Como a 9ª Exposição de Arte da Rua 9 Saiu dos Cânones da Arte de Nova York em 1951

Algumas pessoas dizem que a Exposição de Arte da 9th Street foi um ato radical de interrupção cultural. Outros afirmam que foi um ato de desespero iniciado por um grupo de artistas famintos que não tinham outro lugar para mostrar seu trabalho. Na verdade, pode ter sido um pouco dos dois. Independentemente disso, a exposição é algo lendário. Realizada em 1951 em uma loja abandonada no Lower Manhattan, em um prédio prestes a ser demolido, a mostra contou com o trabalho de cerca de 70 artistas. Quase todos os participantes eram praticamente anônimos na época, tendo sido excluídos pelas galerias, museus e colecionadores que dominavam a cena artística de Nova York. Essa rejeição se devia em grande parte ao fato de que suas obras eram experimentais e tendiam ao abstrato, em contradição com os gostos do mercado americano. Quase todos os artistas da exposição também faziam parte de um círculo social em torno do “The Club”, um coletivo informal de artistas e intelectuais vanguardistas que se reunia regularmente em um prédio na 39 East 8th Street. Uma série de conversas no The Club sobre como fazer a instituição respeitar seu trabalho levou à ideia de que, se conseguissem realizar uma exposição coletiva grande o suficiente e gerar bastante burburinho pela cidade, poderiam romper a névoa crítica e finalmente ter suas obras e ideias julgadas de forma honesta e justa pelo público americano. Com quase nenhum dinheiro entre eles, uniram forças e recursos, e conseguiram montar uma exposição monumental, que não só rendeu a muitos deles reconhecimento crítico, mas que também mudou fundamentalmente o mundo da arte americano.

A Conexão Castelli

Inicialmente, a maior preocupação dos artistas envolvidos na Exposição de Arte da 9th Street era a questão de quem penduraria a mostra. Apesar da camaradagem, esse grupo de artistas tinha alguns dos maiores egos que o mundo já viu. Eram talentosos, brilhantes e ferozmente competitivos, e temiam justamente que favoritismos, política ou corrupção direta causassem que alguns artistas tivessem lugares preferenciais na exposição. O espaço da exposição consistia em um andar térreo e um porão. Quem ficaria no andar de cima e quem ficaria no porão? Quem teria sua obra na vitrine? Essas eram questões vitais. A única pessoa em quem todos os artistas pareciam confiar era um imigrante italiano chamado Leo Castelli, que tinha alguma experiência como negociante de arte na Europa e que também era um dos poucos membros não artistas do The Club.

Castelli aceitou a enorme tarefa de curar a exposição e também cobriu a maior parte das despesas. O aluguel do espaço decadente durante toda a duração da mostra custou apenas 70 dólares. Mas quase todos os envolvidos estavam quebrados, e alguns literalmente passando fome. Castelli pagou a conta, e os artistas fizeram todo o trabalho para reformar o espaço. Franz Kline fez todo o material promocional e desenhou o catálogo. O burburinho gerado pelos preparativos se espalhou por toda Nova York, e quanto mais se aproximava a abertura da exposição, mais contencioso ficava o clima entre os artistas. Relembrando a experiência anos depois, Castelli comentou que, embora todos estivessem entusiasmados com a atenção que a mostra recebeu, quase todos os artistas ficaram insatisfeitos com a forma como suas obras foram apresentadas. Isso significa que Castelli evidentemente fez seu trabalho perfeitamente, já que a melhor medida de uma negociação bem-sucedida é th/blogs/magazine/abstract-expressionist-artists-you-need-to-know

Franz Kline - Cartaz da Exposição de Arte da 9th Street, 1951

Um Elo Vital em uma Corrente Importante

Quando a Exposição de Arte da 9th Street foi inaugurada, havia uma fila na rua de pessoas esperando para entrar. Entre os espectadores estavam algumas das pessoas mais influentes do mundo artístico de Nova York — negociantes, colecionadores e diretores de museus. As obras que viram na mostra foram criadas por artistas que logo se tornariam luminares de importantes novos movimentos artísticos como Expressionismo Abstrato, Abstração Pós-Pictórica, Pop Art, Pintura de Campo de Cor, Abstração de Contorno Nítido e Neoexpressionismo, estilos que ajudaram a definir a arte americana nas décadas de 1950, 60 e 70. Alguns desses artistas receberam tanta atenção favorável que conquistaram representação em grandes galerias como resultado da exposição, e poucos anos depois vários deles enfrentaram novos desafios relacionados à riqueza e fama repentinas. No entanto, o sucesso comercial foi longe de ser o único legado dessa exposição. A verdadeira razão pela qual a Exposição de Arte da 9th Street foi tão importante é por manter uma longa tradição de rebeliões culturais organizadas por artistas.

A história das exposições contrárias organizadas por artistas remonta pelo menos a 1874, quando a “Sociedade Anônima de Pintores” realizou sua primeira exposição de arte impressionista no estúdio fotográfico do artista Nadar. Continuou em 1884, quando o Salon des Artistes Indépendants realizou sua primeira exposição, com a proclamação “sans jury ni récompense”, “sem júri nem prêmio”. A Exposição de Arte da 9th Street continuou essa tradição. E todas essas mostras prepararam o terreno para os coletivos artísticos experimentais e espaços geridos por artistas que definiram a vanguarda do final do século XX, e que continuam sendo uma força de inovação hoje. Talvez vivamos agora em uma época em que o mercado comercial substituiu a censura governamental e os preconceitos intelectuais do passado. Parece que a grande maioria dos artistas hoje é ignorada a menos que possam gerar grandes lucros para negociantes ou vender dezenas de milhares de ingressos para instituições. Mas isso não é motivo para desânimo. É, na verdade, a razão perfeita para olhar para trás e lembrar a lição da Exposição de Arte da 9th Street: que algumas das artes mais vivas, envolventes e energéticas do futuro provavelmente estão escondidas à vista de todos agora, onde menos esperamos.

Imagem em destaque: Franz Kline - Estudo para Ninth Street, 1951. Óleo e lápis sobre cartão. 20 x 25,4 cm. (7,9 x 10 pol.)

Por Phillip Barcio