Alberto Burri e a Transformação dos Materiais

Se dizemos que uma obra de arte tem significado, isso implica que acreditamos que o significado existe. Mas se o significado existe, a vida em si não deveria ser a coisa mais significativa? Afinal, é somente porque estamos vivos que podemos desfrutar de ponderar sobre o significado de outras coisas. Alberto Burri tornou-se um artista durante um período de paradoxo em relação ao significado. Ele começou a pintar como prisioneiro de guerra durante a Segunda Guerra Mundial. Ele havia sido médico antes da guerra e serviu na linha de frente da infantaria italiana, e, como tal, testemunhou em primeira mão a conclusão à qual a civilização evidentemente chegou em relação à aparente falta de significado da vida humana. No entanto, ao mesmo tempo, artistas na Europa e na América estavam se lançando de cabeça em modos de expressão que eram inteiramente sobre significado pessoal: significado inconsciente, significado psicológico, significado oculto e significado universal. De alguma forma, a sociedade estava segurando dois pensamentos opostos: que um ser vivo pode ter tão pouco significado que pode ser desperdiçado na guerra, e que um objeto inanimado pode possuir tanto significado que pode se tornar inestimável. O trabalho de Burri, pelo menos em parte, aborda seus sentimentos sobre o que deve e o que realmente tem significado. Ao considerá-lo de perto, talvez possamos chegar a algumas das verdades que este artista único descobriu; verdades que podem aumentar nossa compreensão da arte abstrata e de nós mesmos.

Raízes de Alberto Burri

De certa forma, sem a guerra, talvez Alberto Burri não tivesse se tornado um artista. Ele teria se tornado um médico rural em vez disso. Burri nasceu em uma pequena cidade na Umbria, Itália, em 1915, filho de um pai que vendia vinho e de uma mãe que ensinava na escola. O campo de sua casa é idílico. Sua paisagem acabaria servindo como tema para muitas das primeiras pinturas de Burri, aquelas que ele aprendeu a pintar como prisioneiro de guerra americano no Texas. Em 1940, Burri se formou na universidade com um diploma de medicina. Ele havia acabado de começar a praticar como médico quando, mais tarde naquele mesmo ano, a Itália entrou na Segunda Guerra Mundial. Burri foi convocado para a infantaria. Por quase três anos, ele lutou como soldado de linha de frente no Norte da África, também atuando como médico no campo.

Quando a unidade de Burri foi capturada, ele foi enviado para um campo de prisioneiros de guerra em Hereford, Texas. Lá, Burri não pôde praticar medicina. Assim como muitos outros prisioneiros de guerra, ele começou a pintar para passar o tempo. Sem telas adequadas, ele pintou em sacos de juta. Ele pintou paisagens idílicas do que viu no Texas e do que havia visto anteriormente na vida, na Umbria. Após a guerra, ao ser repatriado para a Itália, Burri abandonou a medicina para sempre, entregando-se completamente à sua arte. Mas ele levou sua estética em uma direção muito diferente. Ele reduziu sua linguagem visual, criando imagens que eram totalmente abstratas. Ele continuou usando juta, que estava em excesso na Itália pós-guerra, e também incorporou quaisquer outros materiais, meios e ferramentas que eram baratos e facilmente disponíveis. Sua paleta e suas imagens se assemelhavam à paisagem dilacerada de seu país natal e à textura e aparência de tanto que havia sido desperdiçado.

Alberto Burri - Bianco, oil, fabric collage, sand, glue and burlap on canvas, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

A Corrida para o Significado

O fato de que o estilo recém-abstrato de Burri incorporava cores, texturas, materiais e formas que lembram destruição e carnificina parece ser um convite para que os espectadores assumam que ele estava fazendo obras sobre suas experiências como médico e soldado. Mas Burri afirmou ao longo de sua carreira que não havia tal significado a ser encontrado em suas escolhas, e que não havia significado algum em suas imagens. Em 1994, ele disse em referência a toda a sua obra, “Forma e Espaço! O fim. Não há nada mais.”

Talvez nessa afirmação esteja a verdade mais profunda que Burri descobriu sobre significado e existência. A única universalidade compartilhada por todas as coisas, incluindo humanos, pinturas, animais e bombas, é que tudo é apenas matéria assumindo diferentes formas no espaço. Na filosofia, o Realismo Material prioriza o mundo físico em relação ao mundo consciente. Às vezes, ateus usam o termo em referência à sua negação de um reino espiritual. Às vezes, cientistas o usam para separar observações objetivas de suas reações pessoais a essas mesmas observações. Se devemos acreditar no que Alberto Burri diz sobre seu trabalho (e por que não deveríamos?), sua obra exemplifica o Realismo Material. Ela explora a realidade das propriedades formais e físicas de seus materiais, e nada mais.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, acrylic paint and jute sack on canvas, 1954 (Left) / Sacco 5 P, fabric on canvas, burlap and hand stitching, 1953 (Right). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Realidades Materiais de Burri

Em termos das qualidades formais de sua obra, Burri foi um inovador criativo e selvagem. Ele pioneirou uma gama de técnicas para criar seu trabalho e incorporou uma gama igualmente diversificada de materiais para destacar o impacto dessas técnicas. Tomando emprestado o conceito de colagem, suas imagens adquiriram uma aparência em camadas que borrava a linha entre pintura, relevo e escultura. Suas primeiras obras eram misturas de tinta e tecido em camadas, que ele costurou e uniu. Mais tarde, ele adicionou dimensionalidade cortando, rasgando e fazendo furos em suas superfícies. Ele usou fogo para queimar elementos de madeira de seu trabalho, utilizando o processo de carbonização para criar suas formas. Ele usou calor para derreter plástico, adicionando uma dimensão e textura estranhamente orgânicas às suas composições.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Em um esforço para reiterar a natureza formalista de sua arte, em vez de dar nomes poéticos a suas obras, ele simplesmente as intitulou de acordo com sua natureza física, usando as palavras italianas para sua cor, material ou a técnica que usou para fazê-las. Suas obras feitas com alcatrão ele chamou de Catrami, suas obras de plástico derretido eram Plastichi, suas obras em madeira eram chamadas de Legni. Ele chamou suas obras de juta de Sacchi, a palavra italiana para sacos. As obras que ele fez com fogo eram chamadas de Cumbustiono, e suas icônicas obras salientes, que ele fez inserindo obstruções estrangeiras atrás das superfícies; ele as nomeou Gobbi, a palavra italiana para corcundas.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

A Grande Fenda

Uma das conquistas mais icônicas da carreira de Burri veio na forma de uma estética que ele pioneiramente chamou de Cretto, uma gíria toscana para rachadura. Para alcançar o Cretto, ele exagerou os processos que levaram à aparência natural de finas rachaduras em vários meios de pintura à medida que envelheciam ao longo do tempo, um efeito conhecido como craquelê. O efeito é normalmente considerado algo prejudicial para uma pintura. Por exemplo, a pintura seminal de Kazimir Malevich, Quadrado Negro, que antes era uma forma preta sólida, agora envelheceu de tal forma que se parece com uma das pinturas Cretto de Burri.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl on cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Através da apropriação de um processo normalmente atribuído à decomposição, transformando-o em um processo de criação, Burri expressa novamente uma dicotomia essencial sobre o significado das coisas. Ele cria através do ato de destruição. Ele encontra beleza na decomposição. A manifestação definitiva dessa expressão ocorreu em 1985, quando Burri a utilizou para criar sua obra mais monumental, Il Grande Cretto. Uma das maiores obras conhecidas de arte terrestre, Il Grande Cretto foi construída sobre o antigo local de uma cidade aniquilada, a cidade de Gibellina na Sicília, que foi destruída em um terremoto em 1968. Il Grande Cretto está acima de suas ruínas, uma imensa assembléia de formas de pedra e fendas medindo aproximadamente 120.000 metros quadrados.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915, 80 cm x 80 cm, © State Tretyakov Gallery, Moscow

Um legado de inovação

Burri não foi o único artista inspirado a adotar esse tipo de estética após a Segunda Guerra Mundial. Na década de 1960, tantos artistas estavam usando materiais descartados, aparentemente sem valor, em seu trabalho que o termo Arte Povera, ou arte pobre, foi criado para se referir ao seu estilo. E o termo Art Informel foi criado para se referir às telas selvagens e expressivas que os pintores estavam fazendo por meio da intuição e da ação emotiva. Embora a estética de Burri tenha causado sua associação com Arte Povera e Art Informel, ele teve uma razão muito diferente para abraçar essa estética do que os outros que vieram em seu rastro.

Arte Povera foi uma reação a algo que estava acontecendo na arte; foi um retorno a uma estética proletária. Arte Informel foi uma aceitação da expressão pessoal e do poder de criar obras que eram expressivas de algo profundo e oculto dentro do trabalho. O que Burri fez não foi uma reação contra algo. E nenhum significado estava oculto em seu trabalho. Ele disse: “As palavras não significam nada para mim; elas falam em torno da imagem. O que eu tenho a expressar aparece na imagem.” Essa abordagem única e confiante a um exame completamente formal de materiais, forma e espaço deixou um exemplo que afirmava algo esperançoso: Pinturas são apenas pinturas. É o artista que determina seu significado, e portanto o artista – o indivíduo vivo, respirando e criativo – que deve ser valorizado.

Imagem em destaque: Alberto Burri - Ferro, 1954, créditos da foto Museu Guggenheim
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park