Esses artistas continuam a redefinir a arte impressa em 3D

Eu ouvi uma piada uma vez em uma abertura de arte com arte impressa em 3D. Era algo assim: “Como você sabe que está olhando uma peça de arte impressa em 3D?” Resposta: “Porque todo mundo te diz.” Isso me fez rir, primeiro porque é verdade, as pessoas tendem a ficar tão empolgadas com esse meio que simplesmente não conseguem resistir a comentar sobre isso. E em segundo lugar, eu ri porque em quase todos os casos de arte impressa em 3D que vi, o fato de ter sido feita usando uma impressora 3D me parecia irrelevante. Nada sobre essas obras parecia exigir a tecnologia. Tudo poderia ter sido feito usando algum outro meio. O que levanta a questão: Sobre o que todo mundo está comentando? Impressoras 3D são apenas ferramentas, não diferentes em sua natureza do que, digamos, projetores. Eu nunca tive alguém que se aproximasse de mim em uma galeria, apontasse para um desenho e dissesse: “Isso foi feito usando um projetor.” Mas, por outro lado, eu nunca tive ninguém que se aproximasse de mim e dissesse: “Isso foi feito inteiramente por assistentes enquanto o artista estava de férias.” O ponto é que não importa. Uma vez que a ideia para uma obra de arte é formada e passos são tomados para realizá-la, não faz diferença se o trabalho real é realizado por esta máquina ou aquela máquina, ou este par de mãos ou aquele par de mãos. O fato de que uma impressora 3D foi usada para fazer arte não valida de forma alguma a obra—é apenas um aspecto da experiência, e geralmente o aspecto menos importante. Essa, pelo menos, é a minha opinião. Então, quando me pediram para escrever sobre artistas que estão redefinindo a arte impressa em 3D, adotei a perspectiva de que eu deveria apresentar artistas que têm ideias interessantes e estão fazendo trabalhos sobre os quais eu gostaria de falar, independentemente de como o trabalho está sendo feito. Então, com esse aviso feito, aqui estão sete artistas usando a tecnologia de impressão 3D para fazer seu trabalho que, através da força de suas ideias, estão redefinindo o lugar dessa nova ferramenta na estética contemporânea.

Rirkrit Tiravanija

Se você já ouviu o termo Aestética Relacional ou Arte Relacional, provavelmente já ouviu falar do artista tailandês Rirkrit Tiravanija. Seu trabalho foi essencial para o aumento da popularidade desse tipo de experiência artística na década de 1990. Sua exposição de arte relacional mais famosa foi chamada pad thai. Para a exposição, que foi realizada na Paula Allen Gallery em Nova York em 1990, em vez de criar e mostrar obras, o artista cozinhou pad thai no espaço e serviu aos visitantes da galeria. A exposição ajudou a definir a estética relacional como uma exploração da ideia de que os artistas não são tanto criadores, mas facilitadores de experiências. As relações humanas que emergem dessas experiências são o que é mais importante.

Mais recentemente, Tiravanija tem recebido atenção por sua instalação imersiva na Art Basel Hong Kong 2017, que questionou o papel da arte e da história da arte dentro da experiência humana. A peça era essencialmente um grande labirinto construído com bambu amarrado de forma tradicional. Os visitantes entravam no labirinto e, enquanto encontravam seu caminho dentro dele, gradualmente encontravam cinco árvores bonsai impressas em 3D, cada uma colocada sobre um pedestal de madeira inspirado nas bases esculturais uma vez criadas pelo artista Constantin Brâncuși. O fato de que as árvores bonsai são impressas em 3D não é a coisa mais importante. O que importa é o fato de que elas são artificiais. O ponto de uma árvore bonsai é que ela é uma coisa natural interferida por mãos humanas de tal forma que a interferência humana é irreconhecível. Neste caso, a artificialidade das árvores combinada com as noções evocativas inspiradas pelo labirinto, tudo misturado com as referências históricas da arte, trabalha em conjunto para proporcionar aos espectadores uma experiência abstrata e aberta que exige interação social para compreender seus potenciais níveis de significado.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D printed bonsai tree on wooden base. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin

Idades Somers

A palavra vanitas vem do latim e significa vazio. Foi usada nos Países Baixos nos séculos 16 e 17 como o nome para um tipo de pintura de natureza-morta. Pinturas Vanitas são basicamente pinturas de natureza-morta que mostram coleções de objetos banais e materiais, geralmente junto com crânios humanos, ilustrando a futilidade da busca por coisas terrenas. A artista e designer holandesa Wieki Somers usou a linguagem visual comum às Pinturas Vanitas em uma série de obras de arte impressas em 3D que criou em 2010, em resposta a um concurso de design que pedia aos designers que “pensassem sobre a noção de progresso.” Intitulada Consume or Conserve, a série que ela criou apresentava três tableaus esculturais de natureza-morta. Cada tableau consistia em produtos banais e cotidianos, como uma balança, um aspirador de pó e uma torradeira, totalmente impressos em 3D a partir das cinzas de restos humanos.

Em sua explicação sobre o trabalho, Somers apontou que a tecnologia humana avançou a tal ponto que em breve poderemos nos deparar com a perspectiva da vida eterna. "Mas," ela perguntou, "para que serve uma vida eterna se a usamos apenas para continuar sendo meros consumidores que buscam cada vez mais produtos, independentemente das consequências? Continuando por esse caminho de inovação não criticada, um dia poderemos nos encontrar transformados nos próprios produtos que montamos." Ela seguiu esse conceito até sua conclusão lógica, criando literalmente produtos a partir dos restos de vidas humanas que um dia foram preciosas.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D printed human remains. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

A artista baseada em Nova York, Stephanie Lempert, cria obras sobre comunicação. Ela espera chamar nossa atenção para a linguagem e as maneiras como a usamos para comunicar nossas histórias, nossas histórias e nossas memórias para criar significado em nossas vidas. Uma artista multidimensional, Lempert utiliza uma variedade de mídias. Um de seus corpos de trabalho mais concisos é uma série chamada Reconstructed Reliquaries, para a qual ela criou relíquias esculturais que são literalmente construídas a partir da linguagem. Esses objetos falam por si mesmos em múltiplos níveis. Lempert os criou através do uso de software de impressão 3D. No entanto, ela prefere usar a terminologia padrão da indústria, mas menos chamativa, rapid prototype sculpture.

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Rapid Prototype Sculpture. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

O artista holandês Theo Jansen ficou conhecido na década de 1990, quando começou a criar seus Strandbeests, criaturas gigantescas e cinéticas que parecem andar sozinhas. Elas são, como ele as chama, “animais de praia auto-propulsados.” Você pode ter visto imagens delas se arrastando poeticamente pelas praias ao redor do mundo. Parte designer, parte engenheiro e parte artista, Jansen uma vez disse: “As paredes entre arte e engenharia existem apenas em nossas mentes.” Normalmente, suas grandes criações são feitas de tubos de PVC. Mas recentemente, ele começou a disponibilizar suas criações para quase qualquer pessoa, oferecendo miniaturas, impressas em 3D, de Strandbeests à venda por apenas €160,00. Mais maravilhosamente, qualquer um que conseguir as plantas pode ter uma impressa. Como afirma seu site, “Os Strandbeests de Theo Jansen encontraram uma maneira de se multiplicar injetando seu DNA digital diretamente em sistemas de impressão 3D.”

Theo Jansen - Miniature 3D printed Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

O trabalho do artista belga Nick Ervinck grita com cores vívidas e formas emocionantes, incorporando a noção de que, de alguma forma, um objeto que ocupa espaço também pode criar espaço. Suas esculturas vêm em todos os tamanhos, desde miniaturas até obras públicas monumentais. Ao projetar suas próprias ferramentas e técnicas de impressão 3D, ele está expandindo os limites dessa ferramenta, utilizando-a não apenas como um fim em si mesma, mas como um método idiossincrático de realizar suas criações visionárias pessoais.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyurethane and polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Esperança

O artista baseado no Brooklyn, Shane Hope, utiliza estruturas celulares impressas em 3D como um elemento de suas pinturas abstratas. De longe, elas parecem ser obras pictóricas empilhadas com pinceladas de impasto, mas, ao se examinar mais de perto, pilhas de nanoestruturas montadas se revelam. O fato de que esse elemento foi impresso em 3D não é óbvio nem necessário para a apreciação das obras, mas a consideração das implicações da tecnologia adiciona camadas ao seu potencial significado.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-printed PLA molecular models on acrylic substrate. © Shane Hope, courtesy of Winkleman Gallery, New York

Monika Horcicova

O trabalho da artista tcheca Monika Horcicova é assombroso e belo. Ela retorna a temas de ossos humanos e estruturas esqueléticas, criando composições que desafiam nossas ideias sobre nosso próprio propósito e potencial. Embora não trabalhe exclusivamente nesse meio, ela frequentemente utiliza a tecnologia de impressão 3D para criar suas esculturas de compósito de gesso.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D printed plaster composite. © Monika Horcicova

Imagem em destaque: Rirkrit Tiravanija - Untitled 2013 (sombra indexical n.º 1), 2013-2017. Base de aço inoxidável (3 x painéis), plástico impresso em 3D (Árvore Bonsai), cubo de aço inoxidável (plinto). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 pol, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija e Pilar Corrias Gallery, Londres.
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park