As Pinturas Abstratas de Mulheres Mais Famosas

Há potencialmente muito mais em uma pintura do que o que ela revela aos nossos olhos. Por exemplo, o que ela revela às nossas mentes? Algumas das obras de arte realistas mais famosas são pinturas de mulheres. Mas o que essas famosas pinturas de mulheres comunicam aos espectadores além do que está na superfície? Elas podem comunicar a maestria de seus criadores, mas também comunicam a essência interior de seus sujeitos femininos? Elas podem representar visualmente suas épocas, mas também extrapolam uma compreensão cultural ou histórica de gênero? Elas apenas nos mostram imagens de mulheres em várias situações, ou exploram os significados abrangentes contidos nas realidades femininas situacionais? Pinturas abstratas às vezes têm uma vantagem quando se trata de tais questões, uma vez que incentivam inerentemente os espectadores a buscar além do que está na superfície. Aqui estão dez famosas pinturas abstratas de mulheres que nos ajudaram a aumentar nossa compreensão da feminilidade a partir das várias perspectivas de gênero, história, cultura e estética.

Lee Krasner - Gaea

Você já se perguntou sobre a origem do termo Mãe Natureza? Os antigos gregos acreditavam que o criador do universo era uma entidade feminina chamada Gaea. Ela deu à luz todas as coisas que existem, incluindo todos os outros deuses e deusas e a raça humana. Lee Krasner pintou sua monumental pintura Gaea em 1966. A pintura marca uma evolução importante em seu trabalho, à medida que ela emergiu de um período particularmente difícil em sua vida pessoal. Suas cores explosivas e gestos expressivos incorporam uma mistura complexa de poder, beleza, energia e harmonia. Como uma expressão abstrata da essência feminina original e eterna no universo, ocupa o primeiro lugar entre as pinturas abstratas de mulheres.

Lee Krasner - Gaea, 1966. Óleo sobre tela. 69" x 10' 5 1/2" (175,3 x 318,8 cm). Fundo Kay Sage Tanguy. 212.1977. Coleção MoMA. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Pablo Picasso - Ma Jolie

Ma Jolie traduz-se como Minha Garota Bonita, uma canção francesa popular quando Picasso pintou sua obra cubista de mesmo nome. A frase também era seu apelido para sua amante, Marcelle Humbert. Como uma das primeiras e mais memoráveis expressões do cubismo analítico, esta pintura é famosa por razões que têm pouco a ver com seu assunto. Mas, como uma pintura de uma mulher, ela também é enormemente expressiva. A expressão digna de indiferença na cabeça no canto superior direito; a sensualidade carnuda dos dedos dos pés; as notas musicais e a mão dedilhando o violão; a deslumbrante variedade de perspectivas e fontes de luz; tudo isso fala sobre a mistura de capricho, seriedade, respeito e mistério que definem os sentimentos que Picasso expressou ao longo de sua vida pela alma feminina.

Pablo Picasso - Ma Jolie, 1911. Óleo sobre tela. 39 3/8 x 25 3/4" (100 x 64,5 cm). Adquirido através do Legado Lillie P. Bliss (por troca). 176.1945. © 2019 Espólio de Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Georgia O’Keeffe - Abstração (mulher dormindo)

Georgia O’Keeffe removeu tudo o que considerava desnecessário. Ela buscou imergir os espectadores em uma sensação. Para fazer isso, ela frequentemente criava imagens em grande escala e em close-up, envolvendo os espectadores no espaço pictórico. Esta pintura é uma das várias composições abstratas semelhantes que O’Keeffe fez de uma mulher dormindo. Ela a desenhou a carvão e depois passou um pincel molhado, criando uma eterealidade onírica dentro da moldura. É uma imagem de graça estoica e digna, que fala de algo transitório e delicado, ligado à terra e, no entanto, eterno.

Georgia O Keeffe - Abstração (mulher dormindo), 1916. Carvão e aquarela sobre papel

Kazimir Malevich - Mulher com Baldes: Arranjo Dinâmico

Kazimir Malevich era um verdadeiro crente na abstração. Um ano após pintar esta obra, ele inventou seu estilo icônico, Suprematismo, que se dedicava a uma rejeição do conteúdo em favor de universalidades. Esta pintura de uma mulher não é tanto sobre uma mulher, mas sim sobre as qualidades formais da composição. O que comunica sobre a feminilidade é subjetivo. Mas na intenção do artista encontramos algo democrático e, de fato, universal. O título, Mulher com Balde, fala sobre os papéis de gênero femininos tradicionais na Rússia da classe trabalhadora quando Malevich fez a obra. O fato de ele ter escolhido este tema comunica que ele estava buscando uma maneira utópica de ver o mundo não em termos divisivos como gêneros e classes sociais, mas em termos de comunalidades.

Kazimir Malevich - Mulher com Baldes: Arranjo Dinâmico. 1912-13 (datado no verso 1912). Óleo sobre tela. 31 5/8 x 31 5/8" (80,3 x 80,3 cm). Aquisição confirmada em 1935 em 1999 por acordo com o Espólio de Kazimir Malevich e viabilizada com fundos da Legado de Mrs. John Hay Whitney (por troca). 815.1935. Coleção do MoMA.

Joan Miró - Mulher com Três Cabelos Cercada por Pássaros na Noite

Joan Miró nunca se aprofundou completamente na abstração total. Em vez disso, ele cultivou uma voz estética única, incorporando iconografia primitiva, formas reduzidas e uma paleta de cores vibrante e limitada. Através desse estilo idiossincrático, ele conseguiu comunicar profundidades de maneiras diretas, simples e muitas vezes caprichosas. Ele frequentemente explorou o tema da mulher e das crianças em seu trabalho. Esta imagem abstrata de uma mulher solitária expressa força e equilíbrio silenciosos. É meditativa e sugere uma figura em contemplação das pequenas alegrias do dia a dia. É uma imagem de segurança, solidão e harmonia. Apesar de sua estranheza incomum, evoca alegria.

Joan Miró - Mulher com Três Cabelos Cercada por Pássaros na Noite Palma/ 2 de Setembro de 1972. Óleo sobre tela. 7' 11 7/8" x 66 1/2" (243,5 x 168,9 cm). Doação do artista em homenagem a James Thrall Soby. 116.1973. Coleção MoMA. © 2019 Successió Miró / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque / ADAGP, Paris

Willem de Kooning - Mulher I

Um dos principais expressionistas abstratos, Willem de Kooning se especializou em telas emotivas e enérgicas. Sua técnica era ao mesmo tempo espontânea e extenuante. Ele pintava camadas agressivas e imediatas, depois as raspava, adicionando e eliminando ao longo do tempo. Suas muitas pinturas de mulheres foram interpretadas como grotescas ou raivosas, e até mesmo misóginas. Mas ele negou tais associações, preferindo refletir sobre sua natureza primitiva e a proveniência que compartilham com as representações clássicas da feminilidade. Esta pintura Woman mais famosa dele parece adequada como um exemplo dessa dualidade entre a intenção do artista masculino ao pintar uma mulher e a maneira como o resultado final de sua expressão pode ser interpretado pelos espectadores. Ela nos oferece uma imagem abstrata icônica de uma mulher, bem como um ponto de partida para uma conversa maior sobre objetificação e intenção na arte.

Willem de Kooning - Mulher I, 1950-1952. Óleo e tinta metálica sobre tela. 6' 3 7/8" x 58" (192,7 x 147,3 cm). 478.1953. Coleção do MoMA. © 2019 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Maria Lassnig - Café da Manhã com uma Orelha

Nenhuma conversa sobre retratos femininos abstratos contemporâneos estaria completa sem mencionar a influência da artista austríaca Maria Lassnig. Sua prática oscilou entre a figuração e a abstração, mas sempre orbitou em torno de uma conversa maior sobre o que ela descreveu em 1948 como consciência corporal. Sua pintura Café da Manhã com uma Orelha é uma representante icônica dos centenas de autorretratos que Lassnig pintou, muitas vezes contendo apenas uma parte de seu corpo, relacionada à parte do corpo da qual ela estava mais consciente na época. Esta imagem aborda a conversa social mais ampla sobre os papéis de gênero tradicionais, à medida que a função de ouvinte/nutridor é destacada entre imagens de gadgets eletrônicos de cozinha.

Maria Lassnig - Café da Manhã com uma Orelha, 1967. © Maria Lassnig

Yves Klein - Antropometria da época azul

Assim como em muitas obras de Yves Klein, há uma camada conceitual nesta pintura que deve ser discutida. Ele não a pintou sozinho, mas participou de sua criação como diretor. Antropometria é o estudo das dimensões físicas do corpo humano. Para sua série Anthropométrie, Klein dirigiu assistentes femininas para se despirem e se cobrirem com o Azul Yves Klein, sua cor eponímica. As assistentes então imprimiram fisicamente seus corpos pintados em superfícies, seja espalhadas no chão ou montadas na parede. Esta pintura é, de certa forma, uma pintura de ação. Em outro sentido, é um relato, pois cria um registro físico de um evento real. Como uma imagem abstrata, oferece uma sugestão convincente de sensualidade. Também sugere o cromossomo X, um símbolo da feminilidade genética. Do ponto de vista conceitual, é potencialmente repugnante em seu uso do trabalho feminino objetificado para completar uma visão estética dominada por homens e libidinosa.

Yves Klein - Antropometria da época azul, 1960. Azul Klein Internacional sobre papel em madeira. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nova York / ADAGP, Paris

Carrie Moyer - Tableau

Frequentemente, o trabalho de Carrie Moyer é politicamente carregado, como em seu Agitprop, pôsteres gráficos engajados em ativismo social direto e comentário. Outras vezes, como em suas gravuras abstratas, parece envolto em universalidades metafísicas. Em suas pinturas, esses dois polos frequentemente convergem em composições graficamente contidas que combinam o que ela chama de “tanto ilusionismo quanto planicidade.” Formalmente, Tableau possui gravidade composicional e demonstra um domínio da sensuosidade do meio acrílico. Seu sentido de feminilidade é distintamente contemporâneo, evocando simultaneamente algo primitivo e humano e algo futurista e alienígena, ancorando-o em um presente estranho, mas reconfortante.

Carrie Moyer - Tableau, 2008. Acrílico, glitter sobre tela. © Carrie Moyer

Wangechi Mutu - Não, eu não me arrependo de nada

Seria simplista dizer que as pinturas da artista nascida no Quênia, Wangechi Mutu, são de mulher ou sobre mulheres. Mas elas estão repletas de uma linguagem de formas comunicativas da feminilidade física. Através de suas imagens assombrosas, Mutu expressa a vasta e variada experiência de como o corpo feminino é encontrado na cultura global. Esta pintura, intitulada em homenagem à canção de Edith Piaf Non je ne regrette rien (Não me arrependo de nada), celebra e objetifica simultaneamente o corpo feminino, evocando universalidades subconscientes através de imagens totemicas femininas.

Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien, 2007. Tinta, pintura, mídia mista, material vegetal e pérolas plásticas sobre Mylar. 137 x 221 cm. 54 x 87 1/8 pol. Victoria Miro

Imagem em destaque: Georgia O Keeffe - Abstração - Mulher dormindo (detalhe), 1916, carvão e aquarela sobre papel
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park