Robert Delaunay e Sua Abordagem à Cor

O que significa dizer que uma pintura é “realista”? A realidade é um tema controverso. Afinal, é puramente subjetiva. O que alguém considera real baseia-se em uma combinação do que se percebe, do que se entende e do que se pode imaginar. Em 1912, o pintor Robert Delaunay publicou um ensaio na revista alemã Der Sturm intitulado, “Notas Sobre a Construção da Realidade na Pintura Pura.” O ensaio foi uma tentativa de resumir os 60 anos anteriores de pesquisa artística, desde o início do Impressionismo, sobre o tema de como melhor retratar a realidade na arte. Delaunay descreveu o trabalho de seus predecessores como científico e analítico, desmontando a pintura em seus componentes para chegar ao essencial da realidade pintada. Ele escreveu que os artistas deveriam apenas se esforçar para criar o que é belo e que a realidade é a única coisa verdadeiramente bela. Mas realidade, segundo Delaunay, não significava imitação. Pelo contrário, ele supôs que o elemento mais básico e belo da realidade era a cor, pois a natureza, por meio da luz, transmitia a beleza do mundo através da cor aos nossos olhos, e que “são nossos olhos que transmitem as sensações percebidas na natureza à nossa alma.”

A Cor é a Realidade

Uma das coisas que Robert Delaunay gostava de dizer sobre si mesmo é que antes dele os pintores usavam a cor apenas para colorir. Ele acreditava ser o primeiro pintor a usar a cor como um tema em si mesma. Ele deu crédito aos Impressionistas, pois foram eles que identificaram a importância da luz. Mas eles ainda usavam as qualidades da luz apenas para copiar imagens do mundo objetivamente visível. Mas pelo menos reconheceram que uma imagem é composta por muitas partes diferentes, e que é a percepção dessas partes que cria a sensação do que é a realidade. A percepção não acontece na tela, mas no cérebro.

O Pontilhismo foi o primeiro, e mais profundo, estilo de pintura a realmente examinar o fato de que a percepção acontece no cérebro. Também conhecido como Divisionismo, utilizava pequenos blocos de cor colocados lado a lado na tela para transmitir a sensação de uma cor misturada, em vez de misturar as cores antes. O cérebro então combinava as cores para completar a imagem. Essa percepção, de que os olhos e o cérebro podiam completar uma imagem incompleta, tornou-se um princípio fundamental da vanguarda do final do século XIX e início do século XX. Inspirou a pintura futurista, o Cubismo, o Orfismo e inúmeros outros estilos e movimentos desde então.

A Cor como Tema

Robert Delaunay ficou fascinado pelo pensamento divisionista. Isso o inspirou a refletir sobre a relação que as cores têm entre si quando colocadas lado a lado na tela, independentemente da imagem que estavam criando. Ele ampliou os blocos de cor além do que os Pontilhistas haviam feito, criando efeitos visuais muito mais pronunciados e abstratos. Usou essa técnica para fazer uma série de retratos de seu amigo e colega pintor abstrato Jean Metzinger.

Nas pinturas de Metzinger feitas por Delaunay, podemos ver blocos de cor criando profundidade e uma sensação de movimento, além de apenas formar uma imagem. Através de suas pinturas divisionistas, Delaunay percebeu que a cor podia transmitir forma, profundidade, luz e até emoção. Independentemente dos elementos figurativos de uma imagem, a cor podia, por si só, transmitir qualquer verdade ou realidade que o pintor desejasse expressar.

Robert Delaunay Rythme n°1, decoração para o Salão das Tuileries, 1938, óleo sobre tela, 529 x 592 cm, Museu de Arte Moderna da Cidade de Paris

Cor e Plano

Enquanto Delaunay fazia suas próprias descobertas sobre a realidade pintada, os Cubistas, liderados por Pablo Picasso, também experimentavam em um campo semelhante. Eles tentavam transmitir a realidade quadridimensional e a passagem do tempo. Seu método era dividir o mundo em planos espaciais e então usar esses planos para expressar uma multiplicidade de pontos de vista simultâneos sobre um único tema.

Delaunay não se interessava por perspectiva. Ele acreditava que apenas pela cor o movimento, ou qualquer outro fenômeno, poderia ser expresso. Mas Delaunay ficou intrigado pela ideia cubista dos planos espaciais. Ele percebeu que, quando a luz incide sobre os objetos, os vários matizes que aparecem são determinados pela geometria de seus planos espaciais. Como os planos e a geometria têm um efeito tão direto sobre a cor, ele tomou emprestada a linguagem estética do plano quebrado dos Cubistas e a aplicou em suas pinturas, criando uma nova abordagem estética abstrata que era parte divisionista e parte cubista. Ele usou esse estilo de forma mais famosa em uma série de pinturas retratando o que acreditava ser o símbolo máximo da era moderna: a Torre Eiffel.

Robert Delaunay - Torre Eiffel, 1911 (datada pelo artista em 1910). Óleo sobre tela. 79 1/2 x 54 1/2 polegadas (202 x 138,4 cm). Museu Solomon R. Guggenheim, Nova York, Coleção Fundadora Solomon R. Guggenheim, por doação. 37.463

Cor e Contraste

Uma das próximas descobertas de Delaunay teve a ver com o contraste. Ele percebeu que as cores podiam se complementar de uma forma que criava reações emocionais na mente do espectador. Começou a eliminar o tema, a profundidade, a luz e todos os outros fatores, focando puramente no contraste de cores pelo seu próprio valor. Aprendeu que diferentes cores contrastantes criavam diferentes efeitos emocionais. Algumas cores contrastavam de uma forma que parecia leve ou alegre. Outras contrastavam de uma forma que parecia pesada ou melancólica.

Ele também descobriu que algumas cores, quando colocadas lado a lado, criavam uma sensação de movimento. Os espectadores percebiam que elas tremiam, vibravam ou até mudavam de matiz quanto mais tempo olhavam para elas. Delaunay chamou essa sensação de Simultaneidade. Em sua pintura de 1914 Homenagem a Bleriot, usou a teoria da Simultaneidade para transmitir o que acreditava ser o estado essencial da modernidade, o movimento, representado quase inteiramente pela cor e pela forma puramente abstrata.

Robert Delaunay - Homenagem a Bleriot, 1914, óleo sobre tela, 1,94 m x 1,28 m. Kunstmuseum Basel, Basileia, Suíça

O Legado de Robert Delaunay

A história era importante para Delaunay, e segundo quem o conhecia, ele estava bastante consciente de seu lugar nela. Gostava particularmente de apontar quem, ou o que, foi o primeiro. Escreveu que, “As primeiras pinturas foram simplesmente uma linha contornando a sombra de um homem feita pelo sol na superfície da terra.” Elogiou o pintor Seurat, fundador do Pontilhismo, por ter sido o primeiro a mostrar a importância das cores complementares. Mas depois criticou Seurat por sua realização incompleta, afirmando que o Pontilhismo era “apenas uma técnica.” Delaunay afirmou que foi ele mesmo quem primeiro usou a teoria das cores complementares para chegar a uma expressão pura da beleza.

De fato, após ler os escritos de Delaunay sobre cor, fica claro que ele é responsável por muito pensamento original sobre as qualidades formais da pintura. Ele e sua esposa Sonia são creditados com a invenção do Orfismo, um dos estilos abstratos mais influentes surgidos antes da Primeira Guerra Mundial. Mas sem diminuir nada de Delaunay, ter tanta atenção dada à cor levanta uma questão: a cor pode realmente ser a expressão mais pura da realidade na natureza? Pode ser a única forma de transferir a beleza para nossas almas? Deve ser desanimador para uma pessoa cega, ou daltônica, ouvir tais notícias. Talvez o pensamento de Delaunay sobre a cor não tenha sido o fim da história. Talvez o mais importante em seu trabalho seja que ele fez as perguntas que muitos amantes da arte abstrata ainda fazem hoje: O que é realidade? O que é beleza? Qual é a melhor forma de comunicá-las para que se conectem com a alma humana?

Imagem em destaque: Robert Delaunay - Retrato de Jean Metzinger, 1906, óleo sobre tela, 55 x 43 cm. Coleção particular
Por Phillip Barcio