Взгляд на искусство Жана Ле Моаля
Жан Ле Моаль стал зрелым художником в Париже в конце 1930-х годов, в то время как Европа находилась на культурном подъёме, но одновременно погружалась в хаос. Вся его карьера отражала это противоречие. Его искусство одновременно является свидетельством структуры и принятием беспорядка. Даже его самые ранние картины определили Ле Моаля как мастера цвета и искусного рисовальщика. Хотя его ранние работы были яркими и энергичными, они не отличались особой оригинальностью. Большинство идей он заимствовал, копируя современных мастеров в Лувре, и потому его незрелый стиль был в основном смесью фовистской цветовой гаммы, кубистической структуры и сюрреалистических сюжетов. Однако Ле Моаль был полон энтузиазма и смелости, и был решительно настроен однажды найти свой уникальный голос. Он верил, что этот голос придёт к нему через пути модернизма и абстракции. Его стремление к новизне и экспериментам привело его в круг французской авангардной сцены именно в то время, когда нацисты захватывали Европу и осуждали то, что называли «дегенеративным искусством». Ле Моаль был одним из многих французских художников, которые выступили против этой цензуры. Во время нацистской оккупации Франции он даже стал одним из основателей группы под названием Салон де Мэ (Майский салон). Помимо Ле Моаля, в этот влиятельный коллектив входили искусствовед Гастон Дьель, а также художники, такие как Анри-Жорж Адам, Робер Кутюрье, Жак Деспьер, Франсис Грюбер, Альфред Манесье и Густав Синье, среди прочих. Салон де Мэ сформировался в кафе, и именно из кафе группа организовала серию выставок на протяжении нескольких лет, которые представляли прямой вызов оккупантам. Салон де Мэ стал маяком света в тёмное время и помог обеспечить, чтобы французское искусство пережило войну. Возможно, слишком смело говорить, что Ле Моаль и его соратники возводили свою веру в искусство до уровня религии. Однако после войны Ле Моаль действительно стал глубоко предан идее, что искусство обитает в особой духовной сфере. В попытке создать возвышенный визуальный голос он полностью посвятил себя абстракции и наконец сумел передать таинственную силу цвета и света.
Архитектурные влияния
Ле Моаль родился в 1909 году в Отон-де-Перш. Его отец был инженером-строителем и поощрял Ле Моаля заняться инженерным делом и архитектурой в молодости. Ле Моаль учился на скульптора и специализировался на низком рельефе. В 17 лет он поступил в Школу изящных искусств в Лионе на архитектурный факультет. Ещё через два года он наконец написал свои первые полотна. Эти первые картины были фигуративными работами, вдохновлёнными природой. Даже в середине 1930-х, когда Ле Моаль начал исследовать модернистские стили, такие как сюрреализм и кубизм, его картины демонстрировали архитектурные влияния. Работы, такие как «Сидящий персонаж» (1936) и «Флора» (1938), показывают сильное влечение к структуре и традиционной гармонии вычислений. Его понимание того, как обращаться с пространством в искусстве, привело к одному из первых прорывов в карьере художника, когда в 1939 году Ле Моаля выбрали для росписи потолка Французского павильона на Международной выставке в Нью-Йорке.
Жан Ле Моаль - Barques 1947. Масло на холсте. 81 x 117 см. Частная коллекция, Швейцария. © Все права защищены / ADAGP, Париж, 2018.
К 1940-м годам Ле Моаль набрался смелости отойти от фигуративного искусства, но всё ещё оставался одержим линейной структурой. В своих первых абстрактных работах он изолировал элементы цвета и линии так, что работы напоминали произведения таких художников, как Пита Мондриана и Тео ван Дусбурга. Лишь в 1950-х годах Ле Моаль наконец нашёл свой собственный метод, полностью освободившись от структуры и приняв более лирический стиль. Картины, такие как «Весна» (1957) и «Флора» (1960), являются яркими примерами тачисма и даже намекают на духовные достижения Ле Моаля. Для создания этих картин он говорил, что освободился от необходимости замыкать формы. Ирония в том, что в 1956 году, одновременно с созданием этих новаторских работ, он вновь обратился к архитектуре, начав новую карьеру по изготовлению витражей для церквей.
Жан Ле Моаль - Paysage, la ferme, 1943. Масло на холсте. 24 x 35 см. Музей изящных искусств Кимпера. © ADAGP Париж 2018
Искусство как молитва
Трудно сказать, что для Ле Моаля было первым — витражи или картины, похожие на витражи. В любом случае, его витражные картины воплощают эффект светящихся лучей цвета, пронизывающих расщеплённые формы, парящие в пространстве. Одним из самых знаковых примеров его витражных картин является «Les Arbes» (1954). Переводится как «Деревья», и действительно эта картина намекает на вид ветвей дерева, лишённого листьев. Яркий, красочный свет заполняет пространства между линиями, создавая море живых, светящихся оранжевых и жёлтых форм. Как и Агнес Мартин, Ле Моаль, должно быть, видел в тройках некую святость и пытался передать её с помощью линий и цвета в таких картинах, как «Les Arbes».
Жан Ле Моаль - L'Ocean, 1958-1959. Масло на холсте. 1,62 x 1,14 м. Хранится в Национальном музее современного искусства в музее изящных искусств Кимпера. © ADAGP Париж 2018
В отличие от Мартина, который не был явно религиозным, Ле Моаль открыто выражал свои убеждения. Он был христианином, и его витражи устанавливались в христианских церквях. Он также надеялся, что они будут привлекать не только верующих. Он выражал желание создавать пространства, где люди могли бы молиться, но также и где те, кто не молится, могли бы найти тишину и покой. Влияние работы с витражами на Ле Моаля как художника было необычайным. Рамы его витражей строго структурированы в соответствии с архитектурой церквей, где они установлены. Но композиции внутри этих структур лиричны, жестовые и сильно абстрактны. В то же время картины, такие как «Летний свет» (1984-1986), показывают, как его зрелый стиль стал настолько свободным и абстрактным в 1970-х и 80-х годах, что его полотна напоминали разноцветные рубашки с узорами тай-дай, с вихревыми, психоделическими полями цвета, плавно переходящими друг в друга и сливающимися с иллюзорными, возвышенными пространствами. К концу жизни Ле Моаль замкнул круг как художник, который мог одновременно и идеально выразить тонкий баланс между структурой и свободой, и запечатлеть неуловимую архитектуру света.
Изображение в заголовке: Жан Ле Моаль - Рыба, 1952. Литография. Размер изображения: 29,9 x 50 см; лист: 38 x 57 см. Гильдия гравёров. Фонд Ларри Олдриха. Коллекция MoMA.
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор Филлип Барцио
