Brice Marden e o Tratamento Caligráfico da Linha

Além dos pincéis de pintura tradicionais, espalhados sobre uma mesa no estúdio de Brice Marden em Nova York, há dezenas de gravetos. Apenas gravetos comuns retirados dos galhos das árvores, exceto que cada graveto é colorido em uma ponta, resultado de ter sido mergulhado em tinta. Marden desenha com eles, criando símbolos gestuais em colunas e linhas no papel, em composições evocativas de poesia escrita em um pergaminho. Desenhados intuitivamente da imaginação de Marden, os símbolos são parcialmente inspirados pela caligrafia chinesa. Eles também são influenciados por objetos chamados gongshí, também conhecidos como pedras de eruditos chineses. As rochas gongshí são encontradas na natureza, ou melhor, escolhidas da natureza. Elas são valorizadas por suas propriedades físicas abstratas e são usadas por eruditos para fins contemplativos. Muito pode ser aprendido ao estudar suas formas, suas rugas, suas perfurações, seu equilíbrio assimétrico, o brilho de suas superfícies, suas qualidades texturais, suas cores e sua semelhança com coisas naturais. Assim como nas pinturas que Marden faz, as potencialidades dentro do gongshí aguardam para serem descobertas, escondidas à vista em meio às camadas e às linhas.

A Imagem do Avião

Brice Marden ganhou destaque como pintor na década de 1960. Ele recebeu seu MFA da Universidade de Yale em 1963 e se mudou para a cidade de Nova York no mesmo ano. Ele rapidamente recebeu uma oferta de emprego como segurança no Museu Judaico. Lá, ele pôde estudar o trabalho de seus contemporâneos mais realizados. Nessa época, muitos de seus colegas artistas sentiam um mal-estar geral em relação à pintura. Alguns ridicularizavam a antiga tela retangular e experimentavam com telas formadas em formas incomuns. E muitos artistas até proclamavam abertamente que a pintura estava morta.

Mas Marden não poderia discordar mais. Para ele, ainda havia muito o que a pintura poderia fazer. Por volta de 1964, ele começou a concentrar sua atenção no plano da pintura. Expressando de outra forma, o plano refere-se à totalidade da superfície de uma pintura. Qualquer coisa que um pintor adiciona à pintura existe dentro do plano. Grande parte do Modernismo estava focada em achatar o plano o máximo possível, eliminando perspectiva, empurrar e puxar, ou qualquer coisa que adicionasse profundidade à imagem. Para alcançar o epítome desse objetivo, Marden começou a pintar monocromos, que ele considerava a manifestação suprema da planicidade. Ele chamou sua versão do monocromo de Imagem do Plano, porque, como ele disse, “o plano era a imagem”.

Brice Marden - A Pintura Dylan, 1966. Óleo e cera de abelha sobre tela. 153,35 x 306,07 cm. Museu de Arte Moderna de São Francisco (SFMOMA), São Francisco, CA. © Brice Marden

Em Louvor aos Retângulos

Quanto ao desprezo que os pintores da década de 1960 sentiam pelo canvas retangular, Brice Marden não estava, e ainda não está, definitivamente no grupo dos que odeiam. Ele considera o retângulo a forma definitiva para uma pintura. Em uma entrevista com a National Gallery of Art em 2014, ele disse: “O retângulo é uma grande invenção humana. Nos anos 60, havia muita pintura em formas diferentes acontecendo. Mas eu realmente gostava do retângulo. E eu pensei que se você pudesse obter a cor exata para essa forma, e realmente tivesse acertado, se você tivesse a correção absoluta da forma, Deus sabe o que aquela pintura era capaz de fazer.”

Essa ideia, de que uma pintura pode fazer algo, revela em Marden um profundo respeito pela arte em geral, e em particular pela pintura. Durante os anos em que ele estava criando seus monocromos, uma conversa maior estava acontecendo sobre o que a arte era e poderia ser. A ideia popular era que a arte poderia ser qualquer coisa, e que tudo é potencialmente arte. Marden discordou. Ele defendia a arte como um esforço humanístico, insistindo que uma obra de arte deve ser feita por mãos humanas. Ao longo das décadas de 1960 e 70, ele construiu sua reputação defendendo a pintura através de seus ousados monocromos pintados em retângulos sem desculpas. Esse trabalho o tornou famoso, e em 1975 ele foi considerado um dos mestres do Minimalismo, e recebeu uma retrospectiva solo no Guggenheim em Nova York.

Brice Marden - As Estações, 1974-75. Óleo sobre tela. 243,8 x 632,5 cm. A Coleção Menil, Houston, TX. © Brice Marden

O Ocidente encontra o Oriente

Assim como Marden estava alcançando o auge de sua fama na década de 1970, ele também começava a buscar novas direções para sua arte. No início da década de 1980, ele encontrou a inspiração que estava procurando, quando uma série de encontros com a cultura oriental o ajudou a se inspirar em uma nova relação com a imagem pintada. Em particular, ele prestou atenção à caligrafia chinesa, admirando tanto as linhas gestuais dos símbolos individuais quanto a qualidade em grade das colunas e linhas dos dupletos escritos.

Ele começou uma série de pinturas, baseadas na estética caligráfica, chamadas de pinturas da Montanha Fria. Para fazê-las, ele pintou uma camada de símbolos caligráficos intuitivos e abstratos, depois raspou a tinta e pintou outra camada de símbolos, repetindo o processo até que a composição estivesse resolvida. O nome Montanha Fria foi inspirado pelos Poemas da Montanha Fria, uma série de centenas de poemas escritos por um monge chinês hermético chamado Hanshan no século IX. A paleta austera e a aparência caligráfica das pinturas falam da estética dos rolos de poemas, enquanto suas imagens gestuais e em camadas evocam o espírito dos poemas, que abraçavam a liberdade, a natureza e a busca pela harmonia.

Brice Marden - Cold Mountain 6 (Ponte), 1989-1991. Óleo sobre linho. 108 × 144 pol. 274,3 × 365,8 cm. Museu de Arte Moderna de São Francisco (SFMOMA), São Francisco, CA. © Brice Marden

O Acadêmico Rocks

Além da caligrafia, a outra grande influência oriental em Marden foi seu encontro com gongshí, ou pedras de erudito chinesas. Nas pedras, diz-se que o mundo inteiro e toda a vida são visíveis. Nos últimos anos, Marden acumulou uma coleção de pedras de erudito em seu estúdio. Ele explora suas complexidades, seus padrões, suas camadas, suas relações de cor e as harmonias complexas que observa nelas. Essas observações se manifestaram em uma série chamada as pinturas das Rochas Vermelhas.

Nas pinturas Red Rocks, Marden novamente trabalha em camadas, criando formas lineares, raspando-as, pintando por cima e gradualmente acumulando tinta até que a imagem se resolva. As formas finais nessas pinturas parecem se relacionar mais diretamente com as formas naturais evidentes nas pedras. Mas ainda contêm a energia gestual de suas marcas caligráficas, conferindo uma constante sensação de movimento às composições.

Brice Marden - Rocks Laranja, Solo Vermelho 3, 2000-2002. Óleo sobre linho. 75 x 107 pol. © Brice Marden

Está Tudo na Pintura

Além disso, em suas pinturas Red Rock, Marden estende seu uso de linha até as bordas mais distantes da tela, usando a linha como uma forma de contornar a borda da moldura, aumentando a sensação dos limites retangulares da peça. Falando sobre essas obras recentemente, ele observou que sua escolha de usar a linha dessa maneira estava relacionada a questões sobre a natureza das pinturas e como elas estavam sendo interpretadas. Ele disse: “Esta imagem não é um detalhe. Esta imagem é ela mesma. Nada acontece fora dela. É sobre isso que toda essa questão de moldura se trata.”

Essa afirmação, que nada acontece fora da pintura, e que tudo o que é essencial está contido dentro dela, é vital para os temas abrangentes das tradições orientais que inspiraram as obras lineares caligráficas que Marden faz. É uma alternativa à percepção cultural de que os humanos de alguma forma existem fora da natureza e podem operar independentemente dela. A realidade é que os humanos são parte da natureza, não separados dela observando-a de fora. Tudo está na natureza, incluindo nós. Nada acontece fora dela.

Brice Marden - Retorno I, 1964-65. Óleo sobre tela. 50 1/4 x 68 1/4" (127,6 x 173,4 cm). Coleção do MoMA. Doação fracionada e prometida de Kathy e Richard S. Fuld, Jr. © 2019 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Linhas borradas

Ao olhar para as últimas seis décadas de trabalho de Brice Marden, há consistências que permeiam toda a sua obra. Sua paleta é consistentemente suave, e ele tem consistentemente abraçado retângulos, seja diretamente em suas obras monocromáticas em painéis retangulares ou indiretamente em suas composições lineares caligráficas. Mas também houve mudanças profundas, à medida que ele passou de buscar a total planicidade com a Imagem Plana para abraçar um senso de profundidade em camadas em seu trabalho linear.

Para Marden, essas mudanças representam um elemento da pintura que ele aprecia. Cada pintura que ele vê de cada fase de sua carreira é um lembrete de quem ele era naquela época. Poder voltar e encontrar essas obras lhe oferece uma sensação de que ele está enraizado em algo imutável, apesar da mudança constante. Como ele expressou uma vez: “Uma das coisas sobre uma pintura é que ela permanece assim. E você pode voltar a ela. E toda vez que você volta, você é diferente, mas ela é a mesma. É uma coisa estável.”

Imagem em destaque: Brice Marden - Segunda Letra, Primavera Zen (detalhe), 2006 – 2009. Óleo sobre linho. © Brice Marden
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park