Jovens Artistas Abstratos para Ficar de Olho

Como uma introdução a esses perfis de dez artistas abstratos emergentes que acreditamos merecer sua atenção, meu editor me pediu para comentar um pouco sobre o estado da arte abstrata contemporânea. Esse pedido aparentemente simples manteve minha mente girando por vários dias. Estou escrevendo sobre arte contemporânea há nove anos e, especificamente, focando em arte abstrata há mais de um ano e meio. No entanto, quando solicitado a avaliar o estado dela, não tenho certeza do que dizer. Vivemos em um tempo de extrema ansiedade para qualquer um que esteja prestando atenção aos eventos mundiais. E os artistas vivem no mesmo mundo que todos os outros, então não é surpresa que eles sejam tão afetados por essa ansiedade quanto qualquer um. Uma infinidade de forças está trabalhando arduamente para escrever o futuro deste planeta, e muitas vezes parece que poucos daqueles com o poder de realmente afetar as coisas concordam sobre qual direção a civilização deve seguir. Mas é minha opinião que os artistas abstratos estão em uma posição única para influenciar nosso caminho. Eles são nossos poetas visuais. Sua obra pode transcender barreiras de linguagem, cultura, nacionalidade, gênero, raça e economia. Concordo com artistas como Marcel Duchamp, que acreditam que os espectadores completam as obras de arte ao experimentá-las. Os artistas são responsáveis por criar proposições estéticas, mas somos nós que somos responsáveis por determinar o que acontece a seguir. Podemos escolher estar abertos a novas maneiras de ver. Podemos escolher o que tem significado e qual será esse significado. Para nos guiar ao longo desse caminho, os artistas abstratos contemporâneos têm todas as mesmas ferramentas disponíveis para eles que cientistas contemporâneos, soldados, magnatas e políticos. O que eles farão com essas ferramentas é a pergunta que enfrentam todos os dias. É minha esperança contínua que eles me surpreendam. Os dez artistas abstratos que escolhemos focar hoje trabalham em uma variedade de meios e formatos, e criam obras por muitas razões diferentes. Sua diversidade reflete os inúmeros caminhos diferentes que cada um de nós neste mundo contemporâneo é livre para seguir. Na minha humilde opinião, eles são a prova de que o estado da arte abstrata hoje está tão vivo quanto sempre esteve, e tão capaz quanto nunca de produzir obras que são significativas, importantes, influentes e inesperadas.

Iva Gueorguieva

Nascida em Sofia, Bulgária, em 1974, Iva Gueorguieva obteve seu MFA na Tyler School of Art na Filadélfia e atualmente vive e trabalha em Los Angeles, CA. Sua visão estética é particularmente adequada ao ambiente urbano. Envolve peças díspares se unindo para participar da criação de um novo todo. Gueorguieva trabalha em uma variedade de mídias diferentes, mas foca principalmente em pintura e escultura. Suas pinturas combinam elementos de colagem com uma intervenção pictórica direta para criar imagens que transmitem complexidade, movimento e uma boa dose de caos. Embora essencialmente planas, elas parecem dimensionais e incentivam o espectador a ser envolvido pelo espaço pictórico. Assim como suas pinturas, suas esculturas também são montadas a partir de uma série de meios diferentes. Para criá-las, Gueorguieva reúne peças de seu ambiente físico, como concreto, metal, papel, plástico e tinta, de modo que a obra possui um senso do lugar de sua própria origem. As formas abstratas que são então montadas ressoam poderosamente com qualquer um familiarizado com o léxico visual de um lugar urbano contemporâneo.

Iva Gueorguieva - Strata, 2015, Óleo em Lápis sobre Tela, © Sofia Contemporary e Iva Gueorguieva (Esquerda) e Vanished Animal 5, 2015, Litografia, fundo de sabão, fundo suave, fundo duro, ponta seca, aquatinta com mordente de saliva, aquatinta com mordente de água, mordente aberto em tecido com pintura manual, spray e lápis de óleo em estrutura de aço soldado com painéis de aço, vergalhão, concreto e argila epóxi, foto cortesia ACME Los Angeles, © Iva Gueorguieva (Direita)

Remador Holton

As obras de Holton Rower, nascido em Nova York, vêm à existência através de um processo de acumulação gradual. Como camadas de rocha sedimentar sendo depositadas pelo tempo, Rower despeja metódicamente camadas monocromáticas de tinta sobre uma superfície, permitindo que cada camada se coalesça antes de despejar outra camada por cima. Eventualmente, assim como nas montanhas, as camadas se acumulam em massas substanciais. Então, com uma lâmina, Rower realiza a tarefa dos elementos naturais, esculpindo uma forma final. Seja apresentada na parede ou no chão, esses objetos são inerentemente esculturais e indiscutivelmente pinturas. Eles são tanto industriais por natureza quanto o resultado de trabalho físico árduo. Eles são objetos formais de cor, forma, formato e textura, e também declarações poéticas sobre a humanidade e sua intervenção contínua com a natureza. (Ah, e não que isso seja relevante para o poder e a presença de sua arte extraordinária, mas Rower também é neto de Alexander Calder.)

Holton Rower - Visão da instalação na VENUS LA: A Ideia é Mais Erótica do que o Ato, 2016, tinta sobre aglomerado (esquerda), Referência à Onda de Crimes Sem Vítimas, 2016, tinta sobre aglomerado (centro), Eu Oração que Te Dê Esperança, 2016, tinta sobre aglomerado (direita), © Holton Rower

Hannah Whitaker

Assim como os cubistas do início do século 20, a fotógrafa Hannah Whitaker, nascida em Washington, D.C., descobriu caminhos estéticos emocionantes para a quarta dimensão. Parece inacreditável, mas suas fotografias são feitas da maneira antiga: com nada além de uma câmera. Ao controlar estrategicamente qual parte do negativo se torna exposta, ela constrói imagens peça por peça, às vezes levando vários dias para expor completamente um único negativo. As imagens resultantes capturam a realidade como ela se desenrolou ao longo do tempo enquanto se move pelo espaço. Ao combinar esse dinamismo quadridimensional com imagens abstratas formais, Whitaker chegou a uma proposta estética única, que avança a fotografia enquanto também declara o valor atemporal de seus fundamentos.

Hannah Whitaker - Barcroft Branches, 2014, impressão em pigmento arquivística (esquerda), e Broadside 1, 2014, impressão em pigmento arquivística (direita), © Hannah Whitaker

Bem Parker

O artista de origami abstrato Ben Parker está focado nos atos de descoberta e experimentação. Para alguns, a emoção da antiga arte do origami é poder testemunhar a figura de um animal, uma planta ou um edifício emergir das intrincadas dobras de uma única folha de papel. Para outros, a emoção do origami reside em seu potencial para a descoberta científica, pois parece expressar os próprios fundamentos do universo físico. Mas para Parker, a emoção está em descobrir como usar as técnicas de dobra geométrica do origami para provocar formas abstratas. Suas composições complexas criam espaço enquanto o ocupam. Elas são ao mesmo tempo substanciais e etéreas. Surgem aparentemente do nada, e seu significado é incerto. Que são belas é inegável; e para muitos espectadores, elas também são inegavelmente profundas.

Ben Parker - Contenção Violada, 2016, folha única de papel, © Ben Parker

Ashleigh Bartlett

O trabalho da artista Ashleigh Bartlett, nascida em Calgary, é fundamentado nos atos de desapego e construção. Suas pinturas em colagem exploram composições abstratas de cor e forma construídas a partir de camadas de lona, papel e tinta. Suas obras recortadas alcançam presenças esculturais, montadas a partir dos mesmos materiais que suas pinturas em colagem, mas sem o suporte de superfície. Como apresentado por Bartlett nessas obras, desmontar e remontar as coisas pode ser interpretado tanto como ações que revelam, quanto como ações que ocultam.

Ashleigh Bartlett - Surprise Wink, 2017, tela, papel e acrílico sobre tela (Esquerda) e Snaggle, Óleo sobre painel, 2011 (Direita), © Ashleigh Bartlett

Pello Irazu

O artista multidisciplinar Pello Artist nasceu em 1963 no território basco de Andoain, Gipuzkoa. Seu trabalho está na vanguarda da investigação estética contemporânea sobre como os objetos negociam com o espaço. Suas instalações frequentemente incluem murais pintados diretamente nas paredes do espaço de exposição. Esses murais dialogam formalmente com seus objetos construídos, demonstrando as maneiras como cores, linhas e formas se transmogrificam em formas. De interesse fundamental para Irazu está a discussão contínua sobre como os espectadores interagem com objetos estéticos e como percebem sua relação com os espaços que tais objetos habitam.

Pello Irazu - Noli me tangere (desconfiança) [Noli me tangere (a desconfiança)], 2009, peças de alumínio fundido e soldado e parafusos (esquerda), e Room Under, 1995, compensado, tinta vinílica, fita adesiva e serigrafia em espelho (direita) ambos da coleção do artista, © VEGAP, Bilbao, 2017

Ramin Shirdel

O artista iraniano Ramin Shirdel utiliza sua formação em arquitetura para criar obras de arte arquitetônicas e opticamente deslumbrantes. Suas pinturas esculturais reagem às condições de luz variáveis, projetando sombras que alteram a percepção de suas formas ilusórias. Escondidas nas obras estão palavras poéticas em farsi com significados como amor, verdade, abraço, onda e obra-prima. As qualidades concretas e formais das peças oferecem algo esteticamente objetivo, enquanto o estado efêmero da imagem sublinha os significados subjetivos transmitidos pelas palavras.

Ramin Shirdel - Aroos (Noiva), 2013, Mídia mista sobre madeira, © Ramin Shirdel

Aproveite seus amigos

Para todos os efeitos práticos, o meio da artista Afruz Amighi, baseada no Brooklyn, é o metal. Ela cria estruturas elaboradas e delicadas que se assemelham às torres de catedrais, aos pináculos de minaretes ou aos pontos na ponta de uma coroa. Mas seu meio oculto é a luz. Quando suas criações são atingidas pela luz, elas ganham vida, atraindo o olhar para os brilhos efêmeros em suas superfícies, enquanto simultaneamente projetam redes dramáticas e complexas de sombras nas superfícies ao redor. A obra fala poeticamente sobre o que é tornado visível e o que permanece oculto quando tudo é iluminado.

Afruz Amighi - Mangata, 2016, vista da instalação, metal, corrente, luz, © Afruz Amighi

Praça Artie

O artista nova-iorquino Artie Vierkant dá uma voz estética às ideias de autoria e controle. Sua série em andamento chamada Image Objects envolve o artista retirando imagens da Internet, alterando-as no Photoshop e, em seguida, usando-as como elementos de superfície para objetos abstratos que ele constrói. No entanto, é difícil encontrar fotografias online de seus objetos de imagem finalizados, porque Vierkant também altera suas fotos de exposição no Photoshop, chamando essas imagens de novas obras por si mesmas. Quem possui as imagens de origem originais, e assim pode reivindicar a propriedade de seus objetos de imagem alterados ou imagens de exposição, depende de como se olha para a propriedade intelectual. Um ponto que Vierkant também parece estar fazendo é que a única verdade da obra reside em sua presença física: olhar para fotos de arte online não é o mesmo que ver arte pessoalmente. Além de seus Image Objects, Vierkant também começou a trabalhar com sementes da Monsanto trituradas como um meio artístico. Mas uma pergunta que isso, e realmente todo o seu trabalho, levanta é quanta importância os espectadores devem dar à história de fundo dos materiais de origem usados em uma obra de arte. Isso importa de alguma forma? Ou a presença estética do objeto de arte em si é a única coisa importante? Conversas quase filosóficas têm algo a ver com arte? Elas fazem parte da arte? Vierkant está fazendo o seu melhor para levantar essas questões de uma maneira esteticamente interessante.

Artie Vierkant - Vista da instalação manipulada no Photoshop (esquerda), e Plant expression constructs 2, Soja MON89788, TO, Exploit (direita), © Artie Vierkant

Louco C

A ex-artista de graffiti adolescente Claudia Walde, conhecida como MadC, está transformando a maneira como o mundo da arte contemporânea interage com os artistas de rua. MadC possui dois diplomas em design gráfico e é autora de numerosos livros. Ela também é mundialmente renomada como muralista, um campo no qual desenvolveu uma posição estética distinta e visualmente impressionante. Recentemente, ela começou a evoluir sua linguagem visual para uma forma que se traduz em espaços de exposição formais e internos. Ela criou instalações impressionantes e também realizou exposições de suas telas, criadas com camadas de tinta spray transparente que permitem que as camadas subjacentes apareçam. Ela até traduziu seu trabalho para objetos de moda, como sapatos.

MadC - Lar Doce Lar, 2016, instalação, © MadC

Imagem em destaque: Iva Gueorguieva - Desert Willow, 2016, Acrílico, óleo e colagem sobre papel montado em tela, créditos da foto Ameringer McEnery Yohe, Nova York
Por Phillip Park