Por trás da Prática Transcendente de Joan Snyder

Joan Snyder realizou algo que poucos artistas conseguem: ela se tornou um ícone. Normalmente, para ser considerada icônica, uma artista deve focar em um único estilo, uma única técnica ou um único método característico. Jackson Pollock é um ícone por suas pinturas respingadas; Georgia O’Keeffe é um ícone por suas pinturas de flores; Mark Rothko é um ícone por suas pinturas do Campo de Cor; Yves Klein é um ícone por seu uso característico do “Azul IKB.” A lista poderia continuar indefinidamente. O que torna Snyder um ícone perfeito para o nosso tempo, no entanto, é que ela não é conhecida por uma coisa específica. Ela fez questão de não se limitar a um tipo particular de obra, nem a um método ou técnica específica. Desde que começou a ser reconhecida no final dos anos 1960, ela tem evoluído continuamente sua prática. Cada pintura que ela faz segue uma lógica própria, definida pelo passado apenas na medida em que é informada por ele. Snyder possui uma intuição inerentemente agradável, que em alguns círculos poderia ser confundida com sabedoria ou iluminação, mas que na verdade é mais como humildade. Ela abraça o que foi, aceita sua influência sobre o que é, e não finge saber o que será. Essa atitude a mantém cautelosamente otimista apesar do sofrimento que enfrentou, e mantém suas pinturas sempre frescas. Os espectadores nunca poderão antecipar o que Snyder fará a seguir em seu estúdio, porque ela mesma não sabe realmente. Embora planeje, esboce e anote ideias com fervor, ela diz que suas pinturas são mais como jazz — “elas simplesmente acontecem.” Snyder transcende qualquer tentativa de rotular seu trabalho ao recusar-se a limitá-lo. Ela permanece aberta, honesta e livre. Diferente da maioria dos outros artistas icônicos, que ficam presos a alguma verdade adotada imposta pela história ou pelo mercado, Snyder é um exemplo icônico de uma artista que sabe que só precisa ser fiel a si mesma.

A Primeira Maximalista

Se há uma palavra com a qual Snyder poderia se arriscar a ser rotulada, seria o termo “Maximalista.” Nascida em 1940, ela obteve seu Mestrado em Belas Artes em 1966 pela Universidade Rutgers, a poucos quilômetros de onde cresceu em Highland Park, Nova Jersey. O mundo da arte naquela época estava flertando com um pequeno número de movimentos distintos: Pop Art, Arte Óptica, a segunda onda do Expressionismo Abstrato, Arte Conceitual, Arte Performática. Mas, sem dúvida, a tendência emergente mais dominante era o Minimalismo. Artistas como Donald Judd, Sol Le Witt e Frank Stella impressionavam os olhos e mentes dos entusiastas da arte com suas composições reduzidas e desprovidas de sentimentalismo. Para muitos espectadores, curadores e comerciantes, suas obras pareciam o antídoto perfeito para duas décadas de trabalhos carregados de emoção por artistas empenhados em expressar cada um de seus sentimentos subconscientes mais profundos.

Joan Snyder - Podemos transformar nossa raiva em poesia, 1985. Litografia colorida em papel Rives BFK. 76,8 × 112,4 cm; 30 1/4 × 44 1/4 pol. Edição Printersproof/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, Nova York. © Joan Snyder

Snyder viu esses Minimalistas e apreciou a estrutura e a confiança de suas obras. Mas também percebeu que o trabalho deles não tinha nada a ver com ela pessoalmente. Aliás, ela não achava que nenhum desses outros movimentos tivesse algo a ver com ela também. Ela percebeu que todos esses movimentos artísticos evoluíram a partir de um mercado de arte patriarcal e de uma visão distorcida, incompleta e centrada no homem da história da arte. Ela não sabia exatamente que tipo de pinturas queria fazer, mas sabia que, fosse o que fosse, seria fiel a si mesma. As primeiras pinturas que fez após a escola foram explorações pictóricas da linguagem da grade. Depois veio uma série de chamadas pinturas “Traço”, que mapeavam a linguagem visual das pinceladas. Ambas foram tentativas de construir uma sintaxe pessoal com a qual pudesse comunicar narrativas pessoais complexas e em camadas. Enquanto isso, o que ela mais focava acima de tudo era colocar cada vez mais na obra até que ela dissesse o que ela queria que dissesse. Ela diz: “Minha ideia toda era ter mais, não menos em uma pintura.” Sua abordagem foi chamada de “Maximalismo.”

Joan Snyder - Autumn Song, 2002. Óleo e técnicas mistas sobre tela. 127 × 243,8 cm; 50 × 96 pol. Alexandre Gallery, Nova York. © Joan Snyder

Uma Herança de Luta

Snyder às vezes comparou suas obras a sinfonias. Sem dúvida, a mistura de camadas de impasto, detritos, pingos e formas globulares em pinturas como “Amor Matris” (2015) ou “Sinfonia VII” (2014) pode ser lida como música visual aguardando tradução pelo instrumento agonizante de nossos espíritos. Ainda assim, essas pinturas também compartilham algo em comum com a literatura épica. Narrativas se desenrolam, impulsionadas pela intensa escuridão e luz das cores e tons. Formas cruas e primordiais declaram ter caráter e orgulho; sua luta para se tornar algo mais apresenta um desafio formidável para nossos olhos e mentes. As palavras que Snyder introduz em pinturas como “Powdered Pearls” (2017) — às vezes escrevendo-as e às vezes arranhando-as no meio — guiam nossos pensamentos e nosso humor. No final, porém, as canções que ouvimos ou as histórias que lemos nessas imagens têm mais a ver com nossa própria narrativa interna do que com o que levou Snyder a colocar o pincel na superfície.

Joan Snyder - Powdered Pearls, 2017. Técnicas mistas. Óleo, acrílico, tecido, lápis de cor, pastel, miçangas e glitter sobre tela. 137,0 × 91,5 cm; 53,9 × 36,0 pol. Franklin Parrasch Gallery. © Joan Snyder

Não importa como escolhemos olhar para as pinturas que Snyder faz, a única coisa inegável que todas têm em comum é sua herança de luta. Snyder lutou consigo mesma para trazê-las à existência — um fato evidenciado por sua imensa complexidade visual e profundidade material. E ainda assim, elas não são evidência do tipo de luta que preferiríamos evitar. Em vez disso, são evidência de uma luta quase alegre. Elas brilham com o tipo de orgulho juvenil que carregamos conosco em qualquer idade sempre que superamos nossa angústia humana natural. É como se, em sua narrativa vagarosa, estivessem tentando nos oferecer soluções difíceis de explicar, mas inegáveis, para problemas que sempre soubemos que temos, mas que graças a Snyder e seus esforços para ser fiel a si mesma, agora sabemos que temos em comum.

Imagem em destaque: Joan Snyder - Small Seascape, 2011. Óleo e acrílico sobre linho. 45,7 × 61 cm; 18 × 24 pol. Alexandre Gallery, Nova York. © Joan Snyder
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio