Formas em Forma de Victor Vasarely no Centre Pompidou Paris

Pela primeira vez em mais de 50 anos, uma grande retrospectiva de Victor Vasarely está em exibição em um museu francês. O Centre Pompidou inaugurou Vasarely: Compartilhando Formas em fevereiro passado, reunindo mais de 300 objetos, incluindo obras de arte e efêmeros, documentando a evolução estética completa de um dos gigantes do Modernismo do século XX. A exposição estabelece firmemente Vasarely não apenas como um grande artista, mas como um grande idealista, alguém que acreditava que não há fronteira entre arte e vida cotidiana. Nascido em 1907 em Pécs, Áustria-Hungria, Vasarely matriculou-se na escola Műhely (oficina), a versão local de Budapeste da Bauhaus, em 1918. A escola era dirigida pelo artista e designer gráfico Sándor Bortnyik. Após dois anos estudando com Bortnyik, Vasarely mudou-se para Paris e iniciou uma carreira como designer gráfico. Sua ambição era aplicar as lições visuais do Modernismo ao mundo das comunicações de massa. Uma de suas obras iniciais mais famosas, “Zebra” (1937), incorpora o espaço liminar onde as disciplinas aparentemente separadas de arte e design se fundem em uma só. A composição linear em preto e branco mostra duas zebras entrelaçadas, possivelmente em combate, possivelmente apaixonadas. A imagem declara habilmente Vasarely um mestre da perspectiva ao demonstrar sua capacidade de transformar uma superfície plana em um campo cinético tridimensional. No entanto, até hoje os críticos lutam com a questão de saber se esta e suas outras obras iniciais devem ser classificadas como arte ou design. De fato, a última vez que uma grande exposição de seu trabalho foi montada na França foi em 1963, quando o artista tinha apenas 57 anos, no Musée des Arts Décoratifs — não um museu de belas-artes, mas um museu de artes decorativas e design. Apenas dois anos depois, no entanto, Vasarely foi incluído em The Responsive Eye, a exposição histórica do Museum of Modern Art que estabeleceu os principais artistas do movimento Op Art. Vasarely: Compartilhando Formas reúne todos os aspectos de seu trabalho de maneira universal. Em vez de impor definições, esta exposição respeita as complexidades e nuances de sua visão, oferecendo uma ampliação muito necessária da história de Vasarely.

O Reformador Eterno

Quando Vasarely começou sua carreira como designer gráfico, ele considerava a publicidade a forma mais onipresente de cultura visual, então decidiu transformá-la adaptando-a às linguagens visuais do Cubismo, De Stijl, Suprematismo e outras posições iniciais do Modernismo. Após a Segunda Guerra Mundial, porém, ele mudou seu foco e decidiu que, em vez de usar a arte para reformar o design, buscaria no mundo real pistas de como transformar a arte. Ele observou tudo em sua paisagem visual, desde estruturas arquitetônicas, aos padrões de sombra e luz que caem sobre formas naturais, até as superfícies dos cristais. Percebeu que existe um espaço estético no qual os princípios da abstração geométrica coexistem com os princípios dos mundos natural e construído. Obras como “Kiruna” (1952) mostram como ele desmembrou o mundo visual em seus blocos construtivos mais essenciais, como círculos e quadrados, e na paleta de cores mais simples possível.

Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Vista da instalação no Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto cortesia IdeelArt.

Mesmo quando começou a desenvolver sua própria linguagem visual verdadeiramente única, Vasarely permaneceu sempre o reformador. Ele percebeu que suas composições geométricas ainda não estavam completas. Precisavam de um aspecto adicional — a aparência de movimento. Mas, em vez de criar arte cinética real, como os móbiles de Alexander Calder, Vasarely interessava-se por como o cérebro percebe o movimento. Ele observou como as ondas na superfície da água, ou no calor do sol, criam a ilusão de que o espaço está distorcido e que objetos sólidos são fluidos. Aplicou esse pensamento às suas composições, introduzindo padrões ondulados em suas composições geométricas e aparentemente distorcendo as superfícies das obras. Em pinturas como “Re.Na II A” (1968), a superfície parece se projetar para fora. Em outras pinturas, a superfície parece colapsar. O mais impressionante é que, assim que o olho percebe o que está vendo nesses padrões ondulados, a imagem parece mudar, dando tanto a ilusão de espaço tridimensional quanto a impressão de movimento.

Victor Vasarely - Zante, 1949. Vista da instalação no Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto cortesia IdeelArt.

Uma Linguagem Visual Universal

Um dos aspectos mais idealistas do legado de Vasarely foi a criação da “unidade plástica”: uma ferramenta visual básica que pode ser adaptada para criar composições visuais infinitas. A unidade plástica de Vasarely consiste em uma forma geométrica de uma cor que contém dentro dela uma segunda forma geométrica diferente de outra cor — por exemplo, um quadrado azul envolvendo um círculo vermelho, ou vice-versa. Em termos contemporâneos, a unidade plástica é como um pixel. Vasarely combinava as unidades plásticas em várias combinações geométricas e depois usava linha e cor para introduzir ondas nas composições. Essa linguagem visual simples era verdadeiramente democrática, pois podia ser facilmente copiada por qualquer pessoa. A universalidade do estilo até inspirou Vasarely a novamente se perguntar como usar o que havia criado para afetar positivamente a vida cotidiana dos cidadãos.

Victor Vasarely - Forme 1009 décor 5110, cerca de 1973. Edição 23/50. Forme 1008 décor 5105, cerca de 1973. Edição de 75. Forme 1008 décor 5104, cerca de 1973. Edição 17/75. Forme 1009 décor 5108, cerca de 1973. Edição 22/50. Forme 1007 décor 5101, cerca de 1973. Edição 27/100. Forme 1008 décor 5106, cerca de 1973. Edição 61/75. Forme 1010 décor 5112, cerca de 1973. Edição 31/100. Forme 1007 décor 5100, cerca de 1973. Edição 6/100. Vista da instalação no Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto cortesia IdeelArt.

Como Vasarely: Compartilhando Formas mostra lindamente, Vasarely concebeu inúmeras estratégias para levar sua arte ao espaço público. Ele criou uma multiplicidade de murais, cartazes e até designs industriais, como o Conjunto de Café e Sobremesa de 21 Peças que projetou para a Rosenthal. Criou logotipos para empresas, como Renault e o Museu do Cinema, entre outros. E dedicou-se a criar todos os tipos de arte em espaços públicos. Ele imaginou o que chamou de “cidade policromática da felicidade”, onde suas obras públicas vibrantes, coloridas e geométricas trariam vida aos “subúrbios sombrios e cinzentos”. Ao longo desta exposição, vemos como a plasticidade é comum a todas as formas de cultura visual. Vasarely demonstrou como ela é parte essencial da arte fina, é claro. Mas ele também via a plasticidade como essencial às próprias pedras usadas para construir a cidade, e nas cores e tons de luz que caem sobre a natureza. As separações artificiais entre os campos da arte, design, moda, cinema, arquitetura e até publicidade desaparecem quando vemos toda a cultura visual dessa forma. Esta é a lição que Vasarely ensinou: que a arte está em toda parte. Vasarely: Compartilhando Formas está em exibição no Centre Pompidou até 6 de maio de 2019.

Imagem em destaque: Victor Vasarely - Alom, 1968. Vista da instalação no Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto cortesia IdeelArt.
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio