Jovens Artistas Abstratos para Ficar de Olho

Como introdução a esses perfis de dez artistas abstratos emergentes que acreditamos merecer sua atenção, meu editor me pediu para comentar um pouco sobre o estado da arte abstrata contemporânea. Esse pedido aparentemente simples manteve minha mente agitada por vários dias. Tenho escrito sobre arte contemporânea há nove anos, e focado especificamente em arte abstrata por mais de um ano e meio. Ainda assim, quando me pedem para avaliar seu estado, não sei exatamente o que dizer. Vivemos em um tempo de ansiedade extrema para quem está atento aos acontecimentos mundiais. E os artistas vivem no mesmo mundo que todos os outros, então não é surpresa que sejam tão afetados por essa ansiedade quanto qualquer pessoa. Uma multidão de forças trabalha arduamente tentando escrever o futuro deste planeta, e muitas vezes parece que poucos daqueles com poder real para influenciar concordam sobre a direção que a civilização deve tomar. Mas, na minha opinião, os artistas abstratos estão em uma posição única para influenciar nosso caminho. Eles são nossos poetas visuais. Sua obra pode transcender barreiras de idioma, cultura, nacionalidade, gênero, raça e economia. Concordo com artistas como Marcel Duchamp, que acreditam que os espectadores completam as obras de arte ao experimentá-las. Os artistas são responsáveis por criar proposições estéticas, mas somos nós que determinamos o que acontece a seguir. Podemos escolher estar abertos a novas formas de ver. Podemos escolher o que tem significado e qual será esse significado. Para nos guiar nesse caminho, os artistas abstratos contemporâneos têm todas as mesmas ferramentas disponíveis que cientistas, soldados, magnatas e políticos contemporâneos. O que farão com essas ferramentas é a questão que enfrentam todos os dias. Minha esperança contínua é que me surpreendam. Os dez artistas abstratos que escolhemos destacar hoje trabalham em uma variedade de meios e formatos, e criam obras por muitos motivos diferentes. Sua diversidade reflete os inúmeros caminhos diferentes que cada um de nós neste mundo contemporâneo é livre para seguir. Em minha humilde opinião, eles são a prova de que o estado da arte abstrata hoje está tão vivo quanto sempre esteve, e tão capaz quanto sempre de produzir obras que são significativas, importantes, influentes e inesperadas.

Iva Gueorguieva

Nascida em Sofia, Bulgária, em 1974, Iva Gueorguieva obteve seu mestrado na Tyler School of Art em Filadélfia, e atualmente vive e trabalha em Los Angeles, CA. Sua visão estética é particularmente adequada ao ambiente urbano. Envolve peças díspares que se unem para participar da criação de um novo todo. Gueorguieva trabalha com uma variedade de mídias diferentes, mas foca principalmente em pintura e escultura. Suas pinturas combinam elementos de colagem com uma intervenção pictórica direta para criar imagens que transmitem complexidade, movimento e um bom tanto de caos. Embora essencialmente planas, elas parecem dimensionais e incentivam o espectador a ser envolvido pelo espaço pictórico. Assim como suas pinturas, suas esculturas também são montadas a partir de uma série de diferentes materiais. Para criá-las, Gueorguieva reúne pedaços de seu ambiente físico, como concreto, metal, papel, plástico e tinta, de modo que a obra possui um senso do lugar de sua própria origem. As formas abstratas que são então montadas ressoam poderosamente com qualquer pessoa familiarizada com o léxico visual de um lugar urbano contemporâneo.

Iva Gueorguieva - Strata, 2015, Bastão de óleo sobre tela, © Sofia Contemporary e Iva Gueorguieva (Esquerda) e Vanished Animal 5, 2015, Litografia, soapground, softground, hardground, drypoint, spitbite aquatint, waterbite aquatint, open bite em tecido com pintura manual, tinta spray e bastão de óleo em estrutura de aço soldado com painéis de aço, vergalhão, concreto e argila epóxi, foto cortesia ACME Los Angeles, © Iva Gueorguieva (Direita)

Holton Rower

As obras do nova-iorquino Holton Rower surgem por meio de um processo de acumulação gradual. Como camadas de rocha sedimentar depositadas pelo tempo, Rower despeja metodicamente camadas monocromáticas de tinta sobre uma superfície, permitindo que cada camada se solidifique antes de despejar outra por cima. Eventualmente, como montanhas, as camadas se acumulam em massas substanciais. Então, com uma lâmina, Rower realiza a tarefa dos elementos naturais, esculpindo uma forma final. Seja apresentada na parede ou no chão, essas peças são inerentemente escultóricas e inegavelmente pinturas. São tanto industriais por natureza quanto resultado de trabalho físico árduo. São objetos formais de cor, forma, figura e textura, e também declarações poéticas sobre a humanidade e sua contínua intervenção na natureza. (Ah, e não que isso seja relevante para o poder e presença de sua arte extraordinária, mas Rower também é neto de Alexander Calder.)

Holton Rower - Vista da instalação na VENUS LA: The Idea is More Erotic Than the Act, 2016, tinta sobre placa de partículas (esquerda), Victimless Crime Wave Reference, 2016, tinta sobre placa de partículas (centro), I Pray It Gives You Hope, 2016, tinta sobre placa de partículas (direita), © Holton Rower

Hannah Whitaker

Como os cubistas do início do século XX, a fotógrafa nascida em Washington, D.C., Hannah Whitaker descobriu caminhos estéticos emocionantes para a quarta dimensão. Parece inacreditável, mas suas fotografias são feitas do jeito antigo: apenas com uma câmera. Controlando estrategicamente qual parte do negativo é exposta, ela constrói imagens peça por peça, às vezes levando vários dias para expor completamente um único negativo. As imagens resultantes capturam a realidade como ela ocorreu ao longo do tempo enquanto se move pelo espaço. Ao combinar esse dinamismo quadridimensional com imagens abstratas formais, Whitaker chegou a uma proposição estética única, que avança a fotografia enquanto também declara o valor atemporal de seus fundamentos.

Hannah Whitaker - Barcroft Branches, 2014, impressão pigmentada arquivística (esquerda), e Broadside 1, 2014, impressão pigmentada arquivística (direita), © Hannah Whitaker

Ben Parker

O artista de origami abstrato Ben Parker está focado nos atos de descoberta e experimentação. Para alguns, a emoção da antiga arte do origami é poder testemunhar a figura de um animal, planta ou edifício emergir das dobras intrincadas de uma única folha de papel. Para outros, a emoção do origami está em seu potencial para descobertas científicas, pois parece expressar os próprios fundamentos do universo físico. Mas para Parker, a emoção está em descobrir como usar as técnicas geométricas de dobra do origami para provocar formas abstratas. Suas composições complexas criam espaço enquanto o ocupam. São tanto substanciais quanto etéreas. Surgem aparentemente do nada, e seu significado é incerto. Que sejam belas é inegável; e para muitos espectadores, também são inegavelmente profundas.

Ben Parker - Breached Containment, 2016, folha única de papel, © Ben Parker

Ashleigh Bartlett

O trabalho da artista nascida em Calgary, Ashleigh Bartlett, baseia-se nos atos de desapego e construção. Suas pinturas em colagem exploram composições abstratas de cor e forma construídas a partir de camadas de tela, papel e tinta. Suas obras recortadas alcançam presenças escultóricas, montadas com os mesmos materiais de suas pinturas em colagem, mas sem o suporte da superfície. Conforme apresentado por Bartlett nessas obras, desmontar e remontar as coisas pode ser lido tanto como ações que revelam quanto como ações que ocultam.

Ashleigh Bartlett - Surprise Wink, 2017, tela, papel e acrílico sobre tela (Esquerda) e Snaggle, óleo sobre painel, 2011 (Direita), © Ashleigh Bartlett

Pello Irazu

O artista multidisciplinar Pello Irazu nasceu em 1963 no território basco de Andoain, Gipuzkoa. Seu trabalho está na vanguarda da investigação estética contemporânea sobre como os objetos negociam com o espaço. Suas instalações frequentemente incluem murais pintados diretamente nas paredes do espaço expositivo. Esses murais dialogam formalmente com seus objetos construídos, demonstrando as maneiras pelas quais cores, linhas e formas se transmogrificam em formas. De interesse central para Irazu está a discussão contínua sobre como os espectadores interagem com objetos estéticos e como percebem sua relação com os espaços que esses objetos habitam.

Pello Irazu - Noli me tangere (desconfiança) [Noli me tangere (la desconfianza)], 2009, peças de alumínio fundido e soldado e parafusos (esquerda), e Room Under, 1995, compensado, tinta vinílica, fita adesiva e serigrafia em espelho (direita), ambos da coleção do artista, © VEGAP, Bilbao, 2017

Ramin Shirdel

O artista iraniano Ramin Shirdel utiliza sua formação em arquitetura para criar obras arquitetônicas e visualmente deslumbrantes. Suas pinturas escultóricas reagem às condições de luz mutáveis, projetando sombras que alteram a percepção de suas formas ilusórias. Escondidas nas obras estão palavras poéticas em farsi com significados como amor, verdade, abraço, onda e obra-prima. As qualidades concretas e formais das peças oferecem algo esteticamente objetivo, enquanto o estado efêmero da imagem sustenta os significados subjetivos transmitidos pelas palavras.

Ramin Shirdel - Aroos (Noiva), 2013, técnica mista sobre placa de madeira, © Ramin Shirdel

Afruz Amighi

Para todos os efeitos práticos, o meio da artista baseada no Brooklyn Afruz Amighi é o metal. Ela cria estruturas elaboradas e delicadas que se assemelham às torres de catedrais, aos pináculos de minaretes ou às pontas de uma coroa. Mas seu meio oculto é a luz. Quando suas criações são iluminadas, ganham vida, atraindo o olhar para os brilhos efêmeros em suas superfícies enquanto simultaneamente projetam redes dramáticas e complexas de sombras nas superfícies ao redor. A obra fala poeticamente sobre o que é tornado visível e o que permanece oculto quando tudo está iluminado.

Afruz Amighi - Mangata, 2016, vista da instalação, metal, corrente, luz, © Afruz Amighi

Artie Vierkant

O artista nova-iorquino Artie Vierkant dá voz estética às ideias de autoria e controle. Sua série contínua chamada Image Objects envolve o artista retirando imagens da Internet, alterando-as no Photoshop e depois usando-as como elementos de superfície para objetos abstratos que ele constrói. É difícil, no entanto, encontrar fotografias online de seus objetos de imagem finalizados, porque Vierkant também altera suas fotos de exposição no Photoshop, chamando essas imagens de novas obras por si só. Quem possui as imagens originais, e assim pode reivindicar a propriedade de seus objetos de imagem alterados ou imagens de exposição, depende de como se vê a propriedade intelectual. Um ponto que Vierkant também parece querer fazer é que a única verdade da obra reside em sua presença física: olhar fotos de arte online não é o mesmo que ver arte pessoalmente. Além de seus Image Objects, Vierkant também começou a trabalhar com sementes da Monsanto moídas como meio artístico. Mas uma questão que isso, e realmente todo seu trabalho, levanta é quanta importância os espectadores devem dar à história de origem dos materiais usados em uma obra de arte. Isso importa? Ou a presença estética do objeto artístico é a única coisa importante? Conversas quase filosóficas têm algo a ver com arte? São parte da arte? Vierkant faz o possível para colocar essas questões de forma esteticamente interessante.

Artie Vierkant - Vista da instalação Photoshopped (esquerda), e Plant expression constructs 2, Soja MON89788, TO, Exploit (direita), © Artie Vierkant

MadC

A ex-grafiteira adolescente Claudia Walde, também conhecida como MadC, está transformando a forma como o mundo da arte fina interage com artistas de rua. MadC possui dois diplomas em design gráfico e é autora de vários livros. Ela também é mundialmente reconhecida como muralista, campo no qual desenvolveu uma posição estética distinta e visualmente impressionante. Recentemente, começou a evoluir sua linguagem visual para uma forma que se traduz em espaços formais de exposição interior. Criou instalações impressionantes e também realizou exposições de suas telas, feitas com camadas transparentes de tinta spray que deixam as camadas subjacentes visíveis. Ela até traduziu seu trabalho para objetos de moda, como sapatos.

MadC - Home Sweet Home, 2016, instalação, © MadC

Imagem em destaque: Iva Gueorguieva - Desert Willow, 2016, acrílico, óleo e colagem sobre papel montado em tela, créditos da foto Ameringer McEnery Yohe, Nova York
Por Phillip Barcio