie o ocenę jej stanu, nie jestem pewien, co dokładnie powiedzieć. Żyjemy w czasach skrajnego niepokoju dla każdego, kto zwraca uwagę na wydarzenia na świecie. A artyści żyją w tym samym świecie co wszyscy inni, więc nie jest zaskoczeniem, że są tak samo dotknięci tym niepokojem jak ktokolwiek inny. Mnóstwo sił intensywnie pracuje nad tym, aby napisać przyszłość tej planety, a często wydaje się, że niewielu z tych, którzy mają moc rzeczywistego wpływu na sytuację, zgadza się co do kierunku, w którym powinna podążać cywilizacja. Ale moim zdaniem artyści abstrakcyjni są w wyjątkowej pozycji, aby wpłynąć na naszą drogę. Są naszymi wizualnymi poetami. Ich twórczość może przekraczać bariery językowe, kulturowe, narodowościowe, płciowe, rasowe i ekonomiczne. Zgadzam się z artystami takimi jak Marcel Duchamp, którzy wierzą, że widzowie dopełniają dzieła sztuki poprzez ich doświadczanie. Artyści są odpowiedzialni za tworzenie estetycznych propozycji, ale to my jesteśmy odpowiedzialni za określenie, co się wydarzy dalej. Możemy zdecydować się na otwartość na nowe sposoby postrzegania. Możemy wybrać, co ma znaczenie i jakie to znaczenie będzie miało. Aby poprowadzić nas tą drogą, współcześni artyści abstrakcyjni mają do dyspozycji wszystkie te same narzędzia, co współcześni naukowcy, żołnierze, magnaci i politycy. To, co zrobią z tymi narzędziami, jest pytaniem, z którym zmagają się każdego dnia. Mam nadzieję, że mnie zaskoczą. Dziesięciu artystów abstrakcyjnych, na których postanowiliśmy się dzisiaj skupić, pracuje w różnych mediach i formatach oraz tworzy prace z wielu różnych powodów. Ich różnorodność odzwierciedla niezliczone różne ścieżki, które każdy z nas w tym współczesnym świecie ma prawo obrać. Moim skromnym zdaniem są dowodem na to, że stan sztuki abstrakcyjnej dzisiaj jest tak żywy, jak nigdy dotąd, i tak samo zdolny do tworzenia prac, które są znaczące, ważne, wpływowe i nieoczekiwane.

Iva Gueorguieva

Urodzona w Sofii, Bułgaria, w 1974 roku, Iva Gueorguieva uzyskała tytuł MFA w Tyler School of Art w Filadelfii i obecnie mieszka oraz pracuje w Los Angeles, CA. Jej wizja estetyczna jest szczególnie dostosowana do środowiska miejskiego. Polega na łączeniu różnych elementów w celu stworzenia nowej całości. Gueorguieva pracuje w różnych mediach, ale koncentruje się głównie na malarstwie i rzeźbie. Jej obrazy łączą elementy kolażu z bezpośrednią interwencją malarską, aby stworzyć obrazy, które przekazują złożoność, ruch i sporo chaosu. Choć zasadniczo są płaskie, wydają się wymiarowe i zachęcają widza do zanurzenia się w przestrzeni obrazowej. Podobnie jak jej obrazy, jej rzeźby również są zestawione z wielu różnych mediów. Aby je stworzyć, Gueorguieva łączy elementy swojego fizycznego otoczenia, takie jak beton, metal, papier, plastik i farba, dzięki czemu praca ma poczucie miejsca swojego pochodzenia. Abstrakcyjne formy, które są następnie zestawiane, silnie rezonują z każdym, kto zna wizualny leksykon współczesnego miejsca miejskiego.

Iva Gueorguieva - Strata, 2015, olej na płótnie, © Sofia Contemporary i Iva Gueorguieva (po lewej) oraz Vanished Animal 5, 2015, litografia, mydło, miękkie podłoże, twarde podłoże, suchy punkt, spitbite aquatint, waterbite aquatint, open bite na tkaninie z ręcznym malowaniem, sprayem i olejem na spawanej stalowej ramie z panelami stalowymi, zbrojeniem, betonem i gliną epoksydową, zdjęcie dzięki uprzejmości ACME Los Angeles, © Iva Gueorguieva (po prawej)

Wioślarz Holton

Dzieła Holtona Rowera, urodzonego w Nowym Jorku, powstają w procesie stopniowego gromadzenia. Podobnie jak warstwy skał osadowych układane przez czas, Rower metodycznie wlewa monochromatyczne warstwy farby na powierzchnię, pozwalając każdej warstwie na złączenie się przed wylaniem kolejnej warstwy na wierzch. W końcu, podobnie jak w przypadku gór, warstwy gromadzą się w znaczne masy. Następnie, za pomocą ostrza, Rower wykonuje zadanie naturalnych elementów, rzeźbiąc ostateczną formę. Niezależnie od tego, czy są prezentowane na ścianie, czy na podłodze, te obiekty są z natury rzeźbiarskie i niewątpliwie obrazami. Są zarówno przemysłowe z natury, jak i wynikiem ciężkiej pracy fizycznej. Są formalnymi obiektami koloru, kształtu, formy i tekstury, a także poetyckimi wypowiedziami o ludzkości i jej ciągłej interwencji w naturę. (Och, i nie że to ma znaczenie dla siły i obecności jego niezwykłej sztuki, ale Rower jest również wnukiem Alexandra Caldera.)

Holton Rower - Widok instalacji w VENUS LA: Idea jest bardziej erotyczna niż akt, 2016, farba na płycie wiórowej (lewa), Referencja do bezofiarnej fali przestępczości, 2016, farba na płycie wiórowej (środek), Modlę się, aby dało ci nadzieję, 2016, farba na płycie wiórowej (prawa), © Holton Rower

Hannah Whitaker

Podobnie jak kubiści z początku XX wieku, urodzona w Waszyngtonie fotograf Hannah Whitaker odkryła ekscytujące estetyczne ścieżki do czwartej wymiaru. Brzmi to niewiarygodnie, ale jej fotografie powstają w tradycyjny sposób: z użyciem tylko aparatu. Poprzez strategiczne kontrolowanie, która część negatywu zostaje naświetlona, konstruuje obrazy kawałek po kawałku, czasami zajmując wiele dni, aby w pełni naświetlić pojedynczy negatyw. Powstałe obrazy uchwycają rzeczywistość tak, jak rozwijała się w czasie, poruszając się w przestrzeni. Łącząc tę czterowymiarową dynamikę z formalnym abstrakcyjnym obrazowaniem, Whitaker dotarła do unikalnej propozycji estetycznej, która posuwa fotografię naprzód, jednocześnie ogłaszając ponadczasową wartość jej fundamentów.

Hannah Whitaker - Barcroft Branches, 2014, druk pigmentowy archiwalny (po lewej), oraz Broadside 1, 2014, druk pigmentowy archiwalny (po prawej), © Hannah Whitaker

Ben Parker

Abstrakcyjny artysta origami Ben Parker koncentruje się na aktach odkrywania i eksperymentowania. Dla niektórych dreszczyk emocji związany z starożytną sztuką origami polega na możliwości obserwowania, jak figura zwierzęcia, rośliny lub budynku wyłania się z misternych zagięć pojedynczej kartki papieru. Dla innych dreszczyk emocji związany z origami tkwi w jego potencjale do odkryć naukowych, ponieważ wydaje się wyrażać same fundamenty fizycznego wszechświata. Ale dla Parkera dreszczyk emocji polega na odkrywaniu, jak wykorzystać geometryczne techniki składania origami do wywoływania abstrakcyjnych form. Jego złożone kompozycje tworzą przestrzeń, jednocześnie ją zajmując. Są zarówno substancjalne, jak i eteryczne. Wydają się powstawać z niczego, a ich znaczenie jest niepewne. To, że są piękne, jest niezaprzeczalne; a dla wielu widzów są również niezaprzeczalnie głębokie.

Ben Parker - Naruszenie izolacji, 2016, pojedyncza kartka papieru, © Ben Parker

Ashleigh Bartlett

Prace artystki urodzonej w Calgary, Ashleigh Bartlett, opierają się na aktach oddzielania i budowania. Jej obrazy kolażowe badają abstrakcyjne kompozycje koloru i formy zbudowane z warstw płótna, papieru i farby. Jej prace wycinane osiągają rzeźbiarską obecność, złożone z tych samych materiałów co jej obrazy kolażowe, ale pozbawione wsparcia powierzchniowego. Jak przedstawia Bartlett w tych pracach, rozkładanie rzeczy i ich ponowne składanie można odczytywać zarówno jako działania, które ujawniają, jak i jako działania, które ukrywają.

Ashleigh Bartlett - Surprise Wink, 2017, płótno, papier i akryl na płótnie (Lewo) oraz Snaggle, olej na panelu, 2011 (Prawo), © Ashleigh Bartlett

Pello Irazu

Artysta multidyscyplinarny Pello Artist urodził się w 1963 roku na terytorium Basków w Andoain, Gipuzkoa. Jego prace są na czołowej pozycji w współczesnym badaniu estetycznym tego, jak obiekty negocjują z przestrzenią. Jego instalacje często zawierają murale malowane bezpośrednio na ścianach przestrzeni wystawowej. Te murale prowadzą formalną rozmowę z jego skonstruowanymi obiektami, demonstrując, w jaki sposób kolory, linie i kształty przekształcają się w formy. Kluczowym zainteresowaniem Irazu jest trwająca dyskusja na temat tego, jak widzowie wchodzą w interakcję z obiektami estetycznymi oraz jak postrzegają swoją relację z przestrzeniami, które te obiekty zamieszkują.

Pello Irazu - Noli me tangere (mistrust) [Noli me tangere (la desconfianza)], 2009, Odlewane i spawane elementy aluminiowe oraz śruby (po lewej), i Room Under, 1995, Sklejka, farba winylowa, taśma klejąca oraz sitodruk na lustrze (po prawej) oba z kolekcji artysty, © VEGAP, Bilbao, 2017

Ramin Shirdel

Irański artysta Ramin Shirdel czerpie ze swojego doświadczenia w architekturze, aby tworzyć architektoniczne, optycznie olśniewające dzieła sztuki. Jego rzeźbiarskie obrazy reagują na zmieniające się warunki oświetleniowe, rzucając cienie, które zmieniają postrzeganie ich iluzorycznych form. Ukryte w dziełach są poetyckie słowa w języku perskim o znaczeniach takich jak miłość, prawda, uścisk, fala i arcydzieło. Konkretne, formalne cechy tych dzieł oferują coś estetycznie obiektywnego, podczas gdy efemeryczny stan obrazu podkreśla subiektywne znaczenia przekazywane przez słowa.

Ramin Shirdel - Aroos (Panna Młoda), 2013, Mieszana technika na drewnianej desce, © Ramin Shirdel

Ciesz się swoimi przyjaciółmi

Dla wszystkich praktycznych celów medium artystki z Brooklynu, Afruz Amighi, jest metal. Tworzy skomplikowane, delikatne struktury, które przypominają wieże katedr, szczyty minaretów lub punkty na czubku korony. Ale jej ukrytym medium jest światło. Gdy jej dzieła są oświetlane, ożywają, przyciągając wzrok do efemerycznych błysków na ich powierzchni, jednocześnie rzucając dramatyczne, złożone sieci cieni na otaczające powierzchnie. Praca poetycko mówi o tym, co staje się widoczne, a co pozostaje ukryte, gdy wszystko jest oświetlone.

Afruz Amighi - Mangata, 2016, widok instalacji, metal, łańcuch, światło, © Afruz Amighi

Plac Artiego

Artysta z Nowego Jorku, Artie Vierkant, nadaje estetyczny głos ideom autorstwa i kontroli. Jego trwająca seria zatytułowana Obiekty Obrazowe polega na tym, że artysta pobiera obrazy z Internetu, zmienia je w Photoshopie, a następnie wykorzystuje jako elementy powierzchniowe do abstrakcyjnych obiektów, które konstruuje. Trudno jednak znaleźć fotografie jego ukończonych obiektów obrazowych w Internecie, ponieważ Vierkant również zmienia swoje zdjęcia wystawowe w Photoshopie, nazywając te zdjęcia nowymi dziełami same w sobie. Kto jest właścicielem oryginalnych obrazów źródłowych, a tym samym może rościć sobie prawo do jego zmienionych obiektów obrazowych lub zdjęć wystawowych, zależy od tego, jak postrzega się własność intelektualną. Punkt, który wydaje się również podnosić Vierkant, to że jedyną prawdą dzieła jest jego fizyczna obecność: oglądanie zdjęć sztuki w Internecie nie jest tym samym, co zobaczenie sztuki osobiście. Oprócz swoich Obiektów Obrazowych, Vierkant zaczął również pracować z nasionami Monsanto zmielonymi na proszek jako medium artystycznym. Ale jedno pytanie, które to, a tak naprawdę całe jego dzieło, stawia, to jaką wagę widzowie powinni przywiązywać do tła materiałów źródłowych użytych w dziele sztuki. Czy to ma jakiekolwiek znaczenie? Czy tylko estetyczna obecność samego obiektu sztuki jest jedyną ważną rzeczą? Czy quasi-filozoficzne rozmowy mają coś wspólnego ze sztuką? Czy są częścią sztuki? Vierkant stara się jak najlepiej postawić te pytania w estetycznie interesujący sposób.

Artie Vierkant - Widok instalacji w Photoshopie (po lewej), oraz Konstrukty ekspresji roślin 2, Soja MON89788, TO, Eksploatacja (po prawej), © Artie Vierkant

MadC

Była nastoletnia artystka graffiti Claudia Walde, znana również jako MadC, zmienia sposób, w jaki świat sztuki współczesnej współdziała z artystami ulicznymi. MadC posiada dwa dyplomy z zakresu projektowania graficznego i jest autorką licznych książek. Jest również światowej sławy muralistką, w dziedzinie której rozwinęła wyraźną i wizualnie oszałamiającą estetykę. Niedawno zaczęła rozwijać swój język wizualny w formę, która przekształca się w formalne, wewnętrzne przestrzenie wystawowe. Stworzyła oszałamiające instalacje i zorganizowała wystawy swoich obrazów, stworzonych z przezroczystych warstw farby w sprayu, które pozwalają na prześwitywanie warstw znajdujących się poniżej. Przetłumaczyła nawet swoje prace na obiekty modowe, takie jak buty.

MadC - Dom słodki dom, 2016, instalacja, © MadC

Obraz wyróżniony: Iva Gueorguieva - Desert Willow, 2016, akryl, olej i kolaż na papierze zamontowanym na płótnie, zdjęcia: Ameringer McEnery Yohe, Nowy Jork
Autor: Phillip Barcio