Por trás da Prática Transcendente de Joan Snyder

Joan Snyder conquistou algo que poucos artistas conseguem: ela se tornou um ícone. Geralmente, para ser considerado icônico, um artista deve se concentrar em um único estilo, uma única técnica ou um único método característico. Jackson Pollock é um ícone por causa de suas pinturas de respingos; Georgia O’Keeffe é um ícone por causa de suas pinturas de flores; Mark Rothko é um ícone por causa de suas pinturas de Campo de Cor; Yves Klein é um ícone por causa de seu uso característico do "IKB Blue". A lista poderia continuar indefinidamente. O que torna Snyder um ícone perfeito para o nosso tempo, no entanto, é que ela não é conhecida por uma coisa específica. Ela se esforçou para não fazer nenhum tipo particular de trabalho, ou empregar qualquer método ou técnica específica. Desde que recebeu reconhecimento por seu trabalho no final da década de 1960, ela evoluiu continuamente sua prática. Cada pintura que ela faz adquire uma lógica própria, definida pelo passado apenas na medida em que é informada por ele. Snyder possui uma intuição inerentemente agradável, que pode passar em alguns círculos por sabedoria ou iluminação, mas que na verdade é mais como humildade. Ela abraça o que foi, aceita sua influência sobre o que é e não finge saber o que será. Essa atitude a mantém cautelosamente otimista, apesar do sofrimento que ela enfrentou, e mantém suas pinturas eternamente frescas. Os espectadores nunca poderão antecipar o que Snyder fará a seguir em seu estúdio, porque ela mesma não sabe realmente. Mesmo que ela planeje, esboce e anote ideias furiosamente, ela diz que suas pinturas são na verdade mais como jazz—"elas simplesmente acontecem." Snyder transcende quaisquer tentativas de rotular seu trabalho ao se recusar a limitá-lo. Ela permanece aberta, honesta e livre. Ao contrário da maioria dos outros artistas icônicos, que se tornam enredados por alguma verdade adotada imposta a eles pela história ou pelo mercado, Snyder é um exemplo icônico de uma artista que sabe que só precisa ser verdadeira consigo mesma.

O Primeiro Maximalista

Se há uma palavra com a qual Snyder poderia arriscar ser rotulada, seria o termo “Maximalista.” Nascida em 1940, ela obteve seu Mestrado em Belas Artes em 1966 pela Rutgers University, a poucos quilômetros de onde cresceu em Highland Park, New Jersey. O mundo da arte naquela época flertava com um pequeno número de movimentos distintos: Pop Art, Op Art, a segunda onda de Expressionismo Abstrato, Arte Conceitual, Arte de Performance. Mas, sem dúvida, a tendência emergente mais dominante era o Minimalismo. Artistas como Donald Judd, Sol Le Witt e Frank Stella estavam deslumbrando os olhos e mentes dos entusiastas da arte com suas composições reduzidas e não sentimentais. Para muitos espectadores, curadores e comerciantes, seu trabalho parecia ser o antídoto perfeito para duas décadas de obras carregadas emocionalmente por artistas determinados a expressar cada um de seus sentimentos subconscientes mais íntimos.

Joan Snyder - Podemos transformar nossa raiva em poesia, 1985. Litografia colorida em papel Rives BFK. 30 1/4 × 44 1/4 pol; 76,8 × 112,4 cm. Edição Impressão de prova/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, Nova Iorque. © Joan Snyder

Snyder viu esses Minimalistas e apreciou a estrutura e a confiança de seu trabalho. Mas ela também percebeu que o trabalho deles não tinha nada a ver com ela pessoalmente. Para falar a verdade, ela não achava que nenhum desses outros movimentos tinha algo a ver com ela também. Ela percebia todos esses movimentos artísticos como tendo evoluído a partir de um mercado de arte patriarcal e uma visão distorcida, incompleta e focada no homem da história da arte. Ela não sabia exatamente que tipo de pinturas queria fazer, mas sabia que, seja o que fosse que pintasse, seria fiel a si mesma. As primeiras pinturas que fez após a escola foram explorações pictóricas da linguagem da grade. Em seguida, veio uma série de chamadas pinturas "Stroke", que mapeavam a linguagem visual das pinceladas. Ambas foram tentativas de construir uma sintaxe pessoal com a qual pudesse comunicar narrativas pessoais complexas e em camadas. Enquanto isso, a única coisa em que ela se concentrava acima de tudo era em colocar cada vez mais no trabalho até que dissesse o que ela queria que dissesse. Ela diz: "Minha ideia era ter mais, não menos em uma pintura." Sua abordagem foi chamada de "Maximalismo."

Joan Snyder - Canção de Outono, 2002. Óleo e mídia mista sobre tela. 50 × 96 pol; 127 × 243,8 cm. Alexandre Gallery, Nova York. © Joan Snyder

Um Patrimônio de Luta

Snyder às vezes comparou suas obras a sinfonias. Sem dúvida, a mistura de camadas de impasto, detritos, gotejamentos e formas globulares em pinturas como “Amor Matris” (2015) ou “Sinfonia VII” (2014) pode ser lida como música visual aguardando tradução pelo instrumento agonizado de nossos espíritos. No entanto, essas pinturas também compartilham algo em comum com a literatura épica. Narrativas se desenrolam, impulsionadas pela intensa escuridão e luz das cores e tons. Formas cruas e primordiais se declaram ter caráter e orgulho; sua luta para se tornarem algo mais apresenta um desafio formidável para nossos olhos e mentes. As palavras que Snyder introduz em pinturas como “Pérolas em Pó” (2017)—às vezes escrevendo-as e às vezes arranhando-as no meio—guiam nossos pensamentos e nosso humor. No final, no entanto, as canções que ouvimos ou as histórias que lemos nessas imagens têm mais a ver com nossa própria narrativa interna do que com o que quer que tenha levado Snyder a colocar o pincel na superfície.

Joan Snyder - Pó de Pérolas, 2017. Mídia Mista. Óleo, acrílico, tecido, lápis de cor, pastel, contas e glitter sobre tela. 137,0 × 91,5 cm. 53,9 × 36,0 pol. Franklin Parrasch Gallery. © Joan Snyder

Não importa como escolhemos olhar para as pinturas que Snyder faz, a única coisa inegável que todas têm em comum é seu legado de luta. Snyder lutou consigo mesma para trazê-las à existência—um fato evidenciado por sua imensa complexidade visual e profundidade material. E ainda assim, elas não são evidência do tipo de luta que preferiríamos evitar. Em vez disso, são evidência de uma luta quase alegre. Elas brilham com o tipo de orgulho juvenil que carregamos conosco em qualquer idade sempre que superamos nossa angústia humana natural. É como se, em suas narrativas vagarosas, estivessem tentando nos oferecer soluções difíceis de explicar, mas inegáveis, para problemas que sempre soubemos que temos, mas que, graças a Snyder e seus esforços para ser fiel a si mesma, agora sabemos que temos em comum.

Imagem em destaque: Joan Snyder - Pequena Paisagem Marinha, 2011. Óleo e acrílico sobre linho. 18 × 24 pol; 45,7 × 61 cm. Alexandre Gallery, Nova York. © Joan Snyder
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park