Formas em Forma de Victor Vasarely no Centre Pompidou Paris

Pela primeira vez em mais de 50 anos, uma grande retrospectiva de Victor Vasarely está em exibição em um museu francês. O Centre Pompidou abriu Vasarely: Sharing Forms em fevereiro passado, reunindo mais de 300 objetos, incluindo obras de arte e efêmeras, documentando a completa evolução estética de um dos gigantes do Modernismo do século XX. A exposição estabelece firmemente Vasarely não apenas como um grande artista, mas como um grande idealista, alguém que acreditava não haver fronteira entre arte e vida cotidiana. Nascido em 1907 em Pécs, na Áustria-Hungria, Vasarely se matriculou na escola Műhely (oficina), a versão local de Budapeste do Bauhaus, em 1918. A escola era dirigida pelo artista e designer gráfico Sándor Bortnyik. Após dois anos de estudos com Bortnyik, Vasarely se mudou para Paris e começou uma carreira como designer gráfico. Sua ambição era aplicar as lições visuais do Modernismo ao mundo das comunicações de massa. Uma de suas obras mais famosas do início, “Zebra” (1937), incorpora o espaço liminal onde as disciplinas aparentemente separadas de arte e design se fundem em uma só. A composição linear em preto e branco mostra duas zebras entrelaçadas, possivelmente em combate, possivelmente apaixonadas. A imagem declara habilmente Vasarely como um mestre da perspectiva, demonstrando sua capacidade de transformar uma superfície plana em um campo cinético e tridimensional. No entanto, até hoje, os críticos lutam com a questão de saber se esta e suas outras obras iniciais devem ser classificadas como arte ou design. De fato, a última vez que uma grande pesquisa de seu trabalho foi montada na França foi em 1963, quando o artista tinha apenas 57 anos, no Musée des Arts Décoratifs—não um museu de belas artes, mas um museu de artes decorativas e design. Apenas dois anos depois, no entanto, Vasarely foi incluído em The Responsive Eye, a exposição marcante do Museu de Arte Moderna que estabeleceu os principais artistas do movimento Op Art. Vasarely: Sharing Forms reúne todos os aspectos de seu trabalho de uma maneira universal. Em vez de forçar definições, esta exposição respeita as complexidades e nuances de sua visão, oferecendo uma ampliação muito necessária da história de Vasarely.

O Reformador Eterno

Quando Vasarely começou sua carreira como designer gráfico, ele considerou a publicidade como a forma mais onipresente de cultura visual, então ele se propôs a transformá-la adaptando-a às linguagens visuais do Cubismo, De Stijl, Suprematismo e outras posições modernistas iniciais. Após a Segunda Guerra Mundial, no entanto, ele mudou seu foco e decidiu que, em vez de usar a arte para reformar o design, ele procuraria no mundo real pistas de como transformar a arte. Ele prestou atenção em tudo em sua paisagem visual, desde estruturas arquitetônicas, até os padrões de sombra e luz que caem sobre formas naturais, até as superfícies de cristais. Ele percebeu que existe um espaço estético no qual os princípios da abstração geométrica coexistem com os princípios dos mundos natural e construído. Obras como “Kiruna” (1952) mostram como ele reduziu o mundo visual aos seus blocos de construção mais essenciais, como círculos e quadrados, e à paleta de cores mais simples possível.

Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Visão da instalação no Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto cortesia IdeelArt.

Mesmo tendo começado a desenvolver sua própria linguagem visual verdadeiramente única, Vasarely permaneceu sempre o reformador. Ele percebeu que suas composições geométricas ainda não estavam completas. Elas precisavam de um aspecto adicional—o aparecimento do movimento. Mas, em vez de criar arte cinética real, como os móbiles de Alexander Calder, Vasarely estava interessado em como o cérebro percebe o movimento. Ele observou como as ondas na superfície da água, ou no calor do sol, criam a ilusão de que o espaço está distorcido, e que objetos sólidos são fluidos. Ele aplicou esse pensamento às suas composições, introduzindo padrões de onda em suas composições geométricas, e aparentemente distorcendo as superfícies das obras. Em pinturas como “Re.Na II A” (1968), a superfície parece se projetar para fora. Em outras pinturas, a superfície parece colapsar. O mais incrível é que, assim que o olho capta o que está vendo nesses padrões de onda, a imagem parece mudar, dando tanto a ilusão de espaço tridimensional quanto a impressão de movimento.

Victor Vasarely - Zante, 1949. Visão da instalação no Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto cortesia IdeelArt.

Uma Linguagem Visual Universal

Um dos aspectos mais idealistas do legado de Vasarely foi a sua criação da "unidade plástica": uma ferramenta visual básica que pode ser adaptada para criar composições visuais infinitas. A unidade plástica de Vasarely consiste em uma forma geométrica de uma cor que contém uma segunda forma geométrica diferente de outra cor dentro dela—por exemplo, um quadrado azul envolvendo um círculo vermelho, ou vice-versa. Em termos contemporâneos, a unidade plástica é como um pixel. Vasarely combinava as unidades plásticas em várias combinações geométricas e, em seguida, usava linhas e cores para introduzir ondas nas composições. Essa linguagem visual simples era verdadeiramente democrática, uma vez que poderia ser facilmente copiada por qualquer pessoa. A universalidade do estilo até inspirou Vasarely a se perguntar novamente como usar o que havia criado para afetar positivamente a vida cotidiana dos cidadãos.

Victor Vasarely - Forma 1009 decoração 5110, por volta de 1973. Edição 23/50. Forma 1008 decoração 5105, por volta de 1973. Edição de 75. Forma 1008 decoração 5104, por volta de 1973. Edição 17/75. Forma 1009 decoração 5108, por volta de 1973. Edição 22/50. Forma 1007 decoração 5101, por volta de 1973. Edição 27/100. Forma 1008 decoração 5106, por volta de 1973. Edição 61/75. Forma 1010 decoração 5112, por volta de 1973. Edição 31/100. Forma 1007 decoração 5100, por volta de 1973. Edição 6/100. Visão da instalação no Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto cortesia IdeelArt.

Como mostra "Vasarely: Compartilhando Formas", Vasarely concebeu inúmeras estratégias para levar sua arte ao espaço público. Ele criou uma infinidade de murais, cartazes e até mesmo designs industriais, como o Conjunto de Café e Sobremesa de 21 Peças que projetou para a Rosenthal. Ele criou logotipos para empresas, como Renault e o Museu de Cinema, entre outros. E ele se dedicou a criar todos os tipos de arte em espaços públicos. Ele imaginou o que chamou de "cidade polícroma da felicidade", onde suas vibrantes, coloridas e geométricas obras públicas dariam vida aos "subúrbios sombrios e cinzentos". Ao longo desta exposição, vemos como a plasticidade é comum a todas as formas de cultura visual. Vasarely demonstrou como é uma parte essencial das belas artes, é claro. Mas ele também via a plasticidade como essencial para as próprias pedras usadas para construir a cidade, e nas cores e tons de luz que caem sobre a natureza. As separações artificiais entre os campos da arte, design, moda, cinema, arquitetura e até mesmo publicidade derretem quando vemos toda a cultura visual dessa maneira. Esta é a lição que Vasarely ensinou: que a arte está em toda parte. "Vasarely: Compartilhando Formas" está em exibição no Centre Pompidou até 6 de maio de 2019.

Imagem em destaque: Victor Vasarely - Alom, 1968. Vista da instalação no Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto cortesia IdeelArt.
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Barcio