Alberto Burri e a Transformação dos Materiais

Se dizemos que uma obra de arte tem significado, isso implica que acreditamos que o significado existe. Mas se o significado existe, a própria vida não deveria ser a coisa mais significativa? Afinal, é somente porque estamos vivos que podemos desfrutar de refletir sobre o significado de outras coisas. Alberto Burri tornou-se artista durante um período de paradoxo em relação ao significado. Ele começou a pintar como prisioneiro de guerra durante a Segunda Guerra Mundial. Antes da guerra, ele havia sido médico e serviu na linha de frente da infantaria italiana, tendo testemunhado em primeira mão a conclusão a que a civilização aparentemente chegou sobre o aparente vazio de sentido da vida humana. No entanto, ao mesmo tempo, artistas na Europa e América mergulhavam de cabeça em modos de expressão que eram inteiramente sobre significado pessoal: significado inconsciente, significado psicológico, significado oculto e significado universal. De alguma forma, a sociedade sustentava dois pensamentos opostos: que um ser vivo pode ter tão pouco significado que pode ser desperdiçado na guerra, e que um objeto inanimado pode possuir tanto significado que se torna inestimável. O trabalho de Burri, ao menos em parte, aborda seus sentimentos sobre o que deveria e o que realmente tem significado. Ao considerá-lo de perto, talvez possamos chegar a algumas das descobertas desse artista singular; verdades que podem ampliar nossa compreensão da arte abstrata e de nós mesmos.

As Raízes de Alberto Burri

De certa forma, sem a guerra talvez Alberto Burri não tivesse se tornado artista. Ele teria se tornado médico rural. Burri nasceu em uma pequena cidade na Úmbria, Itália, em 1915, filho de um pai que vendia vinho e de uma mãe que era professora. O campo de sua terra natal é idílico. Sua paisagem serviria eventualmente como tema para muitas das primeiras pinturas de Burri, aquelas que ele aprendeu a fazer sozinho como prisioneiro de guerra americano no Texas. Em 1940, Burri formou-se em medicina. Ele havia acabado de começar a exercer a profissão quando, naquele mesmo ano, a Itália entrou na Segunda Guerra Mundial. Burri foi convocado para a infantaria. Por quase três anos, lutou como soldado na linha de frente na África do Norte, também servindo como médico de campo.

Quando a unidade de Burri foi capturada, ele foi enviado para um campo de prisioneiros de guerra em Hereford, Texas. Lá, Burri não pôde exercer a medicina. Assim, como muitos outros prisioneiros, ele começou a pintar para passar o tempo. Sem telas adequadas, pintava em sacos de estopa. Pintava paisagens idílicas do que via no Texas e do que havia visto antes na vida, na Úmbria. Após a guerra, ao ser repatriado para a Itália, Burri abandonou a medicina para sempre, dedicando-se completamente à arte. Mas ele levou sua estética para uma direção muito diferente. Reduziu sua linguagem visual, criando imagens inteiramente abstratas. Continuou usando estopa, que estava em excesso na Itália do pós-guerra, e também incorporou quaisquer outros materiais, meios e ferramentas baratos e facilmente disponíveis. Sua paleta e suas imagens lembravam a paisagem destruída de seu país natal e a textura e aparência de tanto que havia sido desperdiçado.

Alberto Burri - Bianco, óleo, colagem de tecido, areia, cola e estopa sobre tela, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York/SIAE, Roma

A Pressa pelo Significado

O fato de o estilo recém-abstrato de Burri incorporar cores, texturas, materiais e formas que lembram destruição e carnificina parece um convite para que os espectadores assumam que ele estava fazendo obras sobre suas experiências como médico e soldado. Mas Burri afirmou ao longo de sua carreira que não havia tal significado em suas escolhas, e que não havia significado algum em suas imagens. Em 1994, ele disse em referência a toda sua obra: “Forma e Espaço! O fim. Não há mais nada.”

Talvez nessa declaração resida a verdade mais profunda que Burri descobriu sobre significado e existência. A única universalidade compartilhada por todas as coisas, incluindo humanos, pinturas, animais e bombas, é que tudo é apenas matéria assumindo diferentes formas no espaço. Na filosofia, o Realismo Material prioriza o mundo físico sobre o mundo consciente. Às vezes, ateus usam o termo para negar a existência de um reino espiritual. Às vezes, cientistas o usam para separar observações objetivas de suas reações pessoais a essas mesmas observações. Se devemos acreditar no que o próprio Alberto Burri diz sobre sua obra (e por que não deveríamos?), sua arte exemplifica o Realismo Material. Ela explora a realidade das propriedades formais e físicas de seus materiais, e nada mais.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, tinta acrílica e saco de juta sobre tela, 1954 (Esquerda) / Sacco 5 P, tecido sobre tela, estopa e costura manual, 1953 (Direita). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York/SIAE, Roma

As Realidades Materiais de Burri

Em termos das qualidades formais de sua obra, Burri foi um inovador extremamente criativo. Ele foi pioneiro em uma série de técnicas para criar seu trabalho, e incorporou uma gama igualmente diversa de materiais para destacar o impacto dessas técnicas. Tomando emprestado o conceito de colagem, suas imagens assumiam uma aparência em camadas que borrava a linha entre pintura, relevo e escultura. Suas primeiras obras eram misturas de tinta e tecido em camadas, que ele costurava e unia. Depois, acrescentou dimensionalidade cortando, rasgando e fazendo furos em suas superfícies. Usou fogo para queimar elementos de madeira de suas obras, usando o processo de carbonização para criar suas formas. Usou calor para derreter plástico, adicionando uma dimensão e textura estranhamente orgânicas às suas composições.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York/SIAE, Roma

Para reiterar a natureza formalista de sua arte, em vez de dar nomes poéticos às suas obras, ele simplesmente as intitulava de acordo com sua natureza física, usando as palavras italianas para sua cor, material ou técnica usada. As obras feitas com piche ele chamava de Catrami, as obras de plástico derretido eram Plastichi, as obras em madeira eram chamadas de Legni. Chamava suas obras em estopa de Sacchi, a palavra italiana para sacos. As obras feitas com fogo eram chamadas de Cumbustiono, e suas obras icônicas com protuberâncias, feitas ao inserir objetos estranhos por trás das superfícies, ele nomeou Gobbi, a palavra italiana para corcundas.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York/SIAE, Roma

A Grande Fissura

Uma das conquistas mais icônicas da carreira de Burri veio na forma de uma estética que ele pioneirou e chamou de Cretto, uma palavra do dialeto toscano que significa fissura. Para alcançar o Cretto, ele exagerou os processos que levam à aparência natural de finas fissuras capilares em vários meios de pintura à medida que envelhecem, um efeito conhecido como craquelado. Esse efeito normalmente é considerado prejudicial a uma pintura. Por exemplo, a pintura seminal de Kazimir Malevich, Quadrado Negro, que antes era uma forma preta sólida, envelheceu tão mal que agora se assemelha a uma das pinturas Cretto de Burri.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinil sobre cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York/SIAE, Roma

Ao apropriar-se de um processo normalmente atribuído à decadência, transformando-o em um processo de criação, Burri expressa novamente uma dicotomia essencial sobre o significado das coisas. Ele cria por meio do ato de destruição. Encontra beleza na decadência. A manifestação máxima dessa expressão veio em 1985, quando Burri a usou para criar sua obra mais monumental, Il Grande Cretto. Uma das maiores obras conhecidas de arte na paisagem, Il Grande Cretto foi construída sobre o antigo local de uma cidade aniquilada, a cidade de Gibellina, na Sicília, destruída por um terremoto em 1968. Il Grande Cretto repousa sobre suas ruínas, um enorme conjunto de formas e fendas de pedra medindo aproximadamente 120.000 metros quadrados.

Kazimir Malevich - Quadrado Negro, 1915, 80 cm x 80 cm, © Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Um Legado de Inovação

Burri não foi o único artista inspirado a adotar esse tipo de estética após a Segunda Guerra Mundial. Na década de 1960, tantos artistas usavam materiais descartados e aparentemente sem valor em suas obras que o termo Arte Povera, ou arte pobre, foi cunhado para se referir ao seu estilo. E o termo Art Informel foi criado para designar as telas selvagens e expressivas que os pintores faziam por intuição e ação emotiva. Embora a estética de Burri o tenha associado tanto à Arte Povera quanto ao Art Informel, ele teve uma razão muito diferente para abraçar essa estética do que os outros que vieram depois dele.

Arte Povera foi uma reação a algo que acontecia na arte; foi um retorno a uma estética proletária. Art Informel foi um abraço à expressão pessoal e ao poder de criar obras que expressassem algo profundo e oculto dentro da obra. O que Burri fez não foi uma reação contra algo. E nenhum significado estava oculto em sua obra. Ele disse: “As palavras não significam nada para mim; elas falam ao redor da imagem. O que tenho a expressar aparece na imagem.” Essa abordagem única e confiante a um exame completamente formal dos materiais, forma e espaço deixou um exemplo que afirmou algo esperançoso: Pinturas são apenas pinturas. É o artista que determina seu significado e, portanto, o artista – o indivíduo vivo, respirante e criativo – é quem deve ser valorizado.

Imagem em destaque: Alberto Burri - Ferro, 1954, créditos da foto Museu Guggenheim
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio