Młodzi artyści abstrakcyjni, na których warto zwrócić uwagę

Jako wstęp do tych sylwetek dziesięciu wschodzących artystów abstrakcyjnych, których uważamy za godnych uwagi, mój redaktor poprosił mnie o krótki komentarz na temat stanu współczesnej sztuki abstrakcyjnej. To pozornie proste zadanie zaprzątało moje myśli przez kilka dni. Piszę o sztuce współczesnej od dziewięciu lat, a szczególnie skupiam się na sztuce abstrakcyjnej od ponad półtora roku. Jednak gdy poproszono mnie o ocenę jej stanu, nie byłem pewien, co dokładnie powiedzieć. Żyjemy w czasach ogromnego niepokoju dla każdego, kto śledzi wydarzenia na świecie. A artyści żyją w tym samym świecie co wszyscy inni, więc nic dziwnego, że są równie dotknięci tym niepokojem. Wiele sił usiłuje kształtować przyszłość naszej planety, a często wydaje się, że niewielu z tych, którzy mają władzę, by rzeczywiście coś zmienić, zgadza się co do kierunku, w jakim powinna podążać cywilizacja. Jednak moim zdaniem artyści abstrakcyjni mają wyjątkową pozycję, by wpływać na naszą drogę. Są naszymi wizualnymi poetami. Ich dzieła mogą przekraczać bariery języka, kultury, narodowości, płci, rasy i ekonomii. Zgadzam się z artystami takimi jak Marcel Duchamp, którzy uważają, że widzowie dopełniają dzieła sztuki, doświadczając ich. Artyści odpowiadają za tworzenie estetycznych propozycji, ale to my decydujemy, co się dalej wydarzy. Możemy wybrać otwartość na nowe sposoby widzenia. Możemy wybrać, co ma znaczenie i jakie to znaczenie będzie miało. Aby prowadzić nas tą drogą, współcześni artyści abstrakcyjni mają do dyspozycji te same narzędzia co współcześni naukowcy, żołnierze, potentaci i politycy. To, co zrobią z tymi narzędziami, jest pytaniem, z którym mierzą się każdego dnia. Mam ciągłą nadzieję, że mnie zaskoczą. Dziesięciu artystów abstrakcyjnych, na których dziś się skupiamy, pracuje w różnych mediach i formatach oraz tworzy dzieła z wielu różnych powodów. Ich różnorodność odzwierciedla niezliczone różne ścieżki, które każdy z nas w tym współczesnym świecie może wybrać. Moim skromnym zdaniem są dowodem na to, że stan sztuki abstrakcyjnej dziś jest tak żywy jak nigdy dotąd i tak zdolny jak zawsze do tworzenia dzieł znaczących, ważnych, wpływowych i nieoczekiwanych.

Iva Gueorguieva

Urodzona w Sofii w Bułgarii w 1974 roku, Iva Gueorguieva uzyskała tytuł magistra sztuki na Tyler School of Art w Filadelfii, a obecnie mieszka i pracuje w Los Angeles w Kalifornii. Jej estetyczna wizja szczególnie pasuje do środowiska miejskiego. Polega na łączeniu rozmaitych elementów, które razem tworzą nową całość. Gueorguieva pracuje w różnych mediach, ale skupia się głównie na malarstwie i rzeźbie. Jej obrazy łączą elementy kolażu z bezpośrednią malarską interwencją, tworząc obrazy, które przekazują złożoność, ruch i sporą dawkę chaosu. Choć zasadniczo płaskie, wydają się przestrzenne i zachęcają widza do zanurzenia się w przestrzeni obrazowej. Podobnie jak jej obrazy, rzeźby są złożone z wielu różnych materiałów. Do ich tworzenia Gueorguieva łączy elementy swojego fizycznego otoczenia, takie jak beton, metal, papier, plastik i farba, dzięki czemu dzieło posiada poczucie miejsca swojego powstania. Abstrakcyjne formy, które powstają, silnie rezonują z każdym, kto zna wizualny język współczesnego miejskiego środowiska.

Iva Gueorguieva - Strata, 2015, pastel olejny na płótnie, © Sofia Contemporary i Iva Gueorguieva (po lewej) oraz Vanished Animal 5, 2015, litografia, soapground, softground, hardground, suchoryt, spitbite akwaforta, waterbite akwaforta, open bite na tkaninie z ręcznym malowaniem, farba w sprayu i pastel olejny na spawanej stalowej ramie z panelami stalowymi, prętami zbrojeniowymi, betonem i gliną epoksydową, zdjęcie dzięki uprzejmości ACME Los Angeles, © Iva Gueorguieva (po prawej)

Holton Rower

Dzieła Holtona Rowera, urodzonego w Nowym Jorku, powstają w procesie stopniowego gromadzenia. Jak warstwy skał osadowych układane przez czas, Rower metodycznie wylewa jednobarwne warstwy farby na powierzchnię, pozwalając każdej z nich związać się, zanim nałoży kolejną. W końcu, podobnie jak góry, warstwy gromadzą się w znaczne masy. Następnie za pomocą ostrza Rower wykonuje zadanie żywiołów, rzeźbiąc ostateczną formę. Niezależnie od tego, czy są prezentowane na ścianie, czy na podłodze, te obiekty są z natury rzeźbiarskie i niepodważalnie malarskie. Są zarówno przemysłowe, jak i efektem ciężkiej pracy fizycznej. To formalne obiekty koloru, kształtu, formy i faktury, a także poetyckie wypowiedzi o człowieczeństwie i jego ciągłej ingerencji w naturę. (A tak na marginesie, choć nie ma to znaczenia dla siły i obecności jego niezwykłej sztuki, Rower jest wnukiem Alexandra Caldera.)

Holton Rower - Widok instalacji na VENUS LA: The Idea is More Erotic Than the Act, 2016, farba na płycie wiórowej (po lewej), Victimless Crime Wave Reference, 2016, farba na płycie wiórowej (w środku), I Pray It Gives You Hope, 2016, farba na płycie wiórowej (po prawej), © Holton Rower

Hannah Whitaker

Podobnie jak kubiści z początku XX wieku, pochodząca z Waszyngtonu fotografka Hannah Whitaker odkryła ekscytujące estetyczne drogi do czwartego wymiaru. Brzmi niewiarygodnie, ale jej fotografie powstają w stary, tradycyjny sposób: tylko za pomocą aparatu. Poprzez strategiczne kontrolowanie, która część negatywu zostaje naświetlona, tworzy obrazy kawałek po kawałku, czasem poświęcając kilka dni na pełne naświetlenie jednego negatywu. Powstałe obrazy uchwytują rzeczywistość taką, jaka rozgrywała się w czasie i przestrzeni. Łącząc tę czterowymiarową dynamikę z formalnymi abstrakcyjnymi obrazami, Whitaker stworzyła unikalną propozycję estetyczną, która posuwa fotografię do przodu, jednocześnie podkreślając ponadczasową wartość jej podstaw.

Hannah Whitaker - Barcroft Branches, 2014, archiwalny wydruk pigmentowy (po lewej), oraz Broadside 1, 2014, archiwalny wydruk pigmentowy (po prawej), © Hannah Whitaker

Ben Parker

Artysta abstrakcyjny origami Ben Parker skupia się na aktach odkrywania i eksperymentowania. Dla niektórych ekscytacja starożytną sztuką origami polega na możliwości zobaczenia, jak z misternych zagięć pojedynczej kartki papieru wyłania się postać zwierzęcia, rośliny lub budynku. Dla innych ekscytacja origami tkwi w jego potencjale do odkryć naukowych, ponieważ wydaje się wyrażać same podstawy fizycznego wszechświata. Dla Parkera jednak ekscytacja polega na odkrywaniu, jak wykorzystać geometryczne techniki składania origami do wywołania abstrakcyjnych form. Jego złożone kompozycje tworzą przestrzeń, jednocześnie ją zajmując. Są zarówno solidne, jak i eteryczne. Powstają jakby z niczego, a ich znaczenie jest niepewne. Ich piękno jest niezaprzeczalne; dla wielu widzów są też niezaprzeczalnie głębokie.

Ben Parker - Breached Containment, 2016, pojedyncza kartka papieru, © Ben Parker

Ashleigh Bartlett

Prace urodzonej w Calgary artystki Ashleigh Bartlett opierają się na aktach odłączenia i budowy. Jej kolażowe obrazy eksplorują abstrakcyjne kompozycje koloru i formy, zbudowane z warstw płótna, papieru i farby. Jej prace wycinane osiągają rzeźbiarską obecność, złożone z tych samych materiałów co jej kolaże, ale pozbawione podłoża powierzchniowego. Jak przedstawia Bartlett w tych dziełach, rozkładanie i ponowne składanie rzeczy można odczytać zarówno jako działania odsłaniające, jak i ukrywające.

Ashleigh Bartlett - Surprise Wink, 2017, płótno, papier i akryl na płótnie (po lewej) oraz Snaggle, olej na panelu, 2011 (po prawej), © Ashleigh Bartlett

Pello Irazu

Wszechstronny artysta Pello Irazu urodził się w 1963 roku na terenie Baskonii w Andoain, Gipuzkoa. Jego prace są na czele współczesnych badań estetycznych nad tym, jak obiekty negocjują przestrzeń. Jego instalacje często zawierają murale malowane bezpośrednio na ścianach przestrzeni wystawienniczej. Te murale prowadzą formalny dialog z jego skonstruowanymi obiektami, pokazując, jak kolory, linie i kształty przemieniają się w formy. Kluczowym zainteresowaniem Irazu jest ciągła dyskusja o tym, jak widzowie wchodzą w interakcję z obiektami estetycznymi i jak postrzegają swój związek z przestrzeniami, które te obiekty zajmują.

Pello Irazu - Noli me tangere (nieufność) [Noli me tangere (la desconfianza)], 2009, odlewane i spawane elementy aluminiowe oraz śruby (po lewej), oraz Room Under, 1995, sklejka, farba winylowa, taśma klejąca i sitodruk na lustrze (po prawej), oba z kolekcji artysty, © VEGAP, Bilbao, 2017

Ramin Shirdel

Irański artysta Ramin Shirdel czerpie z wykształcenia architektonicznego, tworząc architektoniczne, optycznie oszałamiające dzieła sztuki. Jego rzeźbiarskie obrazy reagują na zmieniające się warunki oświetleniowe, rzucając cienie, które zmieniają percepcję ich iluzorycznych form. Ukryte w pracach są poetyckie słowa w języku perskim o znaczeniach takich jak miłość, prawda, objęcie, fala i arcydzieło. Konkretne, formalne cechy dzieł oferują coś estetycznie obiektywnego, podczas gdy efemeryczny stan obrazu podkreśla subiektywne znaczenia przekazywane przez słowa.

Ramin Shirdel - Aroos (Panna młoda), 2013, technika mieszana na drewnianej desce, © Ramin Shirdel

Afruz Amighi

W praktyce medium artystki z Brooklynu, Afruz Amighi, jest metal. Tworzy misternie wykonane, delikatne konstrukcje przypominające iglice katedr, szczyty minaretów lub wierzchołki korony. Jednak jej ukrytym medium jest światło. Gdy jej dzieła pada światło, ożywają, przyciągając wzrok ulotnym blaskiem na powierzchniach, jednocześnie rzucając dramatyczne, złożone sieci cieni na otaczające powierzchnie. Prace mówią poetycko o tym, co staje się widoczne, a co pozostaje ukryte, gdy wszystko jest oświetlone.

Afruz Amighi - Mangata, 2016, widok instalacji, metal, łańcuch, światło, © Afruz Amighi

Artie Vierkant

Nowojorski artysta Artie Vierkant nadaje estetyczny głos ideom autorstwa i kontroli. Jego trwająca seria zatytułowana Image Objects polega na pobieraniu przez artystę obrazów z Internetu, ich modyfikowaniu w Photoshopie, a następnie używaniu ich jako elementów powierzchni abstrakcyjnych obiektów, które konstruuje. Trudno jednak znaleźć zdjęcia jego gotowych obiektów w sieci, ponieważ Vierkant również modyfikuje zdjęcia z wystaw w Photoshopie, nazywając te obrazy nowymi dziełami samymi w sobie. Kto jest właścicielem oryginalnych obrazów źródłowych, a tym samym może rościć prawa do jego zmodyfikowanych obiektów lub zdjęć wystawowych, zależy od interpretacji własności intelektualnej. Vierkant zdaje się również sugerować, że jedyną prawdą dzieła jest jego fizyczna obecność: oglądanie zdjęć sztuki w sieci nie jest tym samym co oglądanie sztuki na żywo. Oprócz Image Objects, Vierkant zaczął także pracować z rozdrobnionymi nasionami Monsanto jako medium artystycznym. Jednak pytanie, które stawia to i właściwie całe jego dzieło, brzmi: jak dużą wagę widzowie powinni przywiązywać do historii źródłowych materiałów użytych w dziele sztuki? Czy to w ogóle ma znaczenie? A może jedyną ważną rzeczą jest estetyczna obecność samego obiektu sztuki? Czy quasi-filozoficzne rozmowy mają coś wspólnego ze sztuką? Czy są jej częścią? Vierkant stara się postawić te pytania w estetycznie interesujący sposób.

Artie Vierkant - Widok instalacji po obróbce w Photoshopie (po lewej) oraz Plant expression constructs 2, soja MON89788, TO, Exploit (po prawej), © Artie Vierkant

MadC

Była nastoletnia artystka graffiti Claudia Walde, znana jako MadC, zmienia sposób, w jaki świat sztuki wysokiej współpracuje z artystami ulicznymi. MadC ma dwa dyplomy z grafiki i jest autorką licznych książek. Jest również światowej sławy muralistką, w dziedzinie, w której wypracowała wyraźną i wizualnie oszałamiającą pozycję estetyczną. Niedawno zaczęła rozwijać swój język wizualny w formę, która przekłada się na formalne, wnętrzarskie przestrzenie wystawiennicze. Stworzyła oszałamiające instalacje i zorganizowała wystawy swoich płócien, wykonanych z przezroczystych warstw farby w sprayu, które pozwalają prześwitywać warstwom spodnim. Przeniosła nawet swoje prace na obiekty modowe, takie jak buty.

MadC - Home Sweet Home, 2016, instalacja, © MadC

Zdjęcie główne: Iva Gueorguieva - Desert Willow, 2016, akryl, olej i kolaż na papierze zamontowanym na płótnie, zdjęcie dzięki uprzejmości Ameringer McEnery Yohe, Nowy Jork
Autor: Phillip Barcio